F.I.S.T. (1978)

Hace unos días fallecía Norman Jewison, uno de los directores más importantes y más veteranos que quedaba con vida. Nominado tres veces a la estatuilla de mejor director, en 1968 por En el calor de la noche, en 1972 por El violinista en el tejado y en 1988 por Hechizo de Luna, no fue capaz de conseguirlo.

Me puse a revisar su filmografía a ver que podía ver que no fuera muy conocido, y me decidí por ésta, que aunque tiene como protagonista a un Sylvester Stallone ya afamado por Rocky (primera película después de ella), y un buen elenco de actores, yo por lo menos no recuerdo que la hayan pasado aquí por televisión desde que tengo uso de razón.

Eso sí, algo vale que me preocupé un momento en echar un vistazo, porque el título es de esos que no llaman nada la atención.

Jewison se encontró con Sylvester Stallone un día después de que asistiera a una proyección privada con el preestreno de Rocky (1976) . Jewison dijo: "Después de predecir que Rocky sería un gran éxito, algo que muchos cuestionaban en ese momento, le pregunté (a Stallone) si le gustaría leer el guión de mi próxima película (FIST Símbolo de fuerza). Se lo llevó a casa y me llamó al día siguiente para decirme que quería hacerlo. Lo único que teníamos era un acuerdo verbal. Pero lo cumplió"

Además el director también dijo de Stallone como publicidad para esta película: "Stallone no es sólo una estrella de cine para los fans. Se ha convertido en un héroe de culto para ellos. Se identifican con él como lo hacen con las estrellas de rock, como Elvis Presley o The Beatles". Son más reservados con otras estrellas de cine, que parecen menos accesibles. Piensan en Stallone, como Rocky, como parte de ellos. Es muy abierto".

Parecía que la química era muy buena, tanto que Stallone hizo algunas aportaciones al guión original de Joe Eszterhas (que además era su primer trabajo), aunque parece que nada exhaustivo. De hecho Stallone cobró casi el doble por el trabajo en el guión que el guionista original.

Sylvester Stallone, recién convertido en una gran estrella, fue frecuentemente acosado, gritado y agasajado por los admiradores durante la fotografía principal de esta película. Miles de fans de más de cien millas de distancia se reunían diariamente en lugares de rodaje en Dubuque, Iowa, cantando "¡Rocky! ¡Rocky! ¡Rocky!" desde detrás de cuerdas y barreras policiales del lugar de rodaje. 

Según parece, Stallone hacía unas tres peregrinaciones al día a las barreras de seguridad para estrechar la mano de los fans, posar para fotografías y dejar que algunos de los más atrevidos lo besaran. Cuando el tiempo no le permitía firmar autógrafos, Stallone aparentemente decía: "Sólo lo perderías. ¡Un apretón de manos dura para siempre!".

Hay mucha gente que siguiendo la tendencia de otros o repitiendo como loros lo que otros dicen subestiman y desprecian a un actor como Sylvester Stallone. Creo que no es opinable que Rocky, tanto la película, como su personaje, son prácticamente una obra maestra del cine, y algo similar en menor medida sucede con su personaje de John Rambo en Acorralado. Pueden no gustarte las películas, pero el trabajo y la actuación de Stallone es más que notable. Y aquí también lo es.

En Rocky interpretando a un emigrante italiano (su verdadero origen, su padre era de la región de Bari) y aquí a un emigrante húngaro. La película se centra en la experiencia húngaro-estadounidense. Ambientada en la ciudad de Cleveland, históricamente, el estado de Ohio y en particular Cleveland ha tenido la mayor población de húngaros-estadounidenses. Aunque el rodaje se realizó en un pueblo de Iowa, después de visitar más de 60 pueblos, ya que al ambientarla en la década de los treinta, necesitaban un lugar poco desarrollado que diera apariencia de ello.

Curiosamente los padres de Stallone han sido muy longevos, su padre falleció en 2011 con 92 años, y su madre en 2020 con 99, pero perdió a su hijo mayor, Sage, que trabajó con él en Rocky V con tan solo 36 años de edad.

Por la película van desfilando bastantes actores conocidos, algunos con papeles relativamente breves a pesar de ser actores muy importantes, y otros con papeles más protagonistas. Varios de ellos, como Melinda Dillon, han fallecido recientemente, también Brian Dennehy, Kevin Conway o James Karen. Además otros secundarios muy buenos como Tony Lo Bianco o Peter Boyle.

Hay numerosas conexiones entre los actores de la película.

El director Norman Jewison y el actor Rod Steiger, coincidieron hasta en cuatro películas. Jewison dirigió a Steiger en esta película, así como en Huracán Carter (1999) y En el calor de la noche (1967) , por la cual Steiger ganó el Premio de la Academia al Mejor Actor Protagonista. Steiger también coprotagonizó la producción de Jewison El asesino del calendario (1989).

Rod Steiger y Sylvester Stallone se reencontraron dieciséis años después en El especialista (1994) .

Sylvester Stallone y Brian Dennehy, quienes luego protagonizaron Acorralado (1982) cuatro años después.

Sylvester Stallone y el actor Frank McRae (con un papel testimonial al principio de la película) también aparecerían juntos en tres películas más: La cocina del infierno (1978), Rocky II (1979) y Encerrado (1989), interpretando al muy reconocible personaje de Eclipse.

Asimismo, la música de la película fue compuesta por Bill Conti, quien había compuesto la banda sonora ganadora del Óscar para Rocky (1976). FIST Símbolo de fuerza (1978) es una de las diez colaboraciones entre Conti y Stallone, y además de las seis entregas de Rocky, las otras son Encerrado (1989), Evasión o victoria (1981) y La cocina del infierno (1978).

La película está basada en la vida del jefe sindical Jimmy Hoffa , quien catorce años más tarde sería el protagonista de la película biográfica Hoffa: un pulso al poder (1992) , donde el personaje principal sería interpretado por Jack Nicholson.

Una película ambientada en el pasado, y con interpretaciones del pasado, sobrias y acompañadas de unas voces de doblaje inmejorables.

Una película de Stallone alejada de sus personajes de Rocky, Rambo, Cobra ..., y que podríamos agrupar junto con La cocina del infierno o La carrera de la muerte del año 2000, como papeles diferentes de Stallone en sus inicios.

Una de las mejores interpretaciones de Stallone, que era, por aquel momento, un joven actor muy talentoso.

Valoración:                                  7/10

Chantaje en Tulsa (1997)

 

Esta es una de mis películas más recientes desde que empecé el blog, y es que sigo siendo reacio al cine del siglo XXI, y aunque voy apreciandolo más y viendo alguna que otra película también a gran parte del cine de los noventa.

Es una película que me llamaba la curiosidad y que me costó mucho conseguir, y que aunque en IMDb alguien ha bautizado como Rumbo a Tulsa, yo siempre la conocí como Chantaje en Tulsa.

Una ciudad esta de Tulsa, que recuerda  más bien al Western, aunque si uno mira el mapa de los Estados Unidos de América, está en el centro del país, mirándolo horizontalmente, en el estado de Oklahoma, y no en medio de la nada porque está relativamente cerca de Texas (que es donde realmente está rodada la película), pero si es un estado relativamente intrascendente, aunque un poco menos con el asentamiento de un equipo de la NBA en Oklahoma City hace unos pocos años.

Una película con un buen reparto, pero muy poco conocida, con muy pocos votos en IMDb, y eso que cualquier película, en especial a partir del año 2000 tiene un número importante de valoraciones, lo cual me hace pensar que esta película no tuvo tampoco mucha difusión en América.

Y ese reparto podemos decir que lo encabezan Eric Stoltz y James Spader, dos actores más o menos importantes del boom de los años ochenta, que siempre se me asemejaron bastante, tanto físicamente, como en los papeles que representaban, habitualmente de chicos buenos. Aquí bueno, bueno no es ninguno de los dos, pero sorprende sobre todo el papel de James Spader, muy diferente a lo que yo he visto de él, y además con un color de pelo oscuro que nunca le había visto, que hasta me hizo tardar en reconocerle.

Curiosamente, ambos habían trabajado juntos en Dos días en el valle, donde eligieron a Stoltz gracias a la mediación de Spader, y aquí parece ser que fue al revés y Stoltz le devolvió el favor a James Spader para que le dieran un papel en esta película.

Junto a ellos, una atractiva y de actualidad por aquella época Deborah Kara Unger, por su papel en Crash (curiosamente junto a James Spader también), aunque su popularidad fue bastante fugaz y es difícil recordarla en muchas más películas ... aunque igual es una percepción mía por mi falta de interés en el cine del siglo XXI.

Pero el reparto no se quedaba ahí, además de una mínima aparición inicial de una joven Cameron Diaz, en el reparto aparecían algunos actores veteranos de empaque, especialmente James Coburn, un notable actor principalmente conocido por ser uno de Los 7 magníficos, un siempre interesante Peter Strauss y la más televisiva pero muy popular en Estados Unidos, Mary Tyler Moore.

Y para mi el que mejor papel hace en la película que es Michael Rooker (conocido por sus papeles en Días de Trueno junto a Tom Cruise y Máximo Riesgo junto a Sylvester Stallone), que aunque un poco pasado de peso con respecto a lo que le conocía en otros papeles, lo suple con una interpretación destacada sobre sus compañeros de reparto.

Pero no sé porqué, pero a mí estas películas que suelen mezclar drogas, tabaco, alcohol, crímenes, me suelen resultar un tanto rayantes, y básicamente porque la película no tiene ningún argumento.

De hecho no he visto algunas películas super famosas como Pulp Fiction o Reservoir Dogs porque entiendo que no me van a gustar y supongo que tendrán algún parecido a ésta.

No me van las películas de Quentin Tarantino, ni de David Lynch ni de David Cronenberg.

El personaje principal de Eric Stoltz (que curiosamente interpreta a un crítico de cine), se me asemeja al de Michael J. Fox en Noches de Neón o al de Robin Williams en Aprovecha el día, pero desde una perspectiva de tranquilidad ante los problemas, sólo que aquellas películas tenían algo más, aquí realmente no hay nada que llame la atención, y además no es una película corta precisamente, uno va viendo pasar los minutos esperando que la película arranque o aparezca algo interesante, pero realmente no se produce.

Valoración:                                      4/10

Fuga del paraíso (1989)

 

De los cuatro protagonistas de la mítica serie de El Equipo A, había un actor con mayúsculas como era George Peppard (Hannibal), un culturista más que actor (M.A.), pero que consiguió su protagonismo gracias a su papel en Rocky III, aunque también tiene un papel en una película de la que conservo gran recuerdo, Los locos del Taxi. Y luego tenemos dos tíos casi anónimos, pero que en mi opinión son dos pedazo de actores, como Dirk Benedict (Fénix) y Dwight Schultz (Murdock), eso sí ayudados por dos voces de doblaje muy notables.

A pesar de que, salvo Peppard, ninguno tuvo importancia en la gran pantalla, si que se les puede encontrar en alguna película aislada.

De Dirk Benedict ya había visto alguna, como Crucero infernal (1978), Los ligones del Beverly Plaza (1981) o Alaska (1996), pero en general o eran TV Movies muy poco conocidas, o no era el protagonista principal de las mismas. Ésta era su primera película después de acabar El Equipo A, pero su filmografía apenas llega a 50 títulos de crédito, con años de espaciado entre dos títulos en algunas ocasiones. Parece ser que tuvo problemas serios de salud en los años 70 y después de la famosa serie se retiró a una cabaña para vivir en tranquilidad, saliendo de dicho estado en contadas ocasiones.

Lo curioso es que, para los más fanáticos de El Equipo A, como yo, en el episodio piloto, doble, de la famosa serie, el papel de Fénix no lo interpreta Dirk Benedict, y no sé bajo que circunstancias se produjo el cambio, con el que la serie salió ganando claramente.

Es sorprendente como su personaje aquí es diametralmente opuesto al de Fénix, pareciendo que tenga alergia a las mujeres, cuando en la serie no había episodio en que no ligara con alguna chica.

Se pasa gran parte de la película fumando puros, puntualmente en El Equipo A se le ve alguna escena con uno en la boca, pero si no, en otras ocasiones es el proveedor oficial de Hannibal.

Aquí a pesar de ser una TV Movie, es el protagonista absoluto de la misma, dejando en segundo plano a un muy interesante Bruce Dern, uno de los actores de los que más películas he visto desde que comencé este blog, y que aquí tenga posiblemente la actuación más floja que le recuerdo, aunque lastrado por su personaje y por la deriva de la película.

El resto del reparto es bastante anónimo, aunque me quedé sorprendido de la presencia de una actriz (Kim Zimmer), que aparece en al menos dos episodios de Macgyver ... sobre todo porque esa misma tarde había visto uno de los episodios de la serie en los que aparece.

Una película con una mujer como directora, una de las que su nombre resulta familiar, Martha Coolidge, y es que entre sus trabajos tiene alguna película muy famosa como La chica del valle (1983) y Escuela de genios (1985).

Pero no creo que éste sea su mejor trabajo, la película se hace lenta y con muchas fases o escenas sin mucho significado, sin avanzar en la investigación en torno a la que gira mayoritariamente la película.

Además para situar la trama en Hawai (y oficialmente parece que se rodó en Honolulú), la sensación es que se podía haber rodado en cualquier trozo de la Costa Oeste de los Estados Unidos. Hay muy pocas escenas de playa y sobre todo hay pocas escenas del entorno, que podrían haber ayudado a construir un ambiente más agradable y atractivo.

El tema de los detectivos igual no está sobreexplotado, pero si que hay detectives muy famosos, o sagas largas, o incluso series de televisión.

Podríamos destacar a Sherlock Holmes, Hércules Poirot o a Philip Marlowe, y sobre todo dos series de televisión que para mi son la referencia en cuanto a detectives, Se ha escrito un crimen y Remington Steele, que es a quien más me recuerda esta película, por sus ligeros toques de humor y porque la investigación queda difusa y a veces en segundo plano, hasta que de repente se presenta casi la solución de manera repentina.

De hecho en la película citan a la serie protagonizado por la Sra. Fletcher, y también a Corrupción en Miami, aunque con ésta yo veo escaso parecido.

En conclusión, una película para los grandes seguidores del personaje de Dirk Benedict o incluso para los seguidores de Bruce Dern que quieran completar de ver su filmografía, pero en líneas generales película un poco sosa, lenta y mejorable.

Valoración:                                   5/10

Tim (1979)

 

Recientemente había sido el cumpleaños de Mel Gibson, y buscando entre su filmografía, me encontré con esta película que lo emparejaba con la recientemente fallecida Piper Laurie, así que me pareció una película idónea para ver.

"Tim" es posiblemente la más desconocida y subestimada de todas las películas que ha hecho Mel Gibson. Aunque data de la misma fecha que Mad Max, ésta todavía estaba en post producción, y además Mad Max era una película totalmente autóctona, y entiendo que el prestigio y la fama que le dio a Mel Gibson vino tiempo después.

No obstante Mad Max fue un importante trampolín para la industria cinematográfica australiana moderna que tan buenos ratos me ha hecho pasar a mi.

Podríamos encontrar similitudes y hacer una mini lista con dos grandes películas, como Rain Man y Forrest Gump, aunque ambas dos sean tremendamente populares y ésta absolutamente anónima. Pero es sorprendente como tres grandes actores aceptan un papel así y lo interpretan de una manera formidable.

La película también la podríamos enmarcar en una categoría de relaciones con mucha diferencia de edad entre los protagonistas.

Aquí un par de listas sobre estos dos aspectos que he encontrado

Películas sobre el espectro autista

Películas con un romance de gran disparidad de edad

El director Michael Pate (que a su vez hace de guionista y de productor en esta su película de debut y única como director) quedó tan impresionado con la actuación de Piper Laurie como el personaje principal en Ruby (1977) que la buscó para interpretar el personaje de Mary Horton en esta película. Y a Mel Gibson lo reclutó después de verlo trabajar en Mad Max.

En su autobiografía de 2011, Learning to Live Out Loud: A Memoir, Piper Laurie reveló que ella y Mel Gibson tuvieron una aventura de una noche mientras estaban en el set de rodaje, a pesar de su diferencia de edad de casi 25 años y del hecho de que ella estaba casada en ese momento.

Estamos ante una película lenta, romántica, poco habitual y reflexiva, que nos invita a pararnos a pensar como tratamos nosotros a personas diferentes o con problemas de desarrollo mental. Qué hacemos nosotros por ayudar a estas personas o qué actitud tenemos ante esta problemática. Es una buena herramienta para concienciarnos de que son personas y merecen que las tratemos como tal, con más cariño incluso.

Igual a veces nos preguntamos qué hacen dos personas juntas, porque no nos cuadran, o porque una nos parece que vale mucho más que la otra, pero ahí está la grandeza del amor, que todo el mundo tiene derecho a querer y ser querido, y que todo el mundo suele tener su oportunidad.

La película nos muestra que el hecho de que una relación te parezca extraña no significa que haya algo malo en ella. El amor de toda una vida puede surgir entre las personas más improbables.

Así que ésta es la conmovedora historia de dos personas que encuentran la felicidad y el amor a través de una relación poco ortodoxa.

Una historia conmovedora de amor e inocencia por un lado e ignorancia, prejuicio e intolerancia por el otro.

Nos presenta un estilo de vida diferente y tan respetable como otro cualquiera, familiar por un lado, solitario por otro, tierno, romántico, generoso y condescendiente.

Es difícil que esta película no guste, pero no todo me parece redondo o bien hecho en ella. El personaje de Mel Gibson tan pronto parece deficiente como otras pleno de facultades, se hace lenta, falta explotar o desarrollar más ciertos aspectos, y el final se queda un poco frío, pero todo ello no empaña una entrañable y bonita película.

Esta película es imprescindible para cualquier persona interesada en criar y educar a un niño con el desafío de una discapacidad mental, pero que debería ser de recomendado visionado para todos y así saber y ser conscientes de como hay que tratar a esa gente especial, que ellos no han decidido ser así, y que además no pueden disfrutar plenamente de la vida como las personas normales.

Valoración:                                7/10

Criatura diabólica (1986)

 

El género Slasher (subgénero dentro del cine de terror) tuvo bastante aceptación, y por ello proliferaron muchas películas de este tipo, a finales de los 70 y durante los 80, con la generación incluso de varias sagas exitosas, entre las que podríamos destacar

- Viernes 13

- Halloween

- Pesadilla en Elm Street

- Scream

Habitualmente se diferenciaban por el tipo de arma cortante que se utilizara en las películas, desde punzones, cuchillos, hachas o hasta motosierras, pero si que es cierto que, sin llegar a entonar la frase de vista una, vistas todas, si que se parecen bastante y raramente aparecen efectos lo suficientemente diferenciadores como para sorprenderte y pensar que has visto algo novedoso e interesante.

A pesar de que las primeras influencias pudieron estar en una película tan famosa como Psicosis, este género Slasher tuvo su origen en italia, llamado Giallo allí, donde desde finales de los sesenta se empezaron a hacer películas de este estilo, de la mano principalmente de dos directores que han sido sus máximos exponentes, Umberto Lenzi y Dario Argento, pero con otros muchos que han realizados distintas películas sobre el género, como Mario Bava, Lamberto Bava, Lucio Fulci, Sergio Martino, y otros, incluído el director de esta película Ruggero Deodato.

Aquí una lista bastante completa sobre el género Giallo, aunque las haya más extensas.

Giallo Movies

Nuestro director de hoy, Ruggero Deodato, no es que haya sido muy prolífico en el Slasher/Giallo en particular, pero si en el cine de terror, que es el que marcó todo su trayectoria profesional, teniendo varias películas que se podrían clasificar dentro del subgénero gore, como son sus dos principales títulos, Mundo caníbal, mundo salvaje y Holocausto caníbal, que lo convirtieron en un director de culto en el cine de terror en los años 80.

Aunque hay gente que describiría el género Slasher como películas de terror producidas rápidamente, preferiblemente sin argumento, en las que adolescentes cachondos y de aspecto estúpido son masacrados por docenas, y seguramente alguna encajará a la perfección en esa descripción, a mi algunas de ellas me resultan interesantes y esa definición me parece básica y hecha desde la perspectiva de alguien que de partida no aprecia estas películas.

Como he dicho, estas películas se parecen bastante y lo normal es que no haya muchos argumentos diferentes como para comentarla y diferenciarla de lo dicho de otras, y más con un escenario tan repetido como suele ser un camping.

Pero es precisamente ese escenario lo que enriquece la película (de hecho, yo la consideraría una joya perdida ... dentro de este subgénero).

A pesar de intentarla situar en el estado de Colorado en Estados Unidos (cualquiera que haya visto una película ambientada allí, por ejemplo se me viene a la cabeza La carrera de la vida, sabe de sobra que ese terreno no es característico de allí), la historia se rueda con mucho acierto en ciertas localizaciones de los Abruzzos italianos.

Estas películas suelen tener una alta cuota de oscuridad, o incluso algunas casi la totalidad, pero ésta aprovecha muy bien los fragmentos de unión entre crímenes para mostrar unas imágenes, de naturaleza y práctica deportiva, excepcionales y variadas.

Quizás la parte menos destacada sea la actuación, aunque eso en este tipo de películas, casi siempre anónimas en cuanto reparto, suele ser poco importante, y a pesar de que hay varios actores habituales de este tipo de películas de serie B.

Con casi todo el elenco femenino desnudándose, cosa que se suele criticar del género Slasher en general, aunque por otro lado puede ser un reclamo para otro tipo de espectadores.

Para los amantes de la naturaleza y de Italia creo que es una película bastante decente y destacada dentro de este subgénero Slasher/Giallo que hemos comentado.

Valoración:                                     6/10

El cuarto Rey Mago (1985)

 

Conseguí esta película hace pocas fechas, y evidentemente, que mejor momento para verla que la noche del 5 de enero.

No sé cuanto tiene de verdad la historia (no está en La Biblia), pero aparentemente está basada en una novela y yo nunca había oído hablar acerca de este acontecimiento histórico.

Pero esta mañana me sorprendía la conexión con el cura en la misa de la Epifanía del Señor, cuando se ha puesto a hablar sobre esta historia, siendo completamente familiar para mi, como si él también hubiera visto la misma película la noche anterior, o como si me hubiera leído el pensamiento, pero me he quedado sorprendido y satisfecho por ello.

Para ser una película religiosa, hay tres detalles que me han sorprendido, por no ser habituales en este tipo de películas.

- El primero es la propia historia. Habitualmente este tipo de películas se centran en la vida de Jesús, mayoritariamente, y puntualmente aparecen otros personajes con cierto protagonismo, llegando alguno de ellos a ser el principal en alguna película (recuerdo por ejemplo una película con título Poncio Pilatos).

- El segundo es la fecha de la película. La mayoría de superproducciones centradas en la vida de Jesús, como Los diez mandamientos, Ben-Hur o Rey de Reyes, como ejemplos más significativos, son de la segunda mitad de la década de los cincuenta del siglo XX o la primera mitad de la década de los sesenta. Después, en la década de los setenta, se hicieron otras versiones u otras películas (algunas de ellas películas para televisión como ésta), ya con mucho menor presupuesto que estas otras, pero ésta se va ya a medidados de los ochenta.

- El tercer detalle, es la duración de la película. Este tipo de películas, por norma general, suelen ser de las más largas que se conocen. Muchas de ellas pasan de las tres horas, por ejemplo 3h 32m Ben-Hur, 3h 40m Los diez mandamientos, las 2h 48m Rey de Reyes o las 2h 54m de La Biblia. Y en cambio, esta El cuarto Rey Mago dura escasamente 1h 10m.

Como no había mirado nada de ella, si no que por el título tenía claro que la iba a ver si o si la noche de Reyes, ni siquiera sabía si la historia versaba sobre lo que decía el título, ni tampoco conocía el reparto de la misma.

Y me encontré con un sorprendete buen reparto para ser una película totalmente desconocida. Encabezado por Martin Sheen, del que hace poco había visto otra TV Movie muy desconocida, Más allá de las estrellas, dos bonitas historias, como otras tantas que se esconden en ocasiones detrás de este tipo de películas hechas para televisión.

Curiosamente, el propio Sheen, protagonizaría años después otras películas o papeles de corte religioso, como Gospa. El milagro de Medjugorje (1995), o Asalto al Monasterio (1995).

En una época en la que Martin Sheen había perdido popularidad, y ya emergían sus hijos Charlie Sheen y Emilio Estévez, hizo durante los ochenta bastantes películas de éstas, porque al fin y al cabo está cerca de los 300 títulos de crédito en su filmografía, que de algún lado tenían que salir, que se dice pronto.

Junto a él, como segundo protagonista y acaparando entre ambos todo el protagonismo, un siempre interesante Alan Arkin, fallecido en este 2023 que acabamos de despedir. Junto a ellos, pero ya con papeles muy residuales al ser una película corta, y centrada en el personaje de Martin Sheen, el también fallecido en 2023, Lance Kerwin, y algunos secundarios ya veteranos en aquella época como Ralph Bellamy, Harold Gould o Eileen Brennan.

Pero lo sorprendente del reparto es que parecía una película familiar, con las familias de Sheen y Arkin ampliamente representadas.

De los hijos de Martin Sheen, intervienen todos salvo Emilio. Un papel de los más prematuros para Charlie Sheen, donde interpreta a un portador de lanza. Su hermano Ramón y su hermana René también estuvieron entre el elenco, así como el hermano de Martin Sheen, Joe Estévez.

Sorprendente familia en la que unos llevaban el apellido Estévez (recordemos que el padre de Martin Sheen era gallego) y otros el artístico Sheen. 

La familia Arkin también estuvo representada, con un pequeño papel para su hijo Adam y otro para su esposa, Barbara.

La película se hace corta y tiene carencias claras de presupuesto y se echan de menos más acontecimientos, especialmente acostumbrados a estas películas tan largas, además de que la que yo pude conseguir tenía un doblaje pobre, supongo que de algún otro país con nuestra lengua. Pero lo realmente potente e importante de esta película es la historia en sí, que yo desconocía, y el mensaje y las enseñanzas que te quiere transmitir.

La película nos hace reflexionar sobre dónde está nuestro corazón y la importancia de ayudar al prójimo, de no dejar de buscar a Dios en todas las cosas que te rodean y de no abandonar nunca tu fé.

Más que verla la noche de Reyes, sería recomendable verla al comienzo de las Navidades, para reflexionar sobre el verdadero espíritu de las mismas y no caer año tras año en el consumismo de estas fechas.

Es una historia inspiradora no sólo de la naturaleza de la Navidad, de que cuando damos, recibimos, sino también del significado de la vida misma, estamos aquí para ayudar a los demás, como últimamente me han recordado con sus acciones y su forma de ser mis fantásticos amigos de la Comunidad Amaos, a los que agradezco su acogida y su cariño.

Valoración:                                  6/10

Noches de Broadway (1989)

 

No sé de que manera, casualmente, me encontré pocos días antes de finalizar el año con que esta película estaba ambientada en el primer día del año (bueno, la madrugada del 31 al 1), así que me lo anoté y me dispuse a verla en la noche del día 1 de enero.

Aunque la película tenía título de musical, y no es mi género favorito de lejos, mirando el reparto, y con esa coincidencia de ver una película ambientada en año nuevo ese día, era muy difícil decirle que no.

Un reparto con muchos actores conocidos y compartiendo protagonismo a la vez, sin ser ninguno protagonista principal de manera evidente.

- Matt Dillon, un actor que nunca me convenció mucho, o más bien las películas en las que interviene. Ya era un actor muy importante en esa época, ya que había protagonizado dos de sus mayores éxitos, Rebeldes y La ley de la calle.

- Madonna, que evidentemente es cantante y no actriz, pero que ha hecho sus pinitos en el cine, y que también había rodado parte de sus papeles más importantes, como en Buscando a Susan desesperadamente, Shanghai surprise o ¿Quién es esa chica?

- Rutger Hauer, posiblemente el actor holandés más importante, con numerosos y versátiles papeles, quizás su interpretación en Blade Runner sea la más popular.

- Jennifer Gray, asociada principal e indisolublemente a Dirty Dancing, y con un papel un tanto soso e inexpresivo aquí, con ese halo de niña que siempre tuvo.

- Randy Quaid, el hermano mayor y menos agraciado que su hermano en cuanto a atractivo, pero que volvió a hacer una gran interpretación desde su 1,96 metros de altitud.

- Esai Morales, un actor que me encanta, por lo menos en las películas que le he visto, en especial La Bamba y Rapa Nui, aunque aquí con un papel poco protagonista y extraño.

Y además, entre el resto del reparto, con un papel muy residual, aparece otro interesante actor secundario, como es Steve Buscemi.

Todos ellos dirigidos por un director, en su único largometraje, ya que había contraído el SIDA poco tiempo antes de empezar el rodaje y falleció antes de su estreno.

Con ese elenco, cualquiera diría que sería una película interesante, pero a mi había dos cosas que me alertaban de que posiblemente no me gustase.

- La primera que estaba ambientada en 1929, y casi siempre las películas de los años setenta y ochenta ambientadas en la primera parte del siglo veinte no me suelen enganchar.

- La segunda, que a pesar de todo ese elenco de actores, la película es totalmente desconocida en España, lo que hace indicar que no triunfó en la taquilla americana, y posiblemente ni se estrenaría aquí en cines, no he encontrado información al respecto.

El caso es que rápidamente me di cuenta de que no era mi tipo de película preferida. Siempre he dicho que hay géneros de cine que no casan bien entre si, en especial la comedia con algunos otros, y me encontré con una especia de recreación de película de cine negro, totalmente anacrónico ya en el año 1989, con un poco de comedia y crimen, que a mi modo de parecer no casaron bien entre si.

Con todo eso, la película no aprovecha a la mayoría de los actores, porque en mi opinión no encajan bien en este tipo de película, especialmente Rutger Hauer, quedando como el único resaltable e interesante el personaje de Randy Quaid.

Seguramente este tipo de películas tenga sus devotos, o sus seguidores, pero para mi es un desperdicio de un gran elenco, y un guión poco atractivo, supongo que principalmente por lo extraño, diferente y poco atractivo que resulta lo que ocurría en esa época, hace casi 100 años, o por la recreación que se hace de ello.

Valoración:                                      4/10