El valle del fugitivo (1969)

 

Parece que siempre iba a ser jóven Robert Redford, pero ya ha cumplido 88 años, y aunque hay actores todavía mayores que él, algunos rozando la centena, está entre los actores vivos más veteranos.

Aunque también tiene una faceta de director y como organizador del famoso festival de cine de Sundance (al que bautizó con el nombre de su personaje en la película Dos Hombres y un Destino o Butch Cassidy y The Sundance Kid), y aunque lleva ya bastante tiempo semi retirado, todos le seguimos teniendo muy presente por varias de sus películas, muchas de ellas un éxito, y por tanto uno de esos actores que no necesitaban tener una filmografía muy extensa porque cualquiera de sus películas triunfaba en las taquillas, o videoclubs por aquella época.

Cada uno seguramente le asociaremos a una serie de películas, o tendremos unas películas favoritas suyas por delante de otras. Yo, por ejemplo, le asocio principalmente a su pareja cinematográfica formada con Paul Newman, y por tanto a sus películas Dos Hombres y un Destino y El Golpe (la mejor para mi), y también como obras muy representativa suyas a Las Aventuras de Jeremías Johnson y a Memorias de África, que no se si alguna vez he llegado a ver entera, pero que en mi opinión tiene una de las canciones de cine más bonitas que conozco.

Al igual que su querido amigo Paul Newman , ambos hombres tuvieron hijos primogénitos llamados Scott que fallecieron antes que sus padres.

No le gusta ver sus propias películas. La única película en la que quedó completamente satisfecho con su propia actuación fue El Golpe (1973).

Junto con Warren Beatty, Clint Eastwood, Mel Gibson, Richard Attenborough y Kevin Costner, una de las seis personas que han ganado un premio Oscar al mejor director, aunque son principalmente conocidos como actores.

Ha aparecido en siete películas dirigidas por Sydney Pollack: 

- Propiedad condenada (1966) 

- Las aventuras de Jeremiah Johnson (1972) 

- Tal como éramos (1973) 

- Los tres días del cóndor (1975) 

- El jinete eléctrico (1979) 

- Memorias de África (1985) 

- Habana (1990)

Por no hablar mucho más de él y hacerlo un poco más de la película, decir que no fue un actor encajonado en un perfil de personaje típico, y que abarcó papeles de comedia, como dramáticos, románticos, de aventuras y de westerns como aquí.

Como aquí ... en una película que no pasó ni pasará a la historia, bastante floja en mi opinión, tanto dentro del propio género del western, como analizándola en líneas generales.

Podría decirse que estamos ante un western tardío, no crepuscular, pero si ya un tanto decadente, sin ninguna de las características habituales de los grandes éxitos de este género, buscando un toque de distinción con otros aspectos que difícilmente consigue.

Alejada del estado, en mi opinión, por antonomasia protagonista del western, como es Arizona, aquí se escoge como localización California, lo que implicaba la expansión hacia el oeste como el desastre que fue para los nativos americanos. Se sitúa en una especie de valle o de paraje que en algún momento puede parecer interesante, pero que se explota muy fugazmente, salvo al final que aparecen unos curisosos Joshua Trees, árboles muy característicos del estado californiano (de hecho hay un parque nacional con este nombre), y que pegan muy bien además de los cactus en una película del oeste.

Además la persecución no es nada emocionante y el principal argumento de la película es la tormentosa relación entre dos indios, pero no indios con plumas y pinturas como se pensaría, si no más bien ya indios semi mestizos, con bastante parecido a los blancos.

Tampoco el reparto que acompaña a Redford en esta película es un gran aliciente para verla. Cuenta con algunos nombres conocidos, como Katharine Ross, esposa de un actor que me gusta, como es Sam Elliot, y que ya compartió escena con Redford en Dos Hombres y un Destino. Además dos caras curiosas, John Vernon, al que acabo de ver en un episodio de El Equipo A y que compartió trabajo con Clint Eastwood en El Fuera de la Ley, y Susan Clark, que aunque esté poco reconocible, para los que éramos niños en los 80, interpretaba a la madre adoptiva de Webster.

Se trata de una película que se esfuerza demasiado por ser digna, convencida de que transmite un mensaje profundo sobre la culpabilidad de los hombres blancos que colonizaron el Oeste americano a expensas de los indios nativos americanos.

La conclusión es que cada escena es dolorosamente lenta en llegar al desenlace, por lo que la película parece mucho más larga que una hora y treinta y seis minutos. Ya que antes lo he nombrado, podríamos decir que se trata de un western pálido.

Valoración:                           5/10

La mejor marca (1982)

 

Nada más terminar los Juegos Olímpicos me puse a buscar películas relacionadas con los mismos, para ver una que tuviera como argumento algo que ver con ellos, y de entre las que vi rápidamente, teniendo en cuenta que muchas son ya del siglo XXI y seguramente no tendrían mucho que ver, mi atención se fijó en ésta que encajaba más dentro de mis gustos y de la filosofía del blog.

Aunque realmente la película no está relacionada con los Juegos Olímpicos, sin con las Olimpiadas, que es el período de cuatro años que transcurre entre dos eventos olímpicos (bueno, salvo la última que solo han sido tres entre Tokio y París por culpa de la maldita pandemia y su vacuna que tanto me han destrozado la vida).

Y lo primero y más curioso es que el deporte en torno al que gira la película, es el pentatlón atlético, disciplina que yo existe y que fue reemplazada por el actual heptatlón. La película, que es de 1982, está ambientada en la clasificación para los Juegos Olímpicos de Moscú en 1980, siendo ésta la última ocasión en que se disputó dicha disciplina atlética, pasando ya a debutar en la siguiente cita, Los Ángeles 84, la disciplina de heptatlón.

El guionista y director de la película, Robert Towne, investigó el proyecto pasando tiempo con muchas estrellas del atletismo de ambos sexos. El plan original era mostrar a corredores entrenando para los Juegos Olímpicos de Moscú de 1980. Cuando Estados Unidos boicoteó esos juegos, hubo que modificar algunas líneas del guión.

Me resultó super curioso, como una de las actrices que interpreta a una atleta, llevaba puesta en una prueba o entrenamiento del rodaje, una camiseta de Río de Janeiro, que años más tarde fue sede olímpica, aunque en ese momento ni se había elegido ni creo que hubiera expectativas y planes de ello.

Una parte de la película se ambienta en Eugene, en el estado de Oregón. Uno de los lugares clásicos del atletismo americano, donde creo que se han hecho numerosísimas pruebas de selección olímpicas (o Trials), y que seguramente era muy desconocido para nosotros hasta que no se celebraron allí los mundiales de atletismo al aire libre en 2022, y se incluyó en el prestigioso calendario anual de la Diamond League. 

Pero yo, como gran admirador siempre del atletismo, y aspirante a saltador de triple salto frustrado (creo que valía mucho para ello), recuerdo hace 20 años o más cuando revisaba las mejores marcas de la temporada previas a un mundial o a unos Juegos Olímpicos, en la antigua página de la IAAF (hoy creo que World Athletics), como varias de esas marcas siempre estaban hechas en Eugene.

La película fue coprotagonizada por una atleta olímpica en la vida real. Patrice Donnelly, que interpretó a Tory Skinner, fue miembro del equipo de atletismo de los Estados Unidos en los Juegos Olímpicos de Montreal 1976, llegó a ser la tercera mejor atleta del mundo en pentatlón y la cuarta mejor corredora de vallas del mundo. Esta película fue su debut cinematográfico.

Y además también participa en la película el corredor de maratón en la vida real Kenny Moore, que corrió la maratón en los Juegos Olímpicos de 1968 y 1972 (donde terminó en cuarta posición). Sin embargo en esta película, Moore no interpreta a un atleta, si no a un nadador olímpico y jugador de waterpolo. En la época en que se hizo y estrenó la película, Moore trabajaba como periodista deportivo para la revista 'Sports Illustrated'.

Ésta es una de las películas de finales de los años 70 y principios de los 80 que giraban en torno a las mujeres deportistas. Otras películas son Blue Skies Again (1983) (béisbol), La chica de oro (1979) (atletismo) (la cual ya vi y comenté en el blog), El milagro de Kathy Miller (1981) (atletismo), Hockey Night (1984) (hockey sobre hielo), La princesa del estadio (1983) (campo de fútbol americano), Gregory's Girl (1980) (fútbol) y Corazón sobre ruedas (1983) (automovilismo).

La película muestra algunos entrenamientos y ejercicios técnicos interesantes de algunas pruebas que componían el antiguo pentatlón (en teoría eran 100 metros vallas, lanzamiento de peso, salto de altura, salto de longitud y 800 metros, no sé si exactamente en ese orden), o sea se le da protagonismo y se pone empeño en hacerlo bastante real (para algo se contó con atletas profesionales), aunque también es cierto que hay bastantes tomas de cámara lenta o carreras, como la de vallas, que dura bastante más de los que debería durar, pero en general se hace buen trabajo con la técnica atlética en la película.

Aunque en el lado menos atractivo de la película, para mi, está que el atletismo casi no es el hilo principal de la película, y si una relación de homosexualidad (por otro lado nada extraño en la realidad en atletas o deportistas femeninas, aunque me ha resultado chocante que en 1982 se mostrara tan claramente y además se convirtiera en el principal argumento), entre dos de las atletas aspirantes a conseguir esa plaza olímpica.

Al final la película se va a más de dos horas, que no se hacen largas, para equilibrar y dar importancia a esos dos factores, la relación entre las atletas, con sus altibajos, y la parte deportiva de esta disciplina atlética.

Parece más una película de los años setenta que de los ochenta por toda la vestimenta y el aspecto de las ciudades y los vehículos. De hecho, aunque la película está fechada en 1982, gran parte del rodaje se hizo en el año 1980.

Y otro detalle más que la identifica más con la década anterior, es que esperando encontrarme alguna canción de los ochenta interesante o importante, la única que reconocí fue You make loving fun de Fleetwood Mac, una canción y un grupo que suenan muy a años setenta, aunque he de reconocer que me encantas y sus grandes éxitos suenan mucho en mi coche.

Primera película de este director, que básicamente era y fue guionista y que falleció hace pocas fechas. En el obituario de Robert Towne publicado por Bill Morris en el New York Times el 2 de julio de 2024, Morris escribe que "el primer matrimonio de Towne, con la actriz Julie Payne, terminó amargamente después de que él tuviera romances con Patrice Donnelly y Mariel Hemingway, quienes coprotagonizaron como atletas de pista la primera película que dirigió, el fracaso de taquilla de 1982 'Personal Best'. (También hubo rumores de un consumo desenfrenado de cocaína en el set)".

Parece ser que la película además de traerle problemas matrimoniales también lo hizo económicamente por lo que dice esta reseña.

Valoración:                               6/10

Verano fantástico (1984)

 

Buscando otra película veraniega me topé con esta desconocida y me llevé una buena impresión de ella.

No estamos ante la típica película de playa, sol, chicas en bikini ... o sin él, fiestas nocturnas, y estereotipos de chicos muy seguros de si mismos que se ligan a quien quieren.

La principal novedad de esta película y que ya por ello le da un toque de distinción, es que el protagonismo recae sobre un personaje femenino, muy poco habitual en este tipo de películas veraniegas, y además lo hace sobre una chica de perfil humilde.

Y es ese personaje femenino el que encarna Julianne Phillips, que me sonaba de algo pero no recordaba de donde. Fue por motivo del homenaje a Treat Williams cuando falleció, cuando la descubrí en una película junto a él, y luego indagando encontré que había estado casada nada menos que con Bruce Springsteen. Su carrera es bastante escasa y discreta y hace mucho tiempo que se terminó y ésta es su primera película.

El resto del reparto es bastante desconocido aquí en España, siendo uno de ellos el desafortunado Paul Keenan, que interpreta a un personaje con una enfermedad, y que falleció poco tiempo después por culpa del sida.

Como digo en vez de una comedia veraniega con toques sexuales como habitualmente se prodigaban en los ochenta, nos encontramos una película bastante más en la línea de El salvavidas, una película de los setenta, con Sam Elliot, que me gustó bastante, y por las localizaciones del rodaje y el argumento también recuerda a la famosa serie de Los vigilantes de la playa en sus inicios, cuando no toda era el lucimiento de chicas exhuberantes en traje de socorrista y alguno de los episodios tenía su parte dramática y era bastante parecido a esta película.

Realmente esta película no es una comedia, y trata algunos temas más importantes y con una evidente carga dramática, como es la situación de una adolescente con una separación prematura de sus padres, el momento de decidir que hacer con su vida al cumplir la mayoría de edad, y la lucha por hacer lo que tu quieres y no lo que tus padres quieren que hagas.

La película no es destacada aunque si diferente, pero tiene bastantes cosas mejorables que la podían haber convertido en una joya olvidada. Especialmente, como también pasa en la serie de Los vigilantes de la playa, las escenas de salvamento marítimo por parte de los socorristas, son escasas y poco realistas, con los típicos ahogamientos casi en la orilla del mar y unas maniobras de reanimación bastante ridículas, y siendo ese el hilo conductor de la película le resta valor a la misma.

Con un doblaje aceptable y una banda sonora no excesivamente brillante, si que aparece de manera fugaz, haciendo honor al nombre del personaje protagonista, la canción del grupo Kool & The Gang, Joanna, que la banda había compuesto solo un año antes del estreno de la película y que le aporta un momento destacado.

Valoración:                             6/10

Vacaciones locas, locas, locas (1985)

 

Hay cuatro tipos de películas que me gustan y que cada cierto tiempo me gusta ver, aunque con temor a quedarme sin existencias ...

- Películas australianas

- Películas rodadas/ambientadas en África

- Road Movies

- Películas veraniegas o vacacionales

Es otra de esas películas que te ofrecen la posibilidad de ver a una estrella del cine antes de que se convirtiera en ello, en este caso Tim Robbins.

De hecho, Robbins figuraba en quinto lugar en los materiales promocionales del estreno original de la película, aunque en las portadas de los DVD posteriores, Robbins aparece en primer lugar porque con el tiempo se convirtió claramente en el más famoso del reparto.

La película aporta ciertos aspectos diferentes y de originalidad con respecto a la típica película veraniega o vacacional habitual.

Para empezar son vacaciones de Semana Santa, aunque eso al final no es importante y uno se olvida de ello, y elige un destino diferente y ubicación diferente para la trama de la película, en la localidad californiana de Palm Springs, que no está en la costa, si no en el interior, en la zona ya más desértica.

La actriz Kathleen Kinmont dijo que esta fue una de las primeras películas filmadas en Palm Springs, y que tuvieron mucho apoyo de la comunidad. Nadie quería que se fueran.

Además, según notas de producción más de quinientos jóvenes se ofrecieron como voluntarios, con un bronceado espectacular y los cuerpos musculados que son característicos de los jóvenes veraneantes de Palm Springs. Los nativos aportaron incluso más que eso. Aportaron a la producción un aire de entusiasmo que reflejaba tanto su felicidad por ser parte de una película de Hollywood como la emoción de contar una historia sobre su pequeña ciudad especial.

A veces las elecciones del lugar de rodaje pueden importar e influir mucho y cambiar completamente el aire a una película, y las películas ambientadas en un resort con piscina en vez de en el habitual escenario de playa aportan también un clima interesante propicio para este tipo de películas, como por ejemplo Trabajo Veraniego, que es de lo que más me gusta de este subgénero (aunque principalmente por la excelente banda sonora que tiene, a mi parecer).

El otro aspecto destacado de la película para mi, es la sorprendente e inesperada presencia de Sheree J. Wilson, que evidentemente a mi tampoco me decía nada su nombre, pero que pasa por ser la conocida compañera de Chuck Norris en Walker, Texas Ranger.

Nunca la había visto en una película hasta ahora, y tan solo la conocía por su papel en la serie de televisión, y ha sido toda una sorpresa.

Además completan el reparto tres actores más veteranos como John Vernon, Max Wright y Britt Ekland, que forman un elenco bastante decente.

La película no es ni de lejos de las mejores del género, pero es bastante entretenida y adecuada para estas fechas vacacionales.

Aunque lo fácil para la sociedad actual sería caer rápidamente en tacharla de machista y más cosas (la gente no sabe distinguir realidad de ficción y parece ser que está amargada y haciendo activismo continuamente), pero por ejemplo tiene cosas positivas, ya que en lugar de caer en la obscenidad que podría haber surgido tiende a centrarse más en la ternura liderada por la actuación original, desgarbada y honesta de Stephen Geoffrey, además de traer a colación ese refrán de la suerte de la fea la guapa la desea (en este caso aplicado al masculino), ya que el menos agraciado es el que más éxito tiene con las chicas en esta película.

Los chistes son familiares y los escenarios predecibles en su premisa de que la rana consigue a su princesa, pero el guión es lo suficientemente ingenioso, el ritmo de los movimientos es rápido y el elenco ofrece actuaciones divertidas.

Valoración:                              6/10

Ir a perderlo y perderse (1982)

 

En comparación con Keanu Reeves, al que abordaba el otro día, Tom Cruise tiene pocas películas en general, y muy pocas antes de hacerse super famoso, y quizás ésta (siendo su tercera película cronológicamente), fuera la menos conocida de su filmografía, así que me lancé a explorarla.

Y es que ya en 1983 rodó Rebeldes, aunque ahí con un amplio elenco que no le daba un protagonismo único, pero también Risky Business, en la que si tenía un protagonismo mucho más evidente y que marcó su vuelo directo hacia el número uno del estrellato de actores.

Luego, aunque como digo no son muchas, cada película que hizo se convirtió en un éxito instantáneo, por lo menos en taquilla, luego cada uno tendrá su valoración más o menos positiva de las películas protagonizadas por Tom Cruise, que para mi no son las mejores del mundo ...

Pero evidentemente con su sonrisa, que muchas veces no hacía falta ni que hablase, ya transmitía y vendía mucho. Por eso igual resulta extraño que esta película sea tan anónima, siendo de Tom Cruise. Al final en el cine podríamos hacer una similitud con la pintura, y cualquier obra de un buen pintor (poned el que queráis, Van Gogh, Monet, Picasso ...), es muy valorada, aunque se pintara antes de que se hiciera famoso.

Y es que el argumento, aunque diferente eso si, no sea quizás el más edificante o atrayente dentro de esas películas de adolescentes de los años 80, y quizás un tanto atípico para Tom Cruise. 

De hecho Cruise dijo, teniendo en cuenta cómo fue recibida la película después de su estreno, que ésta película le  hizo darse cuenta de que necesitaba ser más selectivo en sus elecciones y buscar buenos directores.

Además es una de esas películas ambientadas más atrás en el tiempo y ese detalle, como ya he comentado más veces, a mi no me suele apasionar, y más teniendo en cuenta que la recreación que se hace del lugar en el que se ambienta la película, Tijuana (México), me parece poco acertado. La película realmente se rodó en Calexico, California, y se contrató a mucha gente local para que actuaran como extras.

Pero aún no gustándome mucho la atmósfera ni el argumento de la película el ver una película de un Tom Cruise muy jóven y poco conocida es un buen reclamo. Además le acompañan dos actores que luego no corrieron la misma suerte en cuanto a popularidad que Cruise, pero que tampoco son unos desconocidos.

Un Jackie Earle Haley, que a pesar de ser un actor bajito y siempre con cara de mayor, es decir la antítesis de lo que sería el canon físico de actor, llegó incluso a estar nominado para un premio Óscar.

Y es que el acné le pasó factura. Aunque fue una estrella adolescente de finales de la década de 1970 que interpretó a tipos inadaptados duros, enojados y llenos de granos.

De hecho comenzó a hacer promociones publicitarias con 5 años, pero según comentó luego la transición de niño a adolescente fue dura.

"Esa transición de niño a actor adulto es increíblemente esquiva. Los papeles que me llegaban cuando era joven no eran muy buenos, pero los aceptaba de todos modos para pagar el alquiler. Y cuantos más papeles malos en películas malas aceptaba, menos me querían para un buen papel en una buena película."

Pero luego su carrera cayó en una profunda depresión, y de hecho desde 1993 hasta 2005 aproximadamente estuvo sin trabajar como actor y haciéndolo en otros empleos sorprendentes para una persona popular, como repartidor de pizzas o conductor de vehículos.

Recibió muy buenas críticas en su vuelta a los platós, y más considerando todo el tiempo que había permanecido sin actuar. Nunca fue santo de mi devoción.

La tercera punta de lanza la conformaba John Stockwell (en su segunda película tan solo), que compartió protagonismo posteriormente con Cruise en Top Gun. Curiosamente aquí el personaje de Stockwell es el que hace valiente, frente a un tímido o indeciso personaje de Cruise y en el superéxito Top Gun, la personalidad de los personajes interpretados por los actores es la contraria.

Para Stockwell Top Gun pareció un punto de inflexión negativo mirando su filmografía a partir de esa película.

En el orden de facturación de la película el escalafón quedó, 1º Tom Cruise, 2º Jackie Earle Haley, 3º John Stockwell, pero realmente el verdadero protagonista de la película es Haley, que acapara mucha más atención y está por encima de sus compañeros de rodaje. Cruise dijo que hizo esta película gracias a Haley.

Además el reparto tiene otros interesantes actores nada desdeñables, aunque algunos tengan personajes con poca cuota de pantalla. Yo siempre he apreciado a Rick Rossovich, y también no son desdeñables Shelley Long, Henry Darrow o un infantil John P. Navin Jr.

Además de Stockwell y Cruise, también Rossovich coincidió con ellos en Top Gun. Otros reencuentros entre actores de esta película fueron el de Navin Jr. y Long en la serie Cheers, o el de Cruise y Navin Jr. en Taps, la película anterior en la filmografía de Cruise (que suponía su segunda).

Sorprende que su director Curtis Hanson luego tuvo buenas películas, especialmente L.A. Confidential, muy aclamada.

En definitiva, podríamos decir que se trata de una comedia sexual adolescente anodina de los años ochenta, con mala imagen para Cruise y los americanos en general y mala imagen también para los mexicanos, aunque en este caso, habría que saber que tal de recomendable es hoy en día darse un paseo nocturno por Tijuana.

Valoración:                             4/10

Locuras de medianoche (1980)

 

Cuando se acercan estas fechas me van apeteciendo películas con el verano como hilo principal o como trasfondo, o si no por lo menos películas entretenidas, principalmente comedias de los 80, de hecho es la época en la que suelo revisionar películas que ya he visto pero que me dejaron un grato recuerdo y me parecen idóneas para el período estival.

Así que, siendo cerca de las doce de la noche, me detuve en ésta, el título encajaba, justo de 1980, el año que nací, porque la intuición me decía que podía ser de mi agrado y hacerme pasar una buena medianoche, como el título indicaba.

Estamos muy al inicio de los 80, o casi se podría decir que estamos todavía en los 70, se nota mucho todavía en el estilismo, tanto peinados como vestimenta, pero el argumento y la puesta en escena encajan más con la década de los 80.

La película me ha ganado por su originalidad y su argumento único hasta ahora en lo que he visto en el cine, que no es poco, pero que si me ha hecho recordar dos episodios reales de mi pasado relativamente parecidos a éste.

- Recuerdo por ejemplo, en un campamento en el pueblo de Jaca, al que nos mandaron a mi hermano y a mi cuando éramos pequeños (yo tendría 9 años y mi hermano 11), que hicimos una actividad que se llamaba, creo recordar, algo así como pista de rastreo. Saliendo de los barracones donde estaba el albergue teníamos que encontrar una serie de pistas que los monitores habían colocado en las proximidades y volver al punto de partida con ellas.

- Hará unos 15 años, en el trabajo, desde Recursos Humanos nos organizaron una actividad por Madrid, que consistía en realizar una serie de pruebas, recoger algunos objetos que había en determinados lugares y volver al punto de partida. Ésta fue la más parecida y la más interesante, porque éramos equipos de cinco (aunque nos faltaba uniformarnos con colores con la película) y tenía un hilo argumental muy parecido. Fue un día de trabajo diferente, porque era día laborable y muy entretenido. Aunque quien organizaba la actividad era una empresa externa, no me extrañaría que se hubieran inspirado en esta película por las similitudes.

A raíz de esta actividad me planteé organizar yo algo similar para jugar con mis amigos y sorprenderles, pero evidentemente es tarea compleja, más en una gran ciudad como Madrid, y más si no ves mucho interés por parte de tus amigos. Pero la película me ha traído a la mente aquella idea que surgió en mi cabeza y que sería relativamente parecida.

Y quizás lo más parecido a día de hoy sean las actividades de Escape Room que se pusieron de moda hace unos años.

Parece ser que la película inspiró a Joe Belfiore, un estudiante de secundaria en Clearwater, Florida, a crear un juego similar. Se llevó el juego a la Universidad de Stanford y, finalmente, a Microsoft. El Juego, como llegó a llamarse, inspiró a su vez la película El Juego (1997) .

No sé si la hubiera visto de no tener el aliciente de contar en el reparto con el gran Michael J. Fox, aunque suponía que tendría un papel no protagonista.

De hecho fue su debut en un largometraje. Fue elegido porque la película se rodó predominantemente de noche y necesitaban un actor mayor de 18 años pero que pudiera pasar por uno de 15. Los jefes del estudio inicialmente no estaban convencidos, por lo que hicieron pruebas de maquillaje para hacerle lucir lo más joven posible y luego hizo una sesión de fotos en la que fue colocado junto a los miembros más altos del elenco. Esto funcionó y consiguió el trabajo.

Aunque su pose y sus gestos son parecidos, encarna un personaje que no encaja con el estereotipo habitual que él interpreta, pero es curioso e interesante ver debutar a un actor tan importante y siempre es muy chocante la edad que aparenta su personaje con la que tenía en realidad en aquel momento.

El resto del reparto es bastante anónimo, más allá de los que haya visto a David Naughton en alguna película, cuyo rostro si es familiar, el resto apenas tienen una carrera corta y discreta, y en general la mayoría interpretan a personajes que van más allá de la etiqueta de "frikis", aunque creo que Eddie Deezen está genial en un papel a lo Rick Moranis pero mucho más extravagante.

Sorprende en particular Alan Solomon, que fue elegido entre la multitud y se le asignó el papel de "maestro del juego" León basándose únicamente en su apariencia inusual. En la vida real, Solomon supervisó y produjo una variedad de programas de juegos.

Realmente se trata de una película de Walt Disney y como tal tiene algunos guiños durante la misma, como cuando el equipo blanco finaliza su búsqueda de una pista sobre la estrella de Mickey Mouse en el Paseo de la Fama de Hollywood o también se ve un Mickey detrás de dos personajes en la tienda de regalos del aeropuerto.

Con cinco equipos muy variopintos que podríamos calificar como

- Los buenos

- Los malos o vagos

- Los empollones

- Los deportistas

- Las feministas

Para que cada uno empatice con quien tenga más afinidad o le resulte más gracioso, y con ello atraer inteligentemente a un espectro muy amplio de público, realmente no importa quien gane, si no todo lo que te entretienes con cualquiera de ellos.

Una película atípica porque no hay lenguaje maleducado, ni violencia sangrienta, ni desnudez, ni sexo, ni consumo de drogas, así que cualquiera la puede ver.

Valoración:                           7/10

El campeón del videojuego (1989)

 

Tuve la fortuna de toparme con otra película que me resultó francamente terapeútica, en este transitar de días monótonos y rutinarios presididos por mi gran cansancio, así que es de agradecer uno de estos momentos de evasión.

El caso es que la tenía reflejada con dos títulos diferentes en mi base de datos, una como El pequeño mago, que si la tenía resaltada con el color que marco las que quiero ver, y otra con este título, El campeón del videojuego, queno la tenía marcada entre mis prioritarias.

De hecho la traducción del título de la película en otros idiomas es de lo más variopinta e incluyen

"Joy Stick Heroes" (Alemania), "Sweet Road" (Japón), "The Wizard of Videogames" (Italia y Brasil), "Videokid" (Francia), "The Champion of Videogames" (España), "Gameboy" (Suecia), "Game Over" (Finlandia), and "The Child Genius" (Canadá).

Como las películas de magia me gustan decidí ver la que tenía como El pequeño mago, pero resultó ser una película de dibujos animados española, concretamente ésta. Así que tenía dos opciones ponerme a ver otra, ya que parecía que no era una película de magia como yo esperaba, o rebuscar esa otra versión que tenía a ver si era la correcta y darle una oportunidad a la película.

Quizás, viendo sobre todo el número de votos que tiene la película en la web de referencia IMDb, parece que puede no ser una película muy apropiada o que cumpla el propósito del blog, pero no recuerdo que la hubieran pasado nunca en mi infancia, y menos ahora en la actualidad, y tampoco tenía muchos  votos cuando la incorporé a mi base de datos, con lo que posiblemente sean principalmente espectadores americanos, donde parece ser que es una película de culto y dio pie a torneos de juegos, y pienso que en España seguirá siendo poco conocida ... o no.

Evidentemente, hoy que se puede conseguir casi cualquier película con relativa facilidad, puede ser que los admiradores de Fred Savage, que rodó la película a la vez que hacía Aquellos maravillosos años, aprovechando su increíble éxito, o los seguidores de Christian Slater, en España, hayan visto multitudinariamente la película ... aunque pienso que los que principalmente lo habrán hecho, si es que conocen el detalle, serán los poseedores y jugadores de la consola Nintendo NES, que es donde reside la magia de la película para mi.

Dos actores que alcanzaron la fama muy pronto, Fred Savage como he dicho anteriormente gracias a la serie de televisión, Aquellos marvaillosos años (con su inolvidable canción), y Christian Slater de la mano de El Nombre de la Rosa, junto a Sean Connery.

Slater ya estaba consolidado en el cine, y venía de rodar dos películas más que he comentado aquí en el blog, Más allá de las estrellas y Al filo del abismo.

Junto a ellos destaca la presencia de Beau Bridges, hermano subestimado de Jeff, e hijo del también actor Lloyd Bridges. Aquí el personaje de Slater hace de hijo del personaje de Bridges, y curiosamente Slater venía de hacer una película en la que su personaje hacía de hijo del personaje que interpretaba Jeff Bridges, en Tucker, un hombre y su sueño.

Beau Bridges y Christian Slater admitieron que tenían poco o ningún interés en los videojuegos cuando fueron elegidos. Jugaron durante el rodaje y se hicieron fans.

Del resto del reparto me gustaría reflejar una cosa curiosa, de mano del actor Frank McRae. Este actor coincidió en varias películas con Stallone, siendo especialmente recordado su papel de Eclipse en Encerrado. Pues bien, aquí en una de las escenas conduce un camión que es el mismo que se utilizó en Yo, el Halcón (1987) protagonizada por Sylvester Stallone, como Hawk. Todavía tiene escrito HAWK en la puerta.

En cierto modo la película me da un ligero aire a Yo, el Halcón, y posiblemente a la que más se me parezca de las que he visto, sea a Bonita, con Brooke Shields.

Además del reparto y el detalle de la videoconsola Nintendo en el que luego ahondaré, hay más cosas que hacen muy interesante la película, en mi opinión, y aún siendo una película con protagonistas infantiles, no es completamente una película infantil como tal, ni dirigida solamente a ese tipo de espectadores.

Podríamos decir que la película tiene un alto componente de Road Movie (que como ya he dicho en otras ocasiones es un subgénero que me gusta mucho), cosa que me sorprendió, mezclando bien con aventuras (suelen ir de la mano ambos géneros) y un poco de humor.

Pero la parte Road Movie, está muy bien elegida, por esos territorios icónicos y solitarios del medio oeste que tanto me gustaría conocer y conducir.

Y otra vez me volví a ver sorprendido por el aspecto musical de la película, bastante presente y con dos momentos importantes, cuando suena Send me and Angel de Real Life, y la canción de epílogo, una vez más la mejor manera de cerrar una película, que además tampoco conocía y pasó a engrosar mi carpeta musical de canciones de películas, I found my way interpretada por Sally Dworsky.

Pero, en fin, todo esto no le daría a la película una especial valoración si no fuera como he dicho por la presencia de la consola Nintendo NES. Es la única consola que tuve en mi vida, que nos regalaron por Reyes mis padres, seguramente poco después de que se hiciera esta película.

No fue una consola excesivamente popular (compitió con la Mega Drive de Sega), porque en esa época las consolas evolucionaron rápido y pronto quedó obsoleta o menos atractivas que las que iban apareciendo nuevas.

El caso es que, aunque no jugué a muchos juegos y tampoco me pasé las horas muertas jugando con ella, la sigo conservando como un recuerdo muy bonito y especial de mi infancia, con el significado además que no es necesario ni tener muchas consolas ni muchos juegos, ni tener la más actual, si no ser agradecido por lo que tienes y saber valorarlo.

Hay que reconocer que las consolas eran, y creo que siguen siéndolo, bastante caras, por eso cuando nos la regalaron, sólo lo hicieron con un juego ... el Super Mario Bros 3.

Así que cuando al final de la película aparece el juego, para decidir el ganador del torneo organizado, casi se me saltan las lágrimas.

Bien es cierto que apenas se ven unas cuantas pantallas del primer reino, y que todas las escenas de juego están pregrabadas, pero la conexión que senti en ese momento con la película fue enorme y no se me olvidará nunca.

De hecho parece ser que la película mostró los primeros destellos de este juego y algunos afirman que contribuyó al éxito del juego en Estados Unidos.

Valoración:                            8/10

 

Los ángeles del infierno (1966)

 

Se había escapado de mi radar, pero recientemente fallecía para mi una de las personas más importantes de Hollywood, como era Roger Corman. Algunos directamente expresarán qué quien es ese, o que realmente no era nadie importante, pero es que no solamente los directores o los actores más afamados son los más importantes o necesarios para la industria del cine.

Corman pasaba por ser, sin tener ningún dato oficial al respecto, sólo por intuición, el productor más prolífico de largo de la industria cinematográfica. Y es que en su filmografía figuran nada más y nada menos que 493 títulos de crédito como productar, además de la no menos desdeñable cifra de 56 como director (seguramente en muchos como productor también) y 46 como actor, aunque éstos entiendo que en papeles relativamente anónimos.

Su carrera como director empezó en 1955 con un western, Cinco pistolas, y su fase más reconocible fue una serie de películas de terror, de ambiente gótico en general y basadas en novelas de Edgar Allan Poe habitualmente, durante la década de los sesenta, en las que la mayoría el protagonista era Vincent Price y en las que algunos papeles secundarios eran interpretados por actores jóvenes y en aquel momento desconocidos como Jack Nicholson, o por actores veteranos en ligero declive o en el olvido como Boris Karloff.

Entre los directores después famosos que trabajaron al inicio de sus carreras con Corman se cuentan Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Ron Howard, Peter Bogdanovich (que en esta película es guinista), Jonathan Demme, James Cameron y John Sayles. Muchos reconocen que Corman les influenció profundamente en su manera de hacer cine. Actores importantes que comenzaron su carrera en el cine con Corman son Jack Nicholson, Peter Fonda, Bruce Dern, Michael McDonald, Dennis Hopper y Robert De Niro.

En 2009 la Academia de las Artes y de las Ciencias de Hollywood le concedió un Óscar honorífico por su trayectoria y ahora nos ha dejado a los 98 años.

Aquí nos presenta una película en torno a una banda de motoristas, que estaba inspirada en una real existente en esos años. 

De hecho Corman utilizó a varios de los integrantes de esta banda como extras y les pagó 35 dólares por día por su cooperación y 20 dólares por día por el uso de sus motocicletas.

Aunque luego esta banda, Los Hells Angels, presentaron una demanda por difamación de 5 millones de dólares contra Roger Corman por lo que percibieron como una representación negativa de su imagen.

Las bandas de motoristas fue un movimiento cultural (o contracultural más bien) que inspiró bastantes películas en aquella época, y que aguantó el tirón hasta los años noventa.

Es difícil saber cual fue la pionera de éste subgénero, pero indagando en algunas listas posiblemente podamos afirmar que podría ser Salvaje, con Marlon Brando.

De las más o menos conocidas posiblemente ésta sea la segunda cronológicamente, dando paso al año siguiente a Ángeles del infierno sobre ruedas, protagonizada por Jack Nicholson, y tanto Nicholson como el protagonista de ésta película Peter Fonda, coprotagonizaron poco después, junto a Dennis Hopper, la película más icónica posiblemente del género, Easy Rider (que todavía no he visto).

Parece ser que Roger Corman originalmente le pidió a Jack Nicholson que escribiera el guión, pero cuando Nicholson le pidió a Corman un poco de dinero extra sobre el mínimo y Corman se negó, Nicholson abandonó el proyecto. Se reunieron al año siguiente para The Trip (1967). A Jack Nicholson también se le ocurrió el título. Fue un cruce entre The Wild One (1954) y ésta, Hell's Angels.

Aquí una lista que recopila películas de éste género

Biker Movies

Una curiosa película, ya que junta actores de varias sagas familiares.

Por un lado el protagonista Peter Fonda, con sus inseparables gafas ahumadas, Hijo de Henry Fonda, hermano de Jane y padre de Bridget, en una de las sagas con más generaciones dedicados al cine.

Por otro lado, el matrimonio formado por aquella época por Bruce Dern y Diane Ladd (en su primer papel), padres de la actriz Laura Dern, que según recogen las curiosidades de la película fue concebida durante el rodaje de esta película.

Y por último Nancy Sinatra, hija del mito Frank Sinatra, aunque ella no tuviera tanto protagonismo como su padre.

Posiblemente Peter Fonda y Bruce Dern sean los dos actores, que apenas conocía antes de empezar a ver éste tipo de películas poco conocidas, de los que más haya visto en este período.

Muchas veces estas películas tienen más de aureola, o están dirigidas a un público muy concreto, y luego la realidad para un espectador como yo es totalmente diferente. Para mi, la película nunca llega a definirse y las partes son definitivamente mayores que el todo. 

Demasiadas escenas terminan dando vueltas sin mucho que hacer excepto actuar como relleno entre el estado de derecho de Corman de ser una escena de acción/pelea y/o escena de sexo cada 15 minutos.

Poco argumento y poco interés en líneas generales.

Valoración:                                   5/10

El tesoro de Lost Canyon (1952)

 

Habitualmente, las películas del oeste se mueven en unos registros bastante predeterminados, que podríamos reducir a rasgos generales en:

- Películas de indios

- Películas de vaqueros (incluyendo ganado)

- Películas de forajidos

- Películas de aventuras y/o con oro o tesoros de por medio

Podríamos incluso añadir un quinto registro, dado lo prolífico del mismo, que sería el Spaghetti Western.

Aquí estamos en el marco de una película que gira en torno a un tesoro y con la obsesión de la gente en esa época del viejo oeste, y motivo de muchas películas como es el oro.

Pero es una película atípica dentro del western, o por lo menos bastante diferente, y es que el personaje central es un niño, cosa que no es que sea poco habitual, es que extrañamente hay ni siquiera en el reparto habitualmente personajes infantiles, cuanto más como protagonista.

Pero claro, estamos ante una película basada en un libro del británico Robert Louis Stevenson (El Tesoro de Franchard), y además una película de la compañía Universal, y por tanto con estos dos detalles no es para nada extraño, si no que es habitual y familiar en las novelas del escritor que un niño o joven tome las riendas del personaje principal.

Especialmente conocido por La Isla del Tesoro, llevada al cine en más de una ocasión, otros libros suyos también fueron convertidos en película, como El Extraño Caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde, La Flecha Negra o El señor de Ballantree, o sirvieron de inspiración sin ser un fiel reflejo de alguno de ellos.

Así que podríamos decir que realmente no es un western, sino más bien una película de aventuras destinada a toda la familia.

Yo soy escéptico a la hora de las películas protagonizadas por niños en ambientes de adultos, y en concreto en el western lo hacía totalmente incompatible, pero el director lo enfoca y desarrolla francamente bien.

Una película bastante anónima, tanto a nivel de director, Ted Tetzlaff, cuyo nombre ni siquiera me resultaba familiar, y cuya película más conocida e importante quizás sea La Montaña Trágica, y también a nivel de reparto, donde si que es reconocible la figura de un ya veterano William Powell (n. 1892), que comenzó a trabajar en 1922, siendo gran parte de su carrera en el cine mudo. Con tres nominaciones al premio Óscar, no consiguió finalmente ganar la estatuilla, y ésta es una de sus últimas películas, retirándose de la actuación en 1955 con Escala en Hawai, a pesar de que vivió hasta 1984.

Pareja habitual, en la ficción de Myrna Loy, con la que llegó a compartir cartel en nada menos que hasta en trece ocasiones, siendo posiblemente uno de los binomios más reconocibles.

El otro detalle interesante y que la hace diferente, es la localización geográfica de la historia en el estado de California, cuando los estados por antonomasía de los westerns suelen ser Arizona, Utah o Texas mayoritariamente y quizás en un segundo escalón otros como Colorado, Montana, Oklahoma u Oregón.

Pero California suele estar más escenificado en otro tipo de géneros cinematográficos y con Los Ángeles y alrededores como foco de atención. Pero no hay que olvidar que western viene a significar etimológicamente occidental, y más al oeste que California ya no queda territorio firme antes de llegar al Pacífico.

Además seguramente todavía en el interior de California puedan quedar zonas rurales que se asemejen a la iconografía típica de estas películas y seguramente hasta no hace tantos años, la zona de Sacramento, capital del estado, no era tan parecida a Los Ángeles y San Francisco ni tan moderna como se puede presuponer, y seguramente fue el epicentro de La fiebre del oro.

Es especialmente vistoso y admirable las escenas rodadas en el para mi desconocido hasta ahora, Parque Estatal McArthur-Burney Falls Memorial con su cascada Burney de unos 40 metros de caída.

Además la película tiene o intenta transmitir algunas enseñanzas morales, como por ejemplo como los niños pueden dar alguna lección a los adultos, o como el dinero (en este caso el oro) obsesionaba y sigue obsesionando a la gente, y puede hacer a una persona por completo, volviéndose un desconocido y cambiando su escala de valores, estando por encima hasta de un hijo.

Las películas que empiezan por El Tesoro ... me suelen resultar atrayentes.

De hecho tengo todas estas

- El tesoro

- El tesoro de Bengala

- El tesoro de la diosa blanca

- El tesoro de la isla de coral

- El tesoro de la selva perdida

- El tesoro de las cuatro coronas

- El tesoro de las cuatro coronas

- El tesoro de los Nibelungos

- El tesoro de los tiburones

- El tesoro de Lost Canyon

- El tesoro de Matecumbe

- El tesoro de Moctezuma

- El tesoro de Muck

- El tesoro de Pancho Villa

- El tesoro de San Lucas

- El tesoro de sierra madre

- El tesoro de Tarzán

- El tesoro del amazonas

- El tesoro del cóndor de oro

- El tesoro del lago de la plata

Así que seguiré recorriendo estas propuestas en busca de atractivos tesoros con no menos interesantes ubicaciones e historias.

Valoración:                              7/10

Chicos Made in USA (1987)

 

Si el otro día hablaba del clan familiar de los Baldwin, esta película me llevó hasta el clan de los Penn de la mano de Chris.

En este caso el protagonismo absoluto y toda la reputación, se lo lleva su hermano Sean. Aunque su padre fue director, y su madre actriz, ámbos fueron bastante anónimos, y más todavía el hermnao mayor Michael.

En cambio Sean Penn alcanzó cotas de popularidad muy altas. Con un estilo de interpretación bastante similar al de Al Pacino o Robert de Niro, en lo gestual. Cuando su hermano Chris realizaba esta película, Sean ya había alcanzado prestigio con películas como Taps, más allá del honor, Aquel excitante curso o Bad Boys, además de haberse casado, nada más y nada menos, que con Madonna.

De todas maneras, solo un par de años mayor que Tom Cruise, no se le puede considerar un actor típico de los 80, no daba el perfil habitual, y quitando Aquel excitante curso no recuerdo más películas de ese corte que llamamos ochenteras.

A finales de los 80 su carrera se ralentizó un poco, con películas bélicas o thrillers que en  mi caso no levantan excesivo interés, hasta que ya avanzada la década de los 90 recuperó protagonismo, para alcanzar su cenit con Mystic River y 21 gramos.

Su hermano, que es quien nos ocupa, debutó bastante pronto y empezó a acumular papeles en películas interesantes/importantes, como La clave del éxito, Footloose (donde también compartió reparto con Lori Singer) o El jinete pálido, con Clint Eastwood.

Después vinieron los problemas de peso y las adicciones, y aunque consiguió algunos papeles buenos en Reservoir Dogs o Amor a Quemarropa (aunque son dos películas que no me gustan), ya a finales de los 90 perdió todo su caché y no volvió a conseguir buenos papeles, hasta su prematura muerte a los 40 años.

Es una película que a mi me deja un pequeño sin sabor, creo que podría haber sido mucho mejor. Recientemente me acordaba de una de las películas que vi poco antes de crear el blog, una de las mejores Road Movies que he visto, un género que me gusta mucho, y que es bastante poco prolífico.

De hecho, no sabía que esta película lo era, creía que iba a ser una típica comedia de los ochenta que hacía tiempo que no veía.

El problema principal de la película, a mi modo de ver, es que intenta mezclar muchas cosas, y además en muy poco tiempo (apenas 75 minutos de metraje). Tenemos por un lado una Road Movie, pero por otro lado una película de aventuras, con toques de crimen y hasta ligeros puntos de comedia, que no resultan excesivamente graciosos, eso sí.

De hecho, durante la primera parte de la película, pensé que era una película muy parecida a dos que vi en 2023, Los chicos de al lado, con Charlie Sheen, y Vientos de tempestad, con Emilio Estévez, donde una pareja de amigos, frustrados, decepcionados o mal educados en el sistema, caen en una espiral delincuencial a bordo de un coche.

Pero aquellas películas eran claramente de Acción/Crimen, y aquí en la primera parte de la película, bastante parca en diálogos, ese lado delincuencial está bastante edulcorado. 

Los estereotipos de los dos amigos son bastante parecidos, un poco depresivos y a la vez idealistas, tratando de huir de una vida que les parece injusta o sacrificada y buscando el hedonismo y el anarquismo.

Pero entonces irrumpe Lori Singer y claramente la película ya no se puede comparar con aquellas dos. Singer, a la que bien podríamos englobar en el tipo de actrices que decía en mi anterior película, junto a Daryl Hannah, Laura Dern o Kelly Lynch (de hecho Lori todavía es más alta, 1,79 por el 1,75 de Kelly), entra en escena y se adueña completamente del foco de la cámara y de la atención de los espectadores.

Domina claramente a los personajes de Penn, bastante depresivo, y Pasdar, presuntuoso, y hace con ellos lo que quiere. Entonces se aprecia claramente que la película se convierte en una Road Movie, aparecen algunos tramos más de viaje por carretera, con algún escaso paisaje interesante, aunque bastante escuetos, pero prácticamente todo se centra en los cambios de coche continuos, que muchas veces no aportan nada.

Hay algunos momentos más interesantes de la película, en los que se serena, con algunos momentos filosóficos (hay un claro mensaje medioambiental de trasfondo), o parajes más inhóspitos o deshabitados que son más habituales en una Road Movie, y que a mi por lo menos me gustan más, pero todo ello mezclado con fragmentos entre rídiculos  e intrascendentes que hacen que el interés que hubieras ganado minutos antes lo pierdas poco después.

Aunque la película podría haber sido una de mis favoritas, un Coast to Coast, desde Pennsylvania a California, se me queda un poco floja como Road Movie, un poco floja como Aventuras, como Crimen, el doblaje no es ni de lejos de los mejores, la música, en ocasiones country, que no me apasiona, incluso hay un momento en el que la película puede coger un hilo parecido a una película que me gusta mucho sobre camiones, Convoy, pero rápidamente pierde importancia también esa vía ... y la película no convence del todo.

Lo que hace diferente a esta película, con respecto a la mayoría de las Road Movie, es que muestra a los Estados Unidos no con paisajes maravillosos y belleza natural, sino con un declive ecológico y económico. La fotografía cinematográfica es poderosa y, exceptuando las localizaciones en el Parque Nacional de Mesa Verde, nos muestra un lado normalmente invisible del paisaje americano, que posiblemente nunca veas en una guía turística, y eso está bien como factor diferenciador, pero no creo que sea lo que los espectadores esperásemos.

Valoración:                                5/10

 

Perros asesinos (1977)

 

Esta semana fallecía, a los 90 años, el actor británico David McCallum, al que seguramente muchos ni les suene, otros no le pondrán cara y alguno como yo nos ha entristecido su deceso.

Aunque no fuera un actor excesivamente importante, para los que nos apasiona la película La Gran Evasión, lo tendremos totalmente identificado, siendo yo creo, posiblemente el papel más importante de su carrera.

Luego además, cuando su trabajo básicamente se limitaba a series de televisión, tuvo una aparición en uno de los últimos episodios de El Equipo A, que es una serie de la que me conozco prácticamente hasta los diálogos.

Así que buscando entre su filmografía me atrajo este película, con un perfil muy típico de los años 70. Y es que no son pocas las películas de esta década, en las que se utilizan los animales para generar terror entre los seres humanos.

Aunque principalmente se hacía a través de insectos, véase la famosa película de El Enjambre con las abejas como protagonistas, u otras menos conocidas con arañas o tarántulas, hormigas o escarabajos.

Y evidentemente el rey de este tipo de películas en esta década, que fueron los escualos, con la obra maestra Tiburón.

Aquí, se utilizó al perro como ese animal asesino y despiadado.

Una lista muy amplia sobre películas de terror con animales

The best animal horror movies

Curiosamente el perro, un animal que habitualmente suele jugar más papeles de mascota o de el mejor amigo del hombre, como en la saga del famoso perro San Bernardo Beethoven o las diferentes versiones del famoso Huskie Siberiano Colmillo Blanco, pero que también en algunas ocasiones en el cine ha sido utilizado, normalmente a través de sus razas más peligrosas y agresivas, para crear una película de terror.

Una lista sobre películas de terror con perros como protagonistas

Canis horror

Aquí curiosamente se mezclan perros de muchas razas, incluso algunos que parecen inofensivos convertidos en voraces asesinos. Solamente un agresivo doberman genera la sensación de que te pueda ocasionar daño, lo cual resta un poco de realidad a la película.

El mayor problema de la película es el hecho de que realmente no supera el nivel de una película hecha para televisión. Otro problema es que los perros nunca dan miedo, a pesar de ser un película violenta, y ciertamente no hay tensión en ninguna de las escenas, a pesar de que se vea mucha sangre y heridas desagradables.

Esta película que pertenece al subgénero de los 70 "cuando la naturaleza ataca", en mi opinión no mejora a las otras en las que los animales son protagonistas, ni tampoco cuando las catástrofes naturales son de otra índole, como un terremoto, una inundación o un fuego.

Valoración:                               5/10