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28 mayo 2022

Paro clínico (1992)

 




Ayer fallecía repentina e inesperadamente Ray Liotta. Un actor con un nombre y una cara tremendamente familiar y popular, a pesar de que su filmografía no lo sea tanto, o no por lo menos en mi opinión, y es que tuve que irme a la década de los 90 para encontrar una película no muy conocida, en la que fuera más o menos protagonista para rendirle homenaje, ya que en la década de los 80, en la cual habría tenido una edad ideal, apenas daba sus primeros pasos.

Nacido en Nueva Jersey, a los 6 meses fue adoptado por una familia en la que su padre era de origen italiano, del que tomó su apellido, y su madre de ascendencia británica. Uno de sus primeros recuerdos es cuando ayudó a sus padres a elegir a Linda, su hermana, en un orfanato cuando tenía tres años.

Luego se enteró que él era también adoptado y más mayor contrató un detective para dar con su madre biológica, también de ascendencia británica (quizás por eso fuera un gran aficionado al Tottenham de la Premier League), descubriendo que tenía una hermana también.

Irrumpió en el cine con la comedia negra Algo salvaje (1986), que le valió excelentes críticas. Melanie Griffith (entonces casada con Bauer, con el que Liotta tenía gran amistad) lo recomendó para el papel. Tras el éxito Algo salvaje (1986), recibió más ofertas, pero las rechazó para evitar ser encasillado. En cambio, hizo "pequeñas películas" como La fuerza de un ser menor (1988), que le valió subir su reputación y Campo de sueños (1989), cuyo éxito le sorprendió mucho. Cuando escuchó que Martin Scorsese estaba haciendo el casting de Uno de los nuestros (1990), presionó mucho por el papel de Henry Hill. El gran éxito de la película le trajo una gran popularidad y le permitió obtener protagonismo en futuras películas.

Y después prácticamente vino esta película que he elegido y luego una carrera más prolífica, sólo que no soy muy seguidor del cine a partir de la segunda mitad de los 90.

A pesar de interpretar con frecuencia personajes violentos en la pantalla, afirma no haberse metido en una pelea en su vida.

Algunos de los papeles importantes que estuvo a punto de conseguir pero finalmente se esfumaron fueron en Instinto básico, en Tango y Cash el papel que finalmente hizo Kurt Russell o cuando era más joven en Fiebre del sábado noche.


En esta película con un gran reparto comparte el protagonismo con Kiefer Sutherland, el hijo de Donald, aunque uno de esos actores que no queda del todo bien decir el hijo de, porque aunque su padre es un gran actor, creo que él se ha labrado una buena carrera y lo podría haber hecho igualmente sin que su padre sea un gran profesional de la actuación. De hecho hace un guiño a una escena de su padre en la película de M.A.S.H.


Completan el reparto Forest Whitaker (ese al que durante mucho tiempo confundía con Laurence Fishburne), Lea Thompson, de la que encadeno dos películas casi seguidas, el gran Eli Wallach (Los 7 magníficos), Noble Willingham (Walker Texas Ranger), John Mahoney o un actor poco valorado como John C. McGinley (quizás su nombre artístico no ayude), al que yo asocio principalmente a la película de Steven Seagal, En tierra peligrosa, pero que ha trabajado en muy buenas películas como Le llaman Bodhi, Nacido el 4 de julio o Seven.


Una película sobre médicos u hospitales que no suelen ser muy habituales pero si que hace asociarla con la serie Urgencias, que yo nunca llegué a ver, pero que cada vez que sonaba su sintonía me hacía sentir bien. 

Precisamente John Mahoney, Keith David, Forest Whitaker, Eli Wallach y Troy Evans aparecieron en Urgencias (1994), aunque Evans fue el único actor que era un miembro habitual de la serie.

Una denuncia sobre la burocracia en la sanidad una alabanza de aquellos profesionales cuyo primer y casi único objetivo es salvar vidas y ayudar al paciente en todo lo posible, muy por encima de ganar dinero, tener una consulta privada o cumplir con esa burocracia por encima del sentido común o la emergencia de los pacientes.







Valoración:                                   6/10








27 julio 2020

Hormigas (1977)








El cine de catástrofes es uno de los géneros dominantes y más significativos de los años 70.
Bien sean causadas por fenómenos naturales, por la mano del hombre, o por los animales como en este caso.
Y dentro de los animales uno de los principales protagonistas (tiburones o animales marinos a parte) suelen ser los insectos o las arañas, que pese a ser el género más pequeño, suele ser de los que más temor suelen infundir.

Dentro de estos animales pequeños, quitando la película El alimento de los dioses, en la que eran las ratas las protagonistas, lo más destacado son las abejas, las arañas y las hormigas, con más de una película de protagonismo para cada uno de estos animales.

Digamos que con ésta se podría completar una trilogía con El enjambre y Tarántula, las tres relativamente parecidas y con un animal diferente cada una, aunque es cierto que las otras dos me gustan más y provocan más miedo en el espectador.

No es la pionera en el tema de las hormigas y de las que conozco quizás es la que menos me haya gustado. Pudiendo haber alguna anterior, la más antigua que yo conozco es Cuando ruge la marabunta, con Charlton Heston y El imperio de las hormigas, del mismo año que ésta, que es diferente y me gustó más por la parte fantástica que tiene.

Supongo que en la actualidad habrá más películas que traten a las hormigas siempre dentro del género de miedo (con la excepción de una película de dibujos animados en la que mostraban una visión más amable de las mismas)

Aquí unas listas que vienen a colación con el tema








No obstante si que son reseñables las interpretaciones de algunos actores, entre ellos Gerald Gordon, que me parece que hace un gran papel, dentro de un reparto interesante para una TV Movie, con Myrna Loy, actriz de principio de siglo que ya destacaba en los años 30 y con Brian Dennehy, recientemente fallecido, cuando todavía no era muy conocido.

Junto a ellos sorprenden Stacey Keach Sr., padre de Stacey Keach, y Barry Van Dyke, hijo de Dick Van Dyke, los cuales no conocía y que ponen de manifiesto una vez más que es difícil que padre e hijo actores sean estrellas del cine.










Valoración:                                   5/10













17 julio 2020

Un tigre en la almohada (1987)







El otro día fallecía prematuramente Kelly Preston, una de las muchas actrices que afloraron durante los 80 y que aunque no tuvo ninguna carrera brillante ni prolífica, yo si que la conocía y podía ponerle cara fácilmente, aunque desconocía que era la mujer de John Travolta, pensé que se llevaban bastantes años cuando lo leí.

Evidentemente los 80 fueron tan explosivos que la cantidad de actores y actrices jóvenes que aparecieron en las sucesivas películas fueron muchísimos, aunque la gloria sólo estaba reservada a unos pocos. Nuestra actriz lo sabría y quizás por ello no solía tener reparos a la hora de mostrar ciertas partes de su cuerpo desnuda, pero no consiguió que su carrera despegara y convertirse en una de las actrices referencia de esa década.

Elegí esta película para ver de su filmografía y cuando vi que el director tenía apenas 30 años cuando se rodó me sorprendió, aunque más lo hizo que se trataba del hijo de Kirk Douglas, al cual también desconocía hasta ahora. De hecho parece ser que el propio Kirk aparece un momento durante la película. Es la única película que dirigió este otro hijo de Kirk Douglas (Peter), ya que el más famoso de largo es Michael Douglas.

No es una novedad el tema de las relaciones entre personas que se llevan mucha edad, o con la madre de una amiga (en este caso ex novia), aquí hay unas listas de películas que tienen ese aspecto como parte de la película.








Acompañada por otro actor que digamos pudo tener paralelismos con Kelly Preston como es C. Thomas Howell (al que siempre pensé que ese nombre artístico no le favorecía), y que tampoco llegó a despuntar como uno de los mejores actores de los 80 y ya menos en los 90, aunque tuvo mejores películas que ella.

Y cerrando el triángulo protagonista la bella actriz sueca Ann-Margret (Ann-Margret Olsson), que creo que es la primera película que veo suya, y que es perfecta para este papel, ya que dado su atractivo y que aparentaba tener menos años, no pasa como en muchas películas cuando dos actores que interpretan a padre/madre e hijo/hija, apenas se llevan 5 o 10 años, llegando incluso a lo mejor en alguna película a darse el rocambolesco caso de que un actor que interpreta al hijo de otro en la realidad es mayor que el actor que interpreta a su progenitor.

Una de las cuantas actrices suecas, rubias, guapas (sex symbols) y exhuberantes en muchos casos, que aparecieron en las décadas de los 60 y los 70 y que obtuvieran una buena dosis de fama, parte por su atractivo y parte por sus interpretaciones.

Buen epílogo con la canción Love has a mind of his own de Tim Goodman y Gloria Loring que por desgracia no he logrado encontrar y que sirven para deleitarse durante los títulos de crédito de una agradable sintonía.










Valoración:                                         5/10














13 julio 2020

La veneciana (1986)





Mayoritariamente, la fama en el mundo del cine la copan los actores, pudiendo de vez en cuando algún director alcanzar cotas muy altas de fama, y difícilmente nadie más suele llegar a este status, salvo algunos compositores de bandas sonoras, como fue el caso de Ennio Morricone.

Y es que hay algunas películas que son recordadas más por su banda sonora que por su argumento o la interpretación de sus actores, aunque sean menos casos.

Digamos que en la cima de la Pirámide de los compositores estarían Morricone y John Williams, y seguramente para mi John Barry en tercer lugar. Teniendo una trayectoria muy importante también gente como Jerry Goldsmith, Vangelis, Bill Conti y entre los más veteranos Elmer Bernstein, Miklos Rozsa, Dimitri Tiomkin, Max Steiner, Nino Rota, Henry Mancini o Maurice Jarre.

Morricone fue una especie de niño prodigio que a los 6 años ya había compuesto su primera obra, con 9 entró a estudiar en la Academia Nacional de Santa Cecilia y con 12 en el conservatorio, donde logró completar un programa de armonía planificado para 4 años en tan sólo seis meses.

Aunque ahí se estancó un poco componiendo música para programas de radio y haciendo arreglos.

Pero en los años 60 Sergio Leone, con quien al parecer fue al colegio, le requirió para realizar la Banda Sonora de alguna película suya, y ahí empezó su gran colaboración empezada y sustanciada en el Spaghetti Western, con melodías inolvidables de La muerte tenía un precio o El bueno, el feo y el malo.

A partir de aquí y dada la fama que le repercutieron esas composiciones fue incrementando su labor, hasta llegar a más de 500 obras al final de su carrera.
Empezó a trabajar otros géneros de cine y consiguió sus obras más aclamadas como Days of Heaven, Érase una vez en America, La Misión (mi favorita), Los intocables de Elliot Ness o Cinema Paradiso.

Con 5 nominaciones a los Óscar que se quedaron sin premio, tuvo que esperar a 2006 para recibir un Óscar honorífico, recibiendo el segundo en 2016, en un cine del que no estoy muy al día.


Elegí esta película de entre todo su historial, porque encontré la curiosa coincidencia de que trabajaba Jason Connery, al que desconocía, y que intuí que podía ser hijo de Sean Connery, del cual acababa de ver una película. Y efectivamente, así que me resultó curiosa la coincidencia de que buscando
que ver para rendir homenaje a Morricone me encontrara con la posibilidad de ver consecutivamente películas de padre e hijo Connery.

La película en si, muy floja para mi, mostrando una imagen de Venecia antigua, no parándose en la belleza del lugar, si no en el comportamiento poco moral de la sociedad.

Aunque no tiene mucha presencia la música, si que hay algún fragmente breve interesante, y se nota la mano de Morricone en ello, enriqueciendo levemente mi valoración de la misma.










Valoración:                                 4/10