Dos chicas en la carretera (1992)

 

Hay una serie de palabras en el título de una película que me suelen resultar atrayentes y tener más posibilidades de que las vea, como por ejemplo los dos últimas que vi, con las palabras ruta y valle, y también aquí con la palabra carretera.

Llegué a esta película después de ver un rato de un episodio de El Equipo A, que los reponen a diario en un canal de televisión, a razón de unos cinco por día, y revisando el reparto de ese episodio fui a consultar la filmografía de una de las actrices que aparecía brevemente durante el mismo, y al ver que estaba casado con un director (y que además poco después de ese episodio y la mencionada boda dejó la actuación), indagué a ver que me podía ofrecer él.

El caso es que su nombre, Edward Zwick, me resultaba ligeramente familiar, más allá de que apareciera en algún momento en mi extensa base de datos de películas. Y es que, efectivamente, tiene un par de títulos notorios dentro de su filmografía, como son Leyendas de Pasión (1994), su película inmediatamente posterior a ésta, con un todavía muy joven Brad Pitt, y El Último Samurai (2003), con también un todavía joven Tom Cruise. Una de esas películas que creo recordar haber ido a ver al cine, cuando por aquella época ponía en práctica ese pasatiempo con relativa frecuencia.

Así que esta me hizo imaginarme un aroma a Road Movie, que tanto me gusta, quizás pensando en algo parecido a Thelma y Louise, aunque finalmente teniendo cosas en común, básicamente el hilo conductor de dos chicas en un coche sin un rumbo fijo, tiene un argumentario diferente.

Una de las más notables diferencias es el escenario elegido. La mayor parte de las Road Movies que conozco están ambientadas en el Medio Oeste de los Estados Unidos, en parajes semi desérticos, carreteras secundarias y bares y moteles de carretera solitarios. En cambio en este caso se escoge como ubicación para la historia el extremo noroccidental del país, en el estado de Oregón, con intención de realizar un tránsito hasta Alaska.

Otro detalle curioso y contrario a lo habitual es que habitualmente en este tipo de películas suele estar presente la figura del autoestopista, y que habitualmente suelen ser personajes extraños, mucho en algunas ocasiones, sórdidos o hasta peligrosos, y en cambio aquí es a la inversa, son los autoespistas los que se van topando con diferentes frikis a lo largo de su periplo realizando auto-stop.

Es una película con muchos matices, que van desde la soledad, la melancolía, la esperanza, la sencillez, la mala suerte ... y sobre todo en la resistencia y sobreponerse a las adversidades, desembocando en la virtud de la felicidad de las cosas sencillas, de saber vivir con poco y de saber apreciar la amistad, dar y recibir lo poco que tienes.

Nos enseña a como saber afrontar los problemas y encontrar soluciones, y nos da una lección o nos hace reflexionar de como siempre habrá personas con muchísimos más problemas que nosotros, que se quejan mucho menos y que además de poner al mal tiempo buena cara, buscan y encuentran soluciones o alternativas a dichos problemas.

Problemas que se dan entre las protagonistas y que me lleva también a reflexionar que habitualmente suele haber más problemas de convivencia entre dos personajes femeninos que entre dos masculinos, en la gran pantalla.

Con un reparto de tercera fila, donde para mi solo conocía y de manera bastante efímera a las dos protagonistas, destaca o complementa muy bien esta falta de actores importantes, una banda sonora sin letra, tranquila y relajante, con un tono melancólico o de tristeza (y cuando aparece una canción con letra, lo hace de manera muy tenúe, pero es nada más y nada menos que la formidable Wicked Game de Chris Isaak), que me hizo recordar una de las películas de corte Road Movie con mejor banda sonora que he escuchado últimamente, como es Tierra Prometida, con unos todavía poco conocidos Kiefer Sutherland y Meg Ryan.

Me sorprendió y me agradó, por mis valores, educación y creencias, que la película se cierre con una oración de gracias, que en principio no pegaba nada con el perfil de los personajes protagonistas, pero que finaliza esa historia de adversidades de una manera tierna y muy humana, reflejando que a pesar de esos enormes problemas y sufrimientos, soledad, falta de trabajo, dinero ..., no hay que dejar de dar gracias y estar alegre por las personas que te rodean y por lo fantástico que es vivir aún sin reunir las condiciones idóneas que a todos nos gustarían.

Valoración:                              6/10

Riff Raff (1991)

 

Ken Loach es uno de los claros ejemplos del cine de autor o cine independiente, no cine divertido ni comercial, ese que raramente se estrena en los cines generales o se proyecta luego en televisión, habitualmente con bajo presupuesto, actores pocos conocidos, pero que suele tener un buen número de fieles incondicionales que van a ver sus películas y que reciben siempre muy buenas críticas y valoraciones de las mismas.

A mi, personalmente, no es que me suelan apasionar este tipo de directores o películas, pero tenía que darle una oportunidad a una para poder valorar.

Siempre buscamos algo excepcional o interesante en una película para verla, o esperamos que nos sorprenda con cosas extraordinarias, pero fíjate tú lo que una historia cotidiana, que podría ser familiar para muchos puede resultar igual de interesante y además bastante real y creíble.

No es necesario ningún superhéroe o personaje extraordinario, ni que los actores sean todos modelos de belleza, con ojos azules y su pelo intacto y bien peinado, existe otro cine en el que tienen cabida otro tipo de circunstancias, personajes e historias, que no tienen porque desmerecer en nada a los estereotipos habituales de la mayoría de largometrajes.

Y es que, el que los actores con gran caché ecónomico y reconocimiento, que actúan en las grandes películas, sean habitualmente gente muy atractiva mayoriariamente, no significa que sean los mejores actores o que sean grandes actores. Entran en juego otros factores, principalmente un gran número de seguidores incondicionales, un marketing muy efectivo, o una superproducción muy costosa, que evidentemente implica una película atractiva.

Pero en películas como la de hoy, con la historia reducida básicamente a un único escenario, sin ningún tipo de lujo ni de actores conocidos, más allá del ámbito local, lo que te encuentras es únicamente es actuación, y evidentemente buena en la mayoría de sus protagonistas.

Estamos ante una crítica muy bien hecha hacia el sector de la construcción en el Londres de esa época, denunciando las paupérrimas condiciones laborales de los trabajadores, así como el carácter tiránico y avaricioso de los empresarios.

Y todo ello queda todavía mejor reflejado mirando ese sector hoy en día. Como las condiciones no han variado sustancialmente, más allá de que los trabajadores autóctonos han ido desapareciendo del sector, que ha quedado prácticamente monopolizado por inmigrantes, que no ven tan mal las condiciones de seguridad y mucho menos las económicas con respecto a de donde vienen.

Aunque principalmente califican a este película como comedia, hay una o dos escenas cómicas de verdad, poco más, aunque la película tampoco tenga un tono especialmente serio hasta el final, para mí está lejos de serlo. Más bien es un relato amargo y con cierto tono de rabia contra la difícil situación de la clase trabajadora en el Reino Unido en aquel momento. 

Loach trata de realizar una comedia ácida, sin mucho de dónde agarrarse, pues el ambiente general hace que sobrevivir sea lo prioritario cada día. Sin embargo, hay lugar para una camaradería y unión entre los trabajadores muy especial, para la solidaridad, para momentos de ocio básicos pero distendidos, y hasta para un poco de amor… aunque también en éste penetre la angustia de vivir.

Una crítica no solo contra los dirigentes y contra los empresarios, si no también contra la decadencia de la sociedad general de su país, cosa común en toda Europa, sin importarle que sus películas las protagonicen personajes poco atractivos para el espectador medio de una sala de cine.

Digamos que Riff-Raff podría referirse como a "gentuza", y podría caber la pregunta de si esa "gentuza" son los que denuncia el director, o si por el contrario como otros podrían pensar son los propios trabajadores.

Un fragmento realista y conmovedor de la vida cotidiana.

Valoración:                                6/10

Tres en raya (1993)

Hay muchísimos casos en el mundo del cine, de padre e hijo actores, o de hermanos actores, aunque no tantos con un número de hermanos tan numeroso como los Baldwin, y todos ellos chicos (bueno, hay dos hermanas que no lleavn su apellido, pero que no tienen ningún protagonismo como ellos).

William es el tercero en el orden, tras Alec y Daniel y por delante de Stephen. Adam, aunque pudiera parece también hermano de ellos no lo es. Tienen un parentesco lejano, al que habría que remontarse remotamente hasta el siglo diecisiete, en Inglaterra.

Quizás la saga de los Arquette sea bastante comparable, aunque hay tanto hombres como mujeres entre ellos, sobre todo con Rossana, Patricia y David.

Lo que si suele ser siempre común, es que el padre, o el hermano mayor en este caso, es el que abre el camino al resto de hijos o hermanos, y aunque posteriormente el hijo o el hermano pequeño, pueda alcanzar más fama que su predecesor, es muy extraño, que primero destaque alguien más jóven, y al amparo de su éxito consigan emerger en el mundo del cine otros familiares mayores que él.

Y es que Alec les allanó mucho el camino con su éxito. Quizás no tanto a nivel cinematográfico, a mi no me parece un actor especialmente brillante, pero si por su matrimonio con otra actriz, todavía más mediática que él. Y es que no todo el mundo puede presumir de haber estado casado, nada más y nada menos, que con Kim Basinger, seguramente una de las actrices más deseadas de todo Hollywood, y que en la década de los 80 decoraría infinidad de carpetas de jóvenes estudiantes, que admiraban sus dotes y sus atributos ... para la interpretación.

Así que al abrigo de su hermano mayor, el resto de hermanos fueron abriéndose paso y encontrando su hueco en el mundo del cine, sin llegar a ser tampoco ninguno de ellos un gran actor. 

Podríamos decir que William es bastante más actor que sus hermanos Daniel y Stephen, y que le podría discutir a su hermano mayor, Alec, el honorífico título de mejor actor de la familia.

Y es que aunque no sean películas de mi devoción, tiene papeles importantes o protagonistas en películas, al menos taquilleras, como Llamaradas, Acosada o Caza Legal, en todas ellas al lado de una mujer atractiva.

Y no una, si no dos mujeres atractivas, son las que le acompañan en esta película. 

Igual que un padre o un hermano mayor actor te pueden abrir las puertas del mundillo, no es menos cierto que un gran físico también puede hacer lo mismo o más.

Y de eso seguro que podría haber tirado Kelly Lynch si hubiera sido necesario para comenzar en la actuación.

Lo cierto es que a mi no me parece mala actriz, aunque lo que más destaque de ella sea su innegable atractivo, con su imponente 1,75 de estatura y su pelo rubio. Un arquetipo de actriz no muy común, en el que podría juntarse con Daryl Hannah o Laura Dern. Tres actrices, que me gustan (más allá de Daryl Hannah de jóven me pareciera irrsistible en cuanto a atractivo) y que me parecen bastante infravaloradas, y que son algo más que una destacada presencia física delante del objetivo de la cámara.

Junto a ellos, pero un papel diferente, tímida y discreta, está Sherilyn Fenn. Una actriz que también fue una de las primeras que descubrí cuando hace poco más de diez años empecé a cogerle el gusto al cine, y a las películas poco conocidas. Recuerdo perfectamente como intenté contagiar a algunos amigos de compartir algún rato con una película, y en compañía de un par de amigos, vimos El Aparecido, en la que salía junto a Charlie Sheen. Una película prácticamente de culto, pero tanto mis amigos como yo por aquel momento ignorábamos la figura de esta actriz. Recuerdo como un amigo mío impresionado (por no decir otra palabra) quitó la atención de la película por unos momentos para buscar información de esta actriz (o fotos, no sé realmente que buscó, pero le impactó).

Pero bueno, la película es bastante regular ... muy típica de los noventa, donde ya se nota la transición de la década anterior, donde todo parecía todo mucho más improvisado, más fresco y más divertido, y aquí todo parece muy preparado, y no tiene la chispa ni la gracia que otras películas de los ochenta, sin ningún argumento, o sin ningún actor conocido.

Pero es una comedia romántica con pocas dosis de humor, imprescindibles para este tipo de películas. De hecho casi hay que buscar el humor en los pocos minutos que tiene en pantalla un interesante actor como es Joe Pantoliano.

La película la salva a duras penas Kelly Lynch. ¿Os he dicho ya que tengo debilidad por esta actriz?. Más allá de mi posible falta de objetividad, Lynch está divertida, atrevida y absolutamente adorable, encaja en el papel como un guante y convierte el papel potencialmente menos interesante del trío en un personaje digno de prestar atención. Inevitablemente, la película sufre un poco cuando ella está fuera del objetivo.

Es una de esas películas que cuesta conseguir, que te hace ilusión ver, y que tienes buenas expectativas en ella, y que luego resulta ser una película intrascendente.

Valoración:                                    5/10

Confesión criminal (1991)

 

Hace unos días fallecía el actor Tom Sizemore, posiblemente uno de los mejores actores secundarios de los últimos 30 años, y posiblemente un tipo de actor difícil de volver a ver, aunque ahí no puedo opinar mucho ya que no veo prácticamente cine en la actualidad.

Aunque su valor como actor secundario es más o menos unánime, quizás tampoco sea yo quien para valorarlo en su justa medida. Y es que a pesar de ser un año mayor que Tom Cruise o dos que Brad Pitt, Sizemore comenzó su carrera a finales de los 80, perdiéndose por lo tanto toda la explosión de cine juvenil de esa década que tanto me gusta.

Y aunque ha trabajado en películas con repartos increíbles y junto a los mejores actores de su generación, al desarrollarse su carrera a partir de los 90, no he visto tanta cantidad de películas suyas como de otros actores, y desde que escribo este foro que está más destinado a películas poco conocidas en general, pues menos todavía.

De hecho mi principal recuerdo de él es su primer papel, en la película Encerrado, junto a Sylvester Stallone, donde favorecido por una voz de doblaje fantástica borda su papel.

Bastante versátil en su registro interpretativo, encajaba bien en personajes extraños, conflictivos, paranoicos y casi siempre muy enérgicos, que creo que era un rasgo característico de la mayoría de sus interpretaciones.

Pero uno mira en su filmografía y lo que digo, películas con grandes repartos y películas importantes o algunas incluso de culto, principalmente en la década de los 90, como por ejemplo

Nacido el 4 de julio

Le llaman, Bodhi

Asesinos natos

Heat

Salvar al soldado Ryan

Pero como otros tantos los excesos y las adicciones le torturaron a lo largo de su carrera, y él, al contrario que otros, no pudo superarlos, falleciendo de forma prematura, con tan solo 61 años. A pesar de estas adicciones, entiendo que también tendría adicción a su trabajo, porque nos deja una filmografía bastante extensa por explorar (258 títulos de crédito, algunos pendientes de estreno).

Buceando un poco entre sus películas me topé con esta, de la que no tenía ninguna referencia y que encajaba perfectamente entre mis preferencias. Me sorprende el total desconocimiento de la misma, teniendo en el reparto a Sizemore y a Sharon Stone, aunque todavía no había rodado Instinto Básico.

Aunque también me sorprende que ninguno de los dos fuera el protagonista de la misma, sino que lo sea un Dylan McDermott, un tipo muy atractivo, pero al que casi no recordaba y cuya carrera no es ni la sombra que la de sus dos compañeros de reparto.

La película me empezó pareciendo interesante, con posibilidad de encontrar una joya perdida, pero no tardó mucho en quitarme esa idea de la cabeza.

Y uno de los principales problemas que le vi a la película es que me recordaba a la que vi hace unos días, Pasiones prohibidas, ambas de 1991, y cuando ves dos películas parecidas muy seguidas, la primera no te ha apasionado, y la segunda va camino de no hacerlo tampoco, acabas hasta desconectando un poco.

Además de ser también muy lenta y extraña, que no tiene porque ser obligatoriamente algo negativo, cuando se desvela el misterioso y desquiciante papel del personaje de Sizemore (digamos que hasta ahí, por lo menos la parte de misterio está bastante bien), parece que la película puede mejorar y desembocar en un final intenso e interesante, pero nada más lejos de la realidad, el final deja igual de frío que el resto de la película.

Ni siquiera el siempre gustoso condimento de Sharon Stone consigue dar el interés suficiente a la película. No es que no sea recomendable, y más si eres muy seguidor de cualquiera de los dos actores, pero no esperéis nada excepcional.

Valoración:                                 4/10

Paro clínico (1992)

 

Ayer fallecía repentina e inesperadamente Ray Liotta. Un actor con un nombre y una cara tremendamente familiar y popular, a pesar de que su filmografía no lo sea tanto, o no por lo menos en mi opinión, y es que tuve que irme a la década de los 90 para encontrar una película no muy conocida, en la que fuera más o menos protagonista para rendirle homenaje, ya que en la década de los 80, en la cual habría tenido una edad ideal, apenas daba sus primeros pasos.

Nacido en Nueva Jersey, a los 6 meses fue adoptado por una familia en la que su padre era de origen italiano, del que tomó su apellido, y su madre de ascendencia británica. Uno de sus primeros recuerdos es cuando ayudó a sus padres a elegir a Linda, su hermana, en un orfanato cuando tenía tres años.

Luego se enteró que él era también adoptado y más mayor contrató un detective para dar con su madre biológica, también de ascendencia británica (quizás por eso fuera un gran aficionado al Tottenham de la Premier League), descubriendo que tenía una hermana también.

Irrumpió en el cine con la comedia negra Algo salvaje (1986), que le valió excelentes críticas. Melanie Griffith (entonces casada con Bauer, con el que Liotta tenía gran amistad) lo recomendó para el papel. Tras el éxito Algo salvaje (1986), recibió más ofertas, pero las rechazó para evitar ser encasillado. En cambio, hizo "pequeñas películas" como La fuerza de un ser menor (1988), que le valió subir su reputación y Campo de sueños (1989), cuyo éxito le sorprendió mucho. Cuando escuchó que Martin Scorsese estaba haciendo el casting de Uno de los nuestros (1990), presionó mucho por el papel de Henry Hill. El gran éxito de la película le trajo una gran popularidad y le permitió obtener protagonismo en futuras películas.

Y después prácticamente vino esta película que he elegido y luego una carrera más prolífica, sólo que no soy muy seguidor del cine a partir de la segunda mitad de los 90.

A pesar de interpretar con frecuencia personajes violentos en la pantalla, afirma no haberse metido en una pelea en su vida.

Algunos de los papeles importantes que estuvo a punto de conseguir pero finalmente se esfumaron fueron en Instinto básico, en Tango y Cash el papel que finalmente hizo Kurt Russell o cuando era más joven en Fiebre del sábado noche.

En esta película con un gran reparto comparte el protagonismo con Kiefer Sutherland, el hijo de Donald, aunque uno de esos actores que no queda del todo bien decir el hijo de, porque aunque su padre es un gran actor, creo que él se ha labrado una buena carrera y lo podría haber hecho igualmente sin que su padre sea un gran profesional de la actuación. De hecho hace un guiño a una escena de su padre en la película de M.A.S.H.

Completan el reparto Forest Whitaker (ese al que durante mucho tiempo confundía con Laurence Fishburne), Lea Thompson, de la que encadeno dos películas casi seguidas, el gran Eli Wallach (Los 7 magníficos), Noble Willingham (Walker Texas Ranger), John Mahoney o un actor poco valorado como John C. McGinley (quizás su nombre artístico no ayude), al que yo asocio principalmente a la película de Steven Seagal, En tierra peligrosa, pero que ha trabajado en muy buenas películas como Le llaman Bodhi, Nacido el 4 de julio o Seven.

Una película sobre médicos u hospitales que no suelen ser muy habituales pero si que hace asociarla con la serie Urgencias, que yo nunca llegué a ver, pero que cada vez que sonaba su sintonía me hacía sentir bien. 

Precisamente John Mahoney, Keith David, Forest Whitaker, Eli Wallach y Troy Evans aparecieron en Urgencias (1994), aunque Evans fue el único actor que era un miembro habitual de la serie.

Una denuncia sobre la burocracia en la sanidad una alabanza de aquellos profesionales cuyo primer y casi único objetivo es salvar vidas y ayudar al paciente en todo lo posible, muy por encima de ganar dinero, tener una consulta privada o cumplir con esa burocracia por encima del sentido común o la emergencia de los pacientes.

Valoración:                                   6/10

El despertar de Sharon (1995)

 

Ojeando entre los actores o actrices que cumplían años me quedé con Mimi Rogers. Una de esas actrices cuyo nombre nos suena a muchos pero que seguramente no tengamos en mente ninguna película suya.

Y es que a pesar de estar durante 3 años casada con nada menos que Tom Cruise (7 años más joven que ella), ello no le dio una especial relevancia, o no después de su divorcio.

De hecho también estuvo metida en la Iglesia de la Cienciología, de la que Tom Cruise siempre ha sido quizás el mayor exponente, pero la abandonó de manera discreta en los años 90.

Forma parte de un grupo de actrices de una quinta parecida, como por ejemplo Holly Hunter o Tawny Kitaen, cuyo nombre puede resultar bastante familiar pero que no han tenido ningún gran éxito de cartelera con el que poder asociarlas rápidamente.

Pero como la mayoría de los actores en general, y de esa época en particular, tuvo en período de esplendor relativamente corto, que podríamos delimitar entre La sombra del testigo (1987) y ésta, ya que luego tanto sus papeles, como las películas en las que iba interviniendo no tenían nada de apasionante.

Quizás su mayor éxito después de este lustro fue con Austin Powers, pero es un tipo de película que a mi no me atrae nada.

Y luego fue compaginando la gran pantalla con la pequeña pantalla, pero sin ningún éxito importante.

Decidió posar para Playboy en 1993, con 38 años ya, diciendo "Soy una gran fan del arte del desnudo. También estoy orgullosa de mi cuerpo. Me gusta estar desnuda. Me dieron el control total del rodaje,

eso era esencial. Sabía que quería tener hijos, así que me di cuenta de que sería mejor publicar mis fotos desnuda antes de tener uno y mi cuerpo cambiara."

La reacción que obtuvo de sus fotos de Playboy fue muy positiva y le hizo sentir bien, por lo que para ella se tradujo en una experiencia muy positiva.

Ha dicho que El despertar de Sharon (1991) es la película de la que se siente más orgullosa, porque pudo mostrar al máximo sus capacidades actorales.

Parece ser que fue una controvertida película en Estados Unidos que analizaba la religión en el país y que resultó ser un éxito y deleitó al público, creando muchos debates sobre el tema de la película.

Mimi Rogers tendría un papel recurrente en Expediente X (1993). David Duchovny, su compañero en esta película, la sugirió para este papel. y fue la presencia de Duchovny, además de algunas buenas críticas la que me hizo decantarme por esta película.

Yo creo que no había visto ninguna película, hasta ésta, de David Duchovny, que tiene como una docena de películas a finales de los 80 y principios de los 90, antes de embarcarse en su mayor éxito, la serie Expediente X, la cual luego concatenó con Californication, siendo uno de esos actores que se asocia claramente a un personaje, el de Mulder en la famosísima Expediente X.

El caso es que la película me parece por momentos un poco rara o incluso rayante, como si estuviera viendo una película de David Lynch.

Pero la película fue incluida en algunas listas especializadas, como las mejores del año 1991 o las 1001 películas que deberías ver en tu vida.

Aunque parece que tuvo una taquilla bastante pobre, o decepcionante por lo menos para el director.

Para que Mimi Rogers se convirtiera en el personaje, el director Michael Tolkin le pidió que dejara de ser educada con la gente durante dos meses, algo curioso, porque si que es notorio los cambios físicos que algunos actores tienen que hacer para interpretar ciertos personajes, pero cambios en el comportamiento personal, resulta curioso y extraño.

Además el director quería que el apartamento de Sharon no tuviera decoración porque simbolizaría el vacío en su vida.

Para mi es una película interesante, sobre todo porque trata una temática muy poco trabajada en el cine, pero también puede resultar lenta o incluso un poco rallante, y como en un sitio he visto, una película no recomendada para padres con niños recién nacidos o mujeres embarazadas.

Valoración:                                      6/10

Donde te lleve el día (1992)

 

Esta película es de aquellas que llevaba tiempo intentando conseguir pero de la que solo disponía de una versión original con subtítulos, y yo no soy nada de las versiones originales, porque me gusta enterarme bien de lo que se dice y de todo lo que pasa en la película.

Me resultaba llamativo la enorme cantidad de actores conocidos, casi todos muy jóvenes que intervenían en la película, y luego me resultó más curioso el papel interpretado por alguno de ellos, muy diferente a lo habitual o esperado.

El papel de protagonista recae sobre Dermot Mulroney, no el más conocido de ellos, aunque si el mayor, y quizás en aquel momento si pudiera serlo, y son especialmente inesperados los papeles de Will Smith (aunque era su film de debut), Sean Astin y Christian Slater, aunque éste con un papel bastante más residual.

A Mulroney, yo y seguramente muchos le asociaríamos más a papeles de comedia romántica y no en cambio a este papel dramático y de chico duro.

Pero la lista de actores conocidos es muy amplia, la completan

Lara Flynn Boyle

Laura San Giacomo

Adam Baldwin

David Arquette

Alyssa Milano (que casi consigue el papel protagonista de Lara Flynn Boyle)

Kyle MacLachlan

Balthazar Getty

Rachel Ticotin

Una de esas películas que surgieron durante la década de los 80 acerca de la juventud y sus problemas, las drogas, la marginalidad, la falta de esperanza, la falta de constancia y de sacrificio y que se ve muy bien reflejada en el título que trata de reflejar la desesperanza de esta gente, sin planes de futuro y casi de presente, que ni siquiera saben cómo y dónde va a acabar el día actual, y que incluso a la mañana siguiente quizás ya no despierten.

Con la amistad llevada a un punto casi cruel, como aunque esas amistades no sean adecuadas y tú lo sepas, no eres capaz de romper los lazos y buscar unas nuevas, si no que eres capaz de llegar hasta el final por esos amigos.

Y todo ello con un alegato final en el que se trata de alertar y concienciar de los riesgos que supone el abandono del hogar familiar por parte de los jóvenes y la cruda realidad o ficción que muestra esta película y que intenta que no le pase a los jóvenes.

Valoración:                          7/10

Los tiempos que corren (1994)

 

Esta vez el día de mi cumpleaños estuve ocupado, y no pude dedicarle el tiempo necesario a ver una película relacionada con alguien que naciera el mismo día que yo, así que lo trasladé al día siguiente y elegí de entre los que habían nacido el 21 de diciembre a Samuel L. Jackson.

Un actor muy conocido pero del que tampoco he visto gran cosa. Empezó a trabajar tarde, pasada la treintena, y sus mayores éxitos son de la década de los 90, con Pulp Fiction, Uno de los nuestros o la tercera parte de La jungla de cristal entre sus principales películas.

Pero el caso es que me equivoqué de pleno, no sólo porque él no hace acto de presencia hasta que ha transcurrido casi una hora y media de la película, con un papel sumamente residual de apenas 5 minutos, si no porque además la película me ha resultado muy poco interesante.

Pero es que la década de los 90, a la que le voy dando bastantes oportunidades, te puede deparar esto. Te puedes encontrar películas muy parecidas o continuistas de los 80, entretenidas, graciosas o interesantes y pasar un buen rato, o películas lentas e incluso complicadas en lo que quieren transmitir como ésta y desperdiciar prácticamente dos horas de tu período navideño.

Y es que el título me resultó atractivo, o más que atractivo adecuado. Aunque hiciera referencia a los tiempos que corrían por aquellas fechas, me parecía adecuado en relación a la situación actual. Pero además el título original me ayudó, ya que ese New Age lo relaciono con estilo de música, que yo principalmente asocio a Kenny G, que me hace pasar buenos momentos, relajarme, estar tranquilo, recordar momentos pasados agradables y desconectar de los problemas.

Pero claro, ese New Age musical no tenía ningún reflejo en la película, y lo que me encontré fue un reflejo de las vidas de algunas personas, en aquella época, y las consecuencias que pueden tener algunas decisiones erróneas.

Una especie de crítica moral hacia cierto estilo de vida o una crítica hacia las consecuencias nefastas que puede tener renunciar a un trabajo en los tiempos que corren, y que seamos esclavos del mismo y no podamos cambiar nuestro estilo de vida porque todo lo rige el trabajo y los ingresos que nos genera el mismo.

Una comedia negra como creo que se llama a este tipo de películas, que no son muy de mi agrado.

Valoración:                                     4/10

Bocados de realidad (1994)

 

Quizás esta no sea una película apropiada para este blog, ya que veo que tiene muchos votos en IMDb, pero yo la desconocía.

En una época en la que imperaba el videoclub, del que yo nunca fui usuario, sin tener todavía edad de ir al cine con frecuencia, y en la que la emisión en televisión de los estrenos cinematográficos se producían tres o cuatro años más tarde de su estreno, hizo que esta película escapara de mi conocimiento y hasta ahora no la haya visto.

Y llegué a ella a través de Winona Ryder, al ver su cumpleaños. Esa guapa y sonriente actriz, con su inconfundible pelo corto, y que fue una de las que lideraron esa nueva generación de actores nacidos en los 70 y que despuntaban a principios de la década de los 90, en una continuación de la generación de los 80.

Una actriz, que como curiosidad, hereda su nombre del lugar en el que nació, Winona en el estado de Minnesota.

Es sorprendente que la película fuera dirigida por un muy jóven todavía Ben Stiller, que también actúa en la misma, y que la guionista, Helen Childress, tenía tan solo 19 años cuando escribió el guión, que lo hizo pensando precisamente en Winona Ryder.

Como es habitual en las películas de Ben Stiller, más parte de la familia suele intervenir en las mismas. En este caso lo hacen su madre y su hermana, faltando su padre Jerry, que falleció en este año.

Y aunque también inapreciable, la película supuso el debut en la gran pantalla de la famosa actriz Renée Zellweger.

Esta película había sido rechazada por todos los estudios de Hollywood porque intentaba dirigirse hacia el mercado de la Generación X, como lo hizo por ejemplo Solteros (1992), y que no fue un éxito de taquilla precisamente.

A pesar del discurso anti-consumismo de Lelaina Pierce (el personaje interpretado por Winona Ryder) al principio de la película, ésta tiene una cantidad considerable de colocación de productos y referencias de productos en el diálogo, incluidos Gap, BMW, Coca-Cola, Pringles, 7-Eleven, Pizza Hut, Domino's Pizza, Evian, Camel, Snickers, McDonald's, Continental Airlines, automóviles Infiniti o Ford Motor Company entre otras.

Parece ser que Ryder tuvo bastante peso en la elección del resto del casting, recomendando a Janeane Garofalo, la cual fue despedida durante el rodaje por su falta de disciplina y desgana para ensayar.

Y parece ser que ella misma también eligió a Ethan Hawke, el cual estaba atravesando una etapa en la que estaba bastante descontento con el rumbo que estaba tomando.

Yo he visto algunas de sus películas previas, Viven, El país del agua y Cita misteriosa, y hay luces y sombras, por ejemplo El país del agua no le pegaba nada y quizás de ahí viniera parte de ese sentimiento de disgusto.

La película comienza con una canción muy conocida que nunca supe de donde venía, y por fin lo descubrí y además cuenta con la conocidísimas, Baby i love your way y My sharona.

Sobre ésta, Quentin Tarantino originalmente tenía la intención de incluirla en la banda sonora de Pulp Fiction, pero cuando fue a obtener los derechos descubrió que la canción ya tenía licencia para esta película.

Película entretenida, que te hace volver a la juventud y pasar un buen rato en estos días difíciles.

Valoración:                               6/10

Un buen hombre en África (1994)

 

El año 2020 está siendo trágico en todos los aspectos, y en el mundo del cine también, aunque sea por causas diferentes al coronavirus.

Después de las pérdidas de los mitos Kirk Douglas y Olivia de Havilland, más otros muchos que han ido falleciendo a lo largo del año, ayer fallecía otra grandísima figura del cine, Sean Connery.

Y es que aunque no parecía muy mayor, seguramente porque siempre se nos venía a la mente su imagen de James Bond, y porque estaba retirado desde hace años y por tanto no habíamos podido seguir su envejecimiento, ya tenía 90 años, y aunque al lado de Kirk Douglas y Olivia de Havilland podría parecer joven, lo cierto es que es una edad muy respetable, y quizás demasiados dados algunos excesos que tuvo en su vida, con el tabaco principalmente.

La muerte de Connery ha roto un gran trío de actores de 1930 que todavía estaban vivos, junto a Gene Hackman y Clint Eastwood, seguramente el mayor mito viviente.

Después de servir en la marina empezó con trabajos de lo más variopinto para ir ganándose la vida, lo cual compaginaba en su juventud con el culturismo. Incluso era un buen futbolista, en un partido regional, un ojeador del Manchester United quedó impresionado de sus cualidades y le llegó a ofrecer un contrato.

Empezó a ayudar en teatro para ganar un dinero extra y a partir de ahí se fue introduciendo más en el mundillo hasta conseguir abrirse hueco en la interpretación y dar con la profesión que le llevaría al estrellato.

Connery fue el pionero en dar vida al personaje de James Bond, y aunque hay cierta gente que reivindica a Roger Moore como el mejor James Bond, lo cierto es que para la gran mayoría el personaje siempre irá asociado a Sean Connery. Sea como fuere, lo que no creo que quepa duda, es que la saga de James Bond es la más prolífica de la historia, sin que por ello podamos decir que la saga ha degenerado mucho o que el personaje está completamente exprimido.

Desde 007 contra el Dr. No hasta Nunca digas nunca jamás fueron 7 las ocasiones en que interpretó al espía inglés, pero para el que vea cine más allá del cine actual o de las películas de James Bond, tiene muchas más películas, algunas de ellas con bastante nombre y otras bastante más desconocidas como ésta, siendo quizás por lo que más se le conoce fuera de James Bond, por el papel de padre de Indiana Jones, en la tercera entrega de la saga.

Connery declaró en entrevistas para la primera película de la trilogía cinematográfica de El Señor de los Anillos (incluido en su lanzamiento de DVD) que se le ofreció un papel en la serie, lo rechazó debido a "disconformidades con el guion". 

La CNN informó que al actor se le ofreció hasta un 15 % de los recibos de taquilla mundiales para interpretar a Gandalf, de haber aceptado, hubiera ganado alrededor de $400 000 000 por la trilogía.​ Después de que la serie se convirtió en una gran éxito, Connery decidió aceptar el papel principal en La liga de los hombres extraordinarios, creyendo que sería algo parecido a El señor de los anillos, a pesar de no "estar conforme" con el guion de esa película. 

En julio de 2005, se informó que había decidido retirarse del cine, después de su desilusión con los "idiotas actualmente produciendo películas en Hollywood".

Con un Óscar cómo actor de reparto por su papel en Los inmortales, película que ayer emitió TVE como homenaje, que también valía como homenaje al gran Ennio Morricone, ayer nos dejó en su residencia de Bahamas a los 90 años.

Busqué algo diferente como homenaje y el título de esta película me resultó atrayente. Aunque él no sea el protagonista de la misma, no sale mucho, el título hace referencia a su personaje.

Dirigida por el australiano Bruce Beresford, del que recientemente vi Manto negro, y del que me están resultando interesantes, o más bien curiosas y diferentes, sus películas.

Una comedia diplomática, con toques absurdos, pero de los que me resultan graciosos, que aunque está rodada en Sudáfrica (no sé si todo o parte), no es que sea una película sobre África al uso.

Comparte película con otros buenos actores, como el también ganador de un Óscar Louis Gosset Jr., primer actor afroamericano en ganar un Óscar al mejor actor de reparto, por su papel en Oficial y caballero, o John Lithgow, ambos en papeles que no son precisamente los más representativos para ellos.

Con la curiosa (y un poco triste) conexión, de que en la película trabaja la actriz Diana Rigg, fallecida el pasado mes de septiembre, y que fue chica Bond en 007 al servicio de su majestad, una de esas películas que no protagonizó Connery ... ni tampoco Moore, si no el casi desconocido George Lazenby.

Valoración:                              5/10

Conducta inmoral (1993)

 

Una de las actrices más importantes de los últimos 20 años, por la que he ido alguna vez al cine y de lo poco que salvo de este siglo XXI, es Naomi Watts.

No sé exactamente cuando empezó a despegar su popularidad y reputación, supongo que a partir de Mullholland Drive de David Lynch, un director al que me niego a ver más después de ver algún fragmento de alguna película suya, y que después prosiguió con The Ring, 21 gramos o King Kong.

Me puse a investigar a ver hasta donde se remontaban sus inicios y me encontré con que tenía esta película de principios de los 90, que es una época que se suele adaptar a mis gustos.

Junto a ella comparte protagonismo Jimmy Smits, un actor con un rostro muy reconocible pero que no sé muy bien a que asociar esa familiaridad, supongo que a la serie de finales de los 80, La ley de Los Ángeles.

Con rasgos claramente caribeños, desciende de madre dominicana puertoriqueña y padre de Surinam, de ahí el apellido Smits, también  bastante reconocible como holandés.

El caso es que, a pesar de lo familiar que resulta, su filmografía no es extensa y es poco conocida, siendo yo creo ésta la primera película que veo.

Una producción australiana, de la que sigo viendo películas interesantes, y más de las que esperaba, en este caso sin recaer el protagonismo en actores autóctonos, pero por ejemplo Naomi Watts da un gran parecido con Nicole Kidman.

Una película que podríamos calificar como thriller, un género bastante típico de esos primeros 90's, habitualmente a través de TV Movies, y que en este caso mezcla algunos asuntos habituales, como acoso, abusos, denuncias, juicios ...

La película no es una maravilla, pero me ha valido para ver a una de las primeras Naomi Watts, y presentarme a Jimmy Smits, y aporta por ejemplo de novedoso, interesante y diferencial, algunas notas de jazz que suenan bastante bien.

Valoración:                            5/10

Manto negro (1991)

 

Por el 80 cumpleaños del director australiano Bruce Beresford me puse a investigar entre su filmografía y además de ver que es el director de una película famosa que ganó algún Óscar, como es Paseando a Miss Daisy, me llamó mucho la atención esta película.

Se necesitaron más de cuatro años para encontrar financiación para la película. Ningún estudio estadounidense estaba interesado en hacerlo porque se trataba de religión, por lo que finalmente la financiación se recaudó de fuentes europeas y canadienses. 

Incluso con el nominado al Óscar Bruce Beresford expresando su deseo de estar a la cabeza, los inversionistas canadienses fueron muy difíciles de convencer hasta que la película anterior de Beresford, Paseando a Miss Daisy (1989), ganó el Oscar de 1989 a la Mejor Película. El éxito de Bailando con lobos (1990) también fue fundamental para ayudar a que se hiciera la película.

Decía Beresford que leyó la novela cuando estaba de paso por Los Ángeles en 1985. Siempre había sido un gran admirador de las novelas de Brian Moore y la consideró una novela histórica muy diferente a las demás. Le impresionó por muchas razones. Una era simplemente la novedad. No sabía nada en absoluto sobre la vida de los pioneros en Canadá en el siglo XVII y de repente leer esta historia sobre estos indios increíblemente salvajes y estos viajeros franceses valientes que intentaban colonizarlos fue muy sorprendente. 

Continuaba que en particular, el sacerdote Laforgue, fue significativo, tratando de convertir a los indios al cristianismo y bautizarlos. Viajó por todo el mundo para tratar de convencer a los indios de que estaban viviendo mal sus vidas porque no van a ir al cielo. Mirando hacia atrás desde el siglo, esto parece, en muchos sentidos, una locura. Pero tenían su propio enfoque del mundo elaborado y, en términos de puntos de vista del siglo XVII, pensaban que les estaban haciendo un gran favor a los indios. Es fascinante que la fé de alguien pueda ser tan fuerte.

Lo que realmente le interesó de Manto negro (1991), aparte de que es una gran historia, es ese choque entre las culturas europea y nativa americana. Las películas de época son siempre difíciles de hacer.  Había que entender cómo pensaba alguien como Laforgue. Tenía una obsesión por llevar a todos al cielo, un concepto que pocas personas en estos días se toman en serio. 

Añadía Beresford que su trabajo era convencer a la audiencia de que esto es importante. . . Creía que, incluso si no tienes fe religiosa alguna o, incluso si desprecias a los jesuitas, todavía la encontrarás como una historia interesante. Es un maravilloso estudio de la obsesión y el amor. Y es una maravillosa aventura del espíritu y del cuerpo. Lo que hicieron esas personas, ir a un país donde los inviernos eran mucho más severos que cualquier cosa que hubieran conocido en Europa, conocer gente que era mucho más feroz que cualquiera que hubieran conocido. . . Tener que lidiar con estas personas nos muestra algo de humanidad en su máxima expresión. Es el equivalente a la gente de hoy que entra en transbordadores espaciales y se va al espacio. Se necesita un valor increíble para hacer esto.

Unas valoraciones francamente interesantes acerca de esta interesante película, que entre las conocidas podríamos decir que puede tener semejanzas, bastantes, con La misión y alguna también con El último Mohicano.

Una co-producción entre Australia y Canadá, sin actores conocidos (más allá de que la actriz protagonista trabaja en Rapa Nui que la vi no hace mucho) y casi todos autóctonos de Canadá, pero que produjo un gran resultado.

La ferocidad de las escenas de tortura provocó acusaciones de racismo por parte de los nativos americanos. Sin embargo, el autor de la novela, Brian Moore, que había realizado una extensa investigación sobre el tema, en realidad había atenuado la violencia documentada tanto para su libro como para su guión.

Un apasionante viaje de vida y muerte, de valentía y de miedo, a través de unas tierras hostiles, en lo climatológico y en lo humano, pero francamente hermosas en lo paisajístico.

Valoración:                            7/10

Relaciones cruzadas (1992)

Cuando irrumpió en los 90 Sandra Bullock, la tenía por una de las actrices más importantes del momento, y pensé que iba a estar una larga temporada en el estrellato, pero la verdad es que, a pesar de su renombre, su carrera rápidamente decayó y viéndolo con el paso del tiempo y con perspectiva casi se puede limitar su momento de importancia a la década de los 90, pero por detrás de otras actrices como Sharon Stone, Julia Roberts o Kim Basinger.

No obstante, yo no encajaría a Bullock en el prototipo de actriz con un físico y belleza impactante, que sólo con eso se garantizan un buen número de papeles, más allá de sus dotes interpretativas, si no que se ganó su prestigio a base de buenas interpretaciones.

El caso es que después de alcanzar ese casi estrellato con Speed junto a Keanu Reeves (incluso ella participó en la segunda parte, mucho menos exitosa, mientras que Reeves fue sustituido en el papel masculino protagonista por Jason Patric), siguió haciendo películas durante los 90, pero ninguna especialmente importante, y luego ya pasó a un segundo plano, no al anonimato porque su nombre siempre estará ahí, pero hace tiempo que no se le recuerda un papel importante.

La película, cuyo título le habría encajado mejor a la que vi "Bienvenido a Los Ángeles", tiene una clara influencia de los 80, de hecho cualquiera que la viera, sin saber de que año es, posiblemente la asociaría con los 80.

Y es que aunque hace un años puse la fecha de corte justo al principio de la década de los 90, con el paso del tiempo voy dándole oportunidades a películas de esa década, principalmente de 1991 a 1995, y encontrando cosas interesantes.

Ésta en concreto no deja de ser una más, para pasar el rato y poco más, ya que tiene partes y personajes de humor absurdo que no es que me resulte especialmente atractivo, pero para los amantes del cine de los 80 es una película que se puede ver. De hecho me da un cierto aire a la primera película que escribí para el blog, Chicas Modernas, aunque haciendo la comparación aquella gana claramente para mi gusto.

Valoración:                                 5/10

Juego de supervivencia (1994)

Siempre me resulta interesante ver una película con la presencia de Gary Busey, así que aprovechando que vi que cumplía 76 años, elegí una película suya.

Es uno de esos actores de los que no me importa ver películas de los años 90, ya que en los 80 no tiene muchas, y además en los 90 por ejemplo hizo Le llaman Bodhi, así que no es un mal antecedente, y cada vez valoro mejor las películas de la primera parte de la década de los 90.

Y además al ver en el reparto a Rutger Hauer creí que el éxito estaría asegurado.

Aunque realmente el papel de Busey no es muy extenso. Hace un gran monólogo de unos 3 o 4 minutos, que él mismo escribió y que Hauer intentó boicotear porque creía que eso le eclipsaba como protagonista, pero sorprendentemente desaparece rápido de escena.

Después de ver la película leí que el guionista Eric Bernt rechazó que se eliminará tan rápido de escena el personaje de Busey y que en su opinión debería haber sido el personaje interpretado por F. Murray Abraham el que debería haber sido eliminado antes, pero se especula que el entonces prestigio de Abraham le hizo conseguir un papel más prevalente en la película en perjuicio del interpretado por Gary Busey.

La película está bien pero tiene algunas cosas que no me acaban de encajar del todo, como el personaje protagonista de Ice-T. 

Rodada íntegramente en sitios reales, nada de estudios de rodaje, en el estado de Washington (noroeste de Estados Unidos), la fotografía está bien pero sin ser tan buena como por ejemplo la que vi en Caída libre.

El guión también está bastante bien, aunque es parecido a la película de Jean-Claude Van Damme, Blanco humano, que se rodó un año antes.

Me he encontrado esta lista curiosa con películas con argumentos similares

Hunting humans to kill them for sport

De una manera u otra, me doy cuenta de que cuando añado etiquetas a las películas que voy comentando, en muchas de ellas siempre aparece la etiqueta Supervivencia, y en este caso es más que evidente.

Valoración:                                    6/10