La última ola (1977)

 

Estos días recordé que uno de los actores que el año pasado también había cumplido 90 años y además hacía mucho que no veía una película suya era Richard Chamberlain.

Luego cambié de idea y pensé que los primeros siempre en dar la bienvenida al año nuevo son los australianos (entiendo que técnicamente los neozelandeses, pero básicamente lo mismo o puede que compartan uso horario con la costa este de Australia), así que pensé que la primera película en ver en este 2025 tenía que ser australiana.

Y luego buscando una película australiana para ver, me encontré que ésta aunaba las dos ideas que se me habían pasado por la cabeza y era la ideal para inaugurar el año cinéfilo.

Aunque evidentemente no me parecía la más atractiva, o no la más parecida a ese buen número de películas australianas rurales que he ido viendo estos años, aunque también he visto alguna urbana interesante como Conexión Sidney (1990).

Un Richard Chamberlain al que antes confundía con Richard Attenborough, pensando además que ambos eran británicos cuando no es así, y cuando físicamente no se parecen nada y tampoco en sus papeles habituales hay ningún parecido.

Siempre lo suelo asociar a sus papeles protagonistas en las películas de aventuras Las Minas del Rey Salomón (1985) y Alain Quattermain y la Ciudad Perdida del Oro (1986), ésta porque era la carátula de muchas tarjetas en un juego que tenía de niño que se llamaba Movies y en el que se trataba de adivinar películas.

Aunque también interviene en dos de las películas más significativas de catástrofes de la década de los setenta, las dos que a mi más me gustan, como son El Coloso en Llamas (1974) y El Enjambre (1978), la enorme cantidad de estrellas en esas dos películas, con hasta 10 o más actores que eran o habían sido estrellas o eran muy conocidos y por lo tanto él no destacaba y pasaba un poco desapercibido, no tanto en El Coloso en Llamas pero si algo más en El Enjambre.

Se le llegó a conocer por el Rey de las Miniseries, y es que otros le asociaran a su papel en alguna de éstas, principalmente quizás en El Pájaro Espino (1983), de la que luego posteriormente se hizo una película también en la que intervino.

También intervino en las adaptaciones de las tres novelas de Alejandro Dumas sobre los mosqueteros, Los tres mosqueteros: Los diamantes de la reina (1973), Los cuatro mosqueteros: La venganza de Milady (1974) y El regreso de los mosqueteros (1989).

Nacido en ese lugar tan cinematográfico como es Beverly Hills, aunque estuvo una buena etapa de su  vida en Honolulú, Hawaii, especialmente dedicándose a la pintura de paisaje marinos especialmente extraños, regresó a California en busca de trabajo, ya que sus características, ya era mayor y homosexual (dato que conozco ahora), no invitaban a vivir alejado del epicentro cinematográfico ya que tenía muchas posibilidades de ser ignorado y caer en el olvido. 

Aquí, uno de los más exitosos directores australianos, Peter Weir, todavía en sus inicios atrajo la figura de un actor extranjero para una película australiana, como he visto en alguna más, aunque es más habitual que sean actores autóctonos los protagonistas, y más en esa década de los setenta donde entiendo que el cine australiano estaba bastante en pañales, ya que todavía no se había hecho la, posiblemente, película más exitosa e influyente del cine de este país, como es Mad Max (1979).

Y es que Peter Weir ha estado nominado hasta en 6 ocasiones para el premio Óscar, cuatro como director, una como productor y otra como guionista.

Posiblemente su éxito comenzó con El Año que Vivimos Peligrosamente (1982), con Mel Gibson y Sigourney Weaver, para luego encadenar casi un éxito en cada película que dirigía, y así llegaron

- Único testigo (1985)

- La Costa de los Mosquitos (1986)

- El Club de los Poetas Muertos (1989)

- Matrimonio de Conveniencia (1990)

- Sin miedo a la vida (1993)

- El Show de Truman (1998)

- Master & Commander (2003)

Antes de elegir a Richard Chamberlain para el papel principal, se barajaron dos actores australianos, pero uno fue rechazado y el otro no estaba disponible. Se hizo una lista de seis actores que tenían reconocimiento internacional. Se envió a Chamberlain el guión que le pareció interesante, pero al principio se mostró cauteloso a la hora de hacer una película en un país extranjero y con un director con el que no estaba familiarizado. Peter Weir visitó a Chamberlain en el Broadway Theatre, donde protagonizaba La Noche de la Iguana, y los dos congeniaron. A continuación, se proyectó a Chamberlain la película anterior de Weir, Picnic en Hanging Rock (1975), que aún no se había exhibido en los Estados Unidos, a Chamberlain le gustó la película y poco después fue contratado.

Weir era natural de Sidney, donde se ambienta la película, pero se tuvo que recurrir a la ciudad de Adelaida, que se convirtió en el doble de la de Sídney. Durante la producción, Sídney sufrió duras condiciones climáticas con fuertes lluvias constantes. Irónicamente, ese clima tuvo que ser recreado en Adelaida, que estaba soleada y agradable durante el rodaje.

Las condiciones climáticas oscuras, tormentosas y lluviosas se crearon mediante máquinas de viento y mangueras gigantes, estas últimas accionadas desde varios camiones de bomberos.

Pero la película me ha resultado un tanto pesada y difícil de digerir por momentos. Aunque el comienzo me hacía ilusionar y pensar en otra película rural interesante por la ubicación elegida, y es un comienzo francamente interesante, y aunque la película también tenga alguna conexión o parecido con otra, para mi, gran película australiana como es El Secreto del Lago (1986), rápidamente la película olvida ese comienzo rural y se sumerge en el mundo aborígen australiano, cosa bastante diferencial y novedosa para mi, y que debería ser un buen aliciente, pero que a la postre se convierte en algo desfavorable.

Y es que aunque la palabra aborígen de por sí debería concordar con mis gustos y deparar una película de mi agrado, y la palabra aborígen sugiere ir acompañado de rural, formando un binomio que me debería entusiasmar, la película tránsita por la oscuridad e incomprensibilidad de la cultura más profunda de esta tribu, adentrándose en la brujería y en la magia negro y componiendo un lienzo complejo de entender por momentos, basado en culturas, ritos y justicia ancestral pero a su vez entremezclado con sueños y la conexión con una persona ajena a ellos.

No por ello deja de tener buenos momentos de misterio, sobre todo al principio en, para mi la parte más interesante, pero luego no me gusta hacia donde se dirige y creo que al final la película, siguiendo el hilo argumental de la misma, se ahoga en tanta precipitación acumulada.

De fondo resuena un mensaje de crítica hacia el arrinconamiento y casi extinción de los aborígenes, pero hay que abstraerse para sacarlo, ya que la película más bien ofrece una imagen negativa de los habitantes nativos de Australia.

Podríamos decir que La Última Ola no está, para mi, en la cresta de la ola de películas australianas, pero si que formó parte de una ola de películas intersantes.

Valoración:                         5/10

Peligro: Reacción en cadena (1980)

 

Elegí otra película totalmente desconocida (mi ficha en mi base de datos no indicaba ni director, ni ningún actor conocido), y estaba marcada como de ciencia ficción, y tenía ganas de ver algo de ese género.

Básicamente la elegí, porque siempre me ha resultado curioso las películas que comparten título, y como una puede haber resultado tremendamente exitosa, y la otra ser una total desconocida, aún siendo incluso anterior cronológicamente.

Reacción en cadena (1996), fue una película más o menos exitosa (aunque a mi no me suena haberla visto), con la presencia en el reparto de dos grandes actores en aquel momento, Keanu Reeves, que venía de hacer dos de sus proyectos más importantes, Speed y Johnny Mnemonic, y Morgan Freeman, que ya era un actor totalmente consolidado con algunos de sus trabajos más reputados ya en su filmografía, como Sin Perdón, Cadena Perpetua o Seven.

A veces, a raíz de la fama de un actor pueden volverse más populares películas anteriores de que llegara dicho reconocimiento, o también al amparo de una película exitosa pueden crecer los visionados de películas anteriores de la misma temática o título idéntico o parecido, pero ésta parece ser que no entró en esa ecuación.

Así que algo tenía que tener la película que la hiciera tan desconocida. Después de unos pocos minutos en los que no me resultaba familiar nada, me percaté del detalle que me desenmascaraba un poco algunas características de la película, o ese detalle no fue otro que un volante en el lado derecho de un vehículo.

Así que efectivamente, estábamos ante otra película australiana, sin buscarlo, pero de nuevo muy bienvenida, porque una vez más me sorprendió y me agradó, dentro de ese clima tan parecido que comparten muchas de las que voy viendo, de finales de los 70 o principios de los 80.

Rápidamente me percaté del peculiar aspecto rural habitual, aunque en parajes diferentes, la importancia de los vehículos (usan hasta un vehículo de producción australiana, de marca Holden) y de un par de actores que me resultaban ligeramente familiares, y que me imaginaba que lo eran de Mad Max, como así pude contrastar luego. De hecho, en el reparto, aunque como uncredited, también aparece Mel Gibson, pero hay que estar muy atento para percatarse de su fugaz aparición, como un cometa en el firmamento. Así que en este caso se trata de una película con una buena dosis de inspiración en la exitosa primera película de la saga de culto protagonizada por Mel Gibson, incluída la música reinante durante la película.

Además se contó con el director de la trilogía de Mad Max, George Miller, para realizar las acciones de persecución de coches, que se parecen mucho a las de la saga.

Aquí un par de listas de películas que me parece que viene muy al caso

Guerreros del Apocalipsis (películas tipo Mad Max)

Películas nucleares

Esta película se mostró en el Festival de Cine de Cannes, donde sus derechos se vendieron bien. Los derechos de distribución internacional a nivel mundial (fuera de Norteamérica y Australia) se vendieron a Warner Brothers International. La publicidad de esta película decía que era el mayor acuerdo jamás realizado (al menos en ese momento) para una película australiana en el Festival de Cine de Cannes. El productor David Elfick dijo en su momento: "se podría haber vendido tres veces en todos los territorios del mundo". Cuando la película se vendió en Cannes, la película inmediatamente obtuvo ganancias.

En su país la película fue nominada a seis premios del Australian Film Institute (AFI), principalmente en categorías técnicas, pero no logró ganar ninguno.

La historia empieza siendo un tanto confusa inicialmente, y rápidamente gana protagonismo el entorno elegido para el rodaje de la misma, así que en lo que uno se sitúa y entiende bien el argumento, queda atrapado por otro rincón rural encantador de Australia, en este caso en Glen Davis (Nueva Gales del Sur), territorio cercano a Sidney.

En todas estas películas rurales australianas el entorno está meticulosa y acertadamente elegido, siendo en todas ellas un valor destacado y diferencial de las mismas, pero siendo a la vez en todas diferente y atrayente, por lo menos para mi.

Uno de los detalles sobre los que me paré a reflexionar mientras veía la película, es que este tipo de largometrajes, a pesar de ser desconocidos aquí, no parecen ser películas de bajo presupuesto. Se emplean y destrozan varios vehículos, se rueda al aire libre, intervienen bastantes actores, principales y extras, y se utiliza bastante material, lo cual me lleva a pensar en que el presupuesto se dedica principalmente a la película en vez de a pagar un dineral a un par de actores que sean muy mediáticos y que te puedan vendar la película solo con su nombre o su rostro. Y me parece una fórmula que bien desarrollada puede tener tanto éxito o más que el fiarlo todo a un reparto popular.

Claro, que también desconozco la fama y el caché que tenían por aquel entonces en Australia Steve Bisley y Hugh Keays-Byrne, ambos procedentes de Mad Max.

Buscando información de la misma, me he encontrado con este detalle que confirma un poco mi pensamiento en el anterior párrafo.

"Esta película tuvo varios problemas de producción, incluidos los relacionados con accidentes, climatología y rodaje nocturno. La complejidad y ambición del proyecto supusieron un alto grado de tensión en el calendario de rodaje. El rodaje se prolongó aproximadamente una semana más de lo previsto y superó el presupuesto en unos 150.000 dólares".

Aunque creía que iba a ver una película de ciencia ficción, más bien es una película de acción, o una Disaster Movie de los 70, o finalmente podríamos decir que esta película es un Mad Max Radioactivo.

Valoración:                                7/10

Tim (1979)

 

Recientemente había sido el cumpleaños de Mel Gibson, y buscando entre su filmografía, me encontré con esta película que lo emparejaba con la recientemente fallecida Piper Laurie, así que me pareció una película idónea para ver.

"Tim" es posiblemente la más desconocida y subestimada de todas las películas que ha hecho Mel Gibson. Aunque data de la misma fecha que Mad Max, ésta todavía estaba en post producción, y además Mad Max era una película totalmente autóctona, y entiendo que el prestigio y la fama que le dio a Mel Gibson vino tiempo después.

No obstante Mad Max fue un importante trampolín para la industria cinematográfica australiana moderna que tan buenos ratos me ha hecho pasar a mi.

Podríamos encontrar similitudes y hacer una mini lista con dos grandes películas, como Rain Man y Forrest Gump, aunque ambas dos sean tremendamente populares y ésta absolutamente anónima. Pero es sorprendente como tres grandes actores aceptan un papel así y lo interpretan de una manera formidable.

La película también la podríamos enmarcar en una categoría de relaciones con mucha diferencia de edad entre los protagonistas.

Aquí un par de listas sobre estos dos aspectos que he encontrado

Películas sobre el espectro autista

Películas con un romance de gran disparidad de edad

El director Michael Pate (que a su vez hace de guionista y de productor en esta su película de debut y única como director) quedó tan impresionado con la actuación de Piper Laurie como el personaje principal en Ruby (1977) que la buscó para interpretar el personaje de Mary Horton en esta película. Y a Mel Gibson lo reclutó después de verlo trabajar en Mad Max.

En su autobiografía de 2011, Learning to Live Out Loud: A Memoir, Piper Laurie reveló que ella y Mel Gibson tuvieron una aventura de una noche mientras estaban en el set de rodaje, a pesar de su diferencia de edad de casi 25 años y del hecho de que ella estaba casada en ese momento.

Estamos ante una película lenta, romántica, poco habitual y reflexiva, que nos invita a pararnos a pensar como tratamos nosotros a personas diferentes o con problemas de desarrollo mental. Qué hacemos nosotros por ayudar a estas personas o qué actitud tenemos ante esta problemática. Es una buena herramienta para concienciarnos de que son personas y merecen que las tratemos como tal, con más cariño incluso.

Igual a veces nos preguntamos qué hacen dos personas juntas, porque no nos cuadran, o porque una nos parece que vale mucho más que la otra, pero ahí está la grandeza del amor, que todo el mundo tiene derecho a querer y ser querido, y que todo el mundo suele tener su oportunidad.

La película nos muestra que el hecho de que una relación te parezca extraña no significa que haya algo malo en ella. El amor de toda una vida puede surgir entre las personas más improbables.

Así que ésta es la conmovedora historia de dos personas que encuentran la felicidad y el amor a través de una relación poco ortodoxa.

Una historia conmovedora de amor e inocencia por un lado e ignorancia, prejuicio e intolerancia por el otro.

Nos presenta un estilo de vida diferente y tan respetable como otro cualquiera, familiar por un lado, solitario por otro, tierno, romántico, generoso y condescendiente.

Es difícil que esta película no guste, pero no todo me parece redondo o bien hecho en ella. El personaje de Mel Gibson tan pronto parece deficiente como otras pleno de facultades, se hace lenta, falta explotar o desarrollar más ciertos aspectos, y el final se queda un poco frío, pero todo ello no empaña una entrañable y bonita película.

Esta película es imprescindible para cualquier persona interesada en criar y educar a un niño con el desafío de una discapacidad mental, pero que debería ser de recomendado visionado para todos y así saber y ser conscientes de como hay que tratar a esa gente especial, que ellos no han decidido ser así, y que además no pueden disfrutar plenamente de la vida como las personas normales.

Valoración:                                7/10

Asalto al furgón blindado (1978)

 

Como ya he dicho en otras ocasiones me he aficionado al cine australiano de finales de los 70 y los 80, preferentemente películas que giran en torno al mundo rural, pero también algunas de carácter urbano como ésta.

Algunas veces las he visto de manera involuntaria, pero en éste caso no, porque ya tengo claramente identificado a su director de otras cuantas películas suyas que he visto, y por la presencia de Bryan Brown, que dado el año de la película suponía que todavía no era alguien famoso y se trataría de un trabajo en una película australiana.

Tanto su director Bruce Beresford, como el actor Bryan Brown, son dos de los máximos exponentes del cine australiano, y sobre todo dos que traspasaron fronteras y consiguieron una carrera más internacional, alcanzando el mercado más importante de todos, el estadounidense.

El resto de actores eran bastante populares en el país oceánico, con trabajos similares para la televisión australiana, pero no consiguieron el mismo éxito que Bryan Brown.

De Beresford podríamos destacar, Rey David, Paseando a Miss Daisy, Manto Negro o Un buen hombre en África, (éstas dos últimas las he visto y comentado aquí y me gustaron), mientras que de Bryan Brown, pues por encima de todo está su papel en la archiconocida película Cocktail, junto a la ya estrella Tom Cruise, siendo su otro gran trabajo, en mi opinión, su papel en Gorilas en la Niebla junto a Sigourney Weaver.

Pero a pesar de conseguir éxito posteriormente ésta película no supuso un gran impulso a su carrera, aunque el director venía de ganar el Premio al Mejor Director del Australian Film Institute por una de sus anteriores película, La noche de las elecciones (1976).

La inmediatamente anterior, curiosamente, era una película con un elenco casi exclusivamente femenino, cuando aquí en contraste, se produce una inmersión hacia un reparto prácticamente masculino al completo.

Beresford dijo pasados los años que no fue nadie a verla. Él fue la noche del estreno en Melbourne y había tres personas allí con él. Dice que estaba sentado en la parte de atrás preguntándose a qué hora empezaba la sesión y repentianmente empezó la película con ese escaso público. Y pensó 'esto va a ser un desastre'. Y eso fue.

De todas maneras con el paso del tiempo la película fue ganando espectadores y buenas valoraciones

Aunque esta lista demuestra lo contrario ...

Robbery Movies

 ... el tema de los robos en el cine no me parece excesivamente explotado, a la par que me gusta, al igual que me sucede con las películas de cárceles.

Tengo un amigo que tiene especial predilección por Ocean's Eleven (2001), aunque posiblemente no haya visto la original de 1960, La Cuadrilla de los Once.

Yo soy más de una película estilo Le llaman Bodhi, a la que de hecho encuentro un parecido razonable en una escena de esta película (no se puede hablar de que haya sido una posible inspiración porque ésta es bastante anterior), que de hecho se refleja en el póster de la misma.

Esta película fue uno de los pocos largometrajes australianos de la década de 1970 que eran dramas policiales/criminales o thrillers.

El director Bruce Beresford vio una copia del libro de Devon Minchin en una librería de segunda mano de Adelaida y pensó que se podría hacer una buena película de él. Beresford dijo una vez: "Era justo lo que necesitaba. Es tan auténtico: todo sucedió realmente".

Y es que es una película curiosa ya que está basada en una novela de 1972, que a su vez está basada en hechos reales, concretamente dos eventos que fueron el robo de un vehículo blindado en Sydney en 1970, donde se robaron 587.000 dólares australianos de una furgoneta blindada Mayne Nickless. El otro también fue un incidente de 1970, un robo de 280.000 dólares australianos en el que bandidos se hicieron pasar por policías e irrumpieron en las oficinas de los Servicios de Seguridad Metropolitanos.

Valoración:                                   6/10

El secreto del lago (1986)

 

Creo que el verdadero germen de que le cogiera afición a ver películas poco conocidas y escribir acerca de ellas fue una sesión doble que vi hace más de 10 años con ésta y la siguiente, Cavernas Fantasmas.

Después de ese tiempo creí que era buen momento para revisionarlas, porque me gustaron bastante, porque tienen toda la esencia que busco con este blog y porque me apetecía que tuvieran su hueco aquí.

De esta primera podría destacar como una película aparentemente infantil se convierte para mi en una de las mejores películas de aventura / misterio que he visto, siendo además muy apta para cualquier espectador, sin tener que limitarse a niños en torno a esa edad de trece o catorce años o a padres con niños en edades similares.

La película está al mando del director australiano de origen británico Brian Trenchard-Smith, que ya había rodado otra película australiana interesante y conocida, como Los Bicivoladores, con una muy jóven Nicole Kidman.

No obstante creo que el principal mérito en esta película hay que dárselo al guionista, por una historia tan singular.

En líneas generales recordaba la esencia de la película, aunque no algunos detalles.

Como por ejemplo que se trataba de otra película australiana de esas que tanto me gustan, con ese ambiente rural tan característico.

Y es que al protagonizarla Henry Thomas (el célebre Elliot, protagonista de E.T.) pensé que era una película americana, pero las escenas de lagartos autóctonos de Oceanía primero y luego la mención hacia la ciudad de Sidney y que los vehículos tenían el volante a la derecha me dejaron bien a las claras que era una película australiana, y que quizás por eso me gustaba tanto.

Y es que una de las características que principales de estas películas rurales australianas que tanto me gustan, es el especial cuidado y acierto que tienen en la elección de las localizaciones para las mismas. Sin haberme encontrado escenarios repetidos, todos me han parecido especialmente interesantes y atractivos para la filmación de una película, y de todos, creo que éste se llevaría el primer premio.

En este caso está filmado principalmente en locaciones de Woods Point, Victoria, Australia. Woods Point es considerado un pueblo minero rural que no ha cambiado mucho en los más de 30 años transcurridos desde que se realizó la película. El terreno circundante parece bastante un parque nacional.

Un país, Australia, que seguro que me maravillaría si lo conociera, y que parece residir en otro planeta, por la poca superpoblación que hay, la conservación original de muchos lugares y la aparente menor huella del ser humano. Un país en definitiva que hace pensar en un mundo mejor.

Aunque tiene un presupuesto estrictamente bajo, lo compensa rodándose en lo más profundo de la región de las Montañas Azules de Nueva Gales del Sur, que es casi un personaje en sí mismo, misterioso y antiguo. Esto también le da a la película un sabor claramente australiano, acentuado por la imagen romántica de una comunidad de pueblo pequeño donde todos se conocen y se cuidan unos a otros, y las relaciones con la comunidad europea y nativa (que viven completamente separadas) son optimistas. El cinismo del mundo moderno está muy lejos y cada personaje está imbuido de una inocencia intacta. La americanización de la cultura es inexistente y muchas líneas de diálogo están marcadas por un coloquialismo antípoda. Como consecuencia, la actuación puede ser a veces un poco teatral, pero todos realizan una actuación competente, que es otra de las virtudes de estas películas, que los actores australianos a pesar de ser poco conocidos de fronteras afuera de Australia (quizás allí puedan ser muy populares), realizan interpretaciones muy sobrias y valiosas.

Otra de las virtudes de la película es que nos puede permitir trasladarlos a nuestra niñez, en especial para los que tuviéramos un pueblo y pasáramos temporadas en él.

Aunque no tuviéramos la misma curiosidad e ingenio que el protagonista de la misma, seguro que casi todos hemos hecho alguna aventura, en menor escala que ésta claro está, adentrándonos en terrenos apartados y desconocidos y sin el consentimiento de nuestros padres.

Con esas bicicletas BMX tan geniales en nuestros días y pensando en explorar, ir de acampada o salir a merendar al campo.

Es una de las películas con mejor traducción del título al castellano, ya que los títulos alternativos u originales no me resultan convincentes. El título original The Quest, es utilizado en más películas, y el original en Australia Frog Dreaming no tiene gran relación con el desarrollo de la misma. Si la veis juzgar que título de los tres os parece más adecuado.

Creo que no hace falta ser un niño o ser tener carácter infantil para apreciar esta película, si no más bien ilusión, buen gusto y personalidad.

Hay una frase que me gusta mucho que reza "Uno no deja de jugar porque se hace mayor, uno se hace mayor porque deja de jugar", y creo que se podría emplear igualmente si permutamos jugar por soñar, así que nunca dejéis de soñar.

Una película que yo creo que es de las que más recomendaría ver a cualquier persona.

Valoración:                                      9/10

Acoso implacable (1986)

 

El título de esta película me inspiraba más bien acción, ciudad, noche, bandas callejeras, ajustes de cuentas, drogas ... pero cuando al poco de comenzar la película me encuentro un paisaje rural, un canguro, y los coches con el volante en el lado derecho, tenía claro que estaba ante otra de esas películas rurales australianas que tanto me gustan desde que las descubrí. Ahora solo me quedaba avanzar un poco de película para ver que tenía que ver el título con ese comienzo.

Hacía mucho que no me encontraba unos diez minutos iniciales de película que me engancharan tanto. Me recordó salvando las distancias a cuando vi otras dos películas, Caída libre y Jugar duro.

De hecho se ha llegado a comparar ese inicio con la película de Steven Spielberg El diablo sobre ruedas.

No sé que tienen estas películas australianas pero crean en mi un clima con unas características que me atrapan y me deleitan.

Como en Razorback o Cocodrilo hunter, un paisaje árido pero sin llegar a ser desértico, con belleza, una zona totalmente aislada, con muy poca población, y donde el ecosistema prima, animales autóctones, actores poco conocidos pero muy solventes, coches sorprendentes y aventuras, acción y misterio en sus dosis correspondientes.

Y es que el director de la película, Mario Andreacchio (australiano de origen italiano), que debutaba como director de largometrajes con esta película, dice sobre ella que lo que realmente quería hacer con ella es capturar gran parte de su infancia, el entorno en el que creció, muy árido, y realmente amaba la sensación de aridez... y también decía que a veces hay algo siniestro en la aridez. 

Yo aplaudo esa decisión.

El propio director reconocía que quería que la película diera la sensación de cómic, y es verdad que los tres cazadores furtivos se podría decir que están sacados de uno, pero en cambio la protagonista femenina no pegaría en un cómic.

Decía Andreacchio que en un nivel, esta película es una simple historia de cómic sobre el bien y el mal, pero en el otro, es un drama sobre el conflicto humano y la supervivencia en la escala de una gran ópera, un poco exagerado pero refleja bien lo que quería hacer y en lo que se acabó convirtiendo la película.

En la misma línea, uno de los productores decía que no querían una apariencia realista de la película, si no una acción fantástica.

Se ha comparado la película con otras australianas, en concreto con las dos primeras de la saga Mad Max, y también con la que mencionaba yo antes de Razorback.

Ha recibido buenas críticas o comentarios de mucha gente, entre ellos de Quentin Tarantino, que la considera un clásico absoluto.

A pesar de no ser conocida aquí, en algunos sitios (supongo que principalmente Australia), se la considera una película de culto.

Muy recomendable.

Valoración:                                    7/10

El laberinto de Malcolm (1986)

 

No he visto tanto cine, y menos cine actual, como para decir que este tipo de películas no se hacen, o que no hay otra igual, pero si que me parece bastante exclusiva y eso la hace siempre algo fresco y atractivo de ver.

El caso es que me encontré con otra película australiana, esta vez sin saberlo, y es que no dejan de soprenderme, creo que de todas las que he visto me deben haber gustado el 90% o más.

Dirigida por una directora griega (me consta que en Australia los griegos son una de las mayores procedencias en cuanto a inmigrantes), construye la película basándose en la vida real de su hermano, John Tassopoulos, con problemas de Autismo o Asperger, con unas tremendas capacidades creativas, sobre todo con los juguetes y las maquetas, y que tan bien lleva a la ficción el actor británico Colin Friels, siendo el resto del reparto básicamente australiano y la película rodada en diferentes lugares de Melbourne.

Y es que yo sigo defendiendo que los juguetes son una de las mejores armas terapeúticas que existen, y no creo que la edad, aunque se dedique menos tiempo, sea incompatible con jugar.

La directora hizo la película con su marido, el productor y guionista David Parker. Nunca había escrito un guión antes de esta película y de hecho le costó recaudar el dinero para financiar la película.

Todos los trenes y diferentes inventos que hay en la casa de Malcolm los ideó el propio Parker, así que para ser su primer guión, estuvo muy bien.

Seguramente estemos ante una de las mejores películas dirigidas por una mujer.

Aquí una lista sobre esto

Mejores películas dirigidas por mujeres

Como curiosidad, el propio Parker cuenta la historia del momento en que, limpiando una oficina de producción, se encuentra con una pila de guiones enviados por agentes de Hollywood tras el éxito de "Malcolm". En la portada de uno de los guiones rechazados, Nadia Tass había escrito en la portada "Ya hemos hecho esto. Aprobado". El guión se titulaba "Forrest Gump".

La película tuvo un enorme impacto en Australia, aunque no haya trascendido mucho aquí, por ejemplo. En los premios de la Academia Australiana de Artes Cinematográficas y Televisivas, en 1986, la película obtuvo nada menos que ocho premios, entre ellos todos los importantes, mejor dirección, mejor película, mejor actor principal, mejores actor y actriz de reparto, mejor guión original y otras dos categorías menos importantes.

Y es que igual, a nivel de humor, sea más atractiva para los australianos, pero creo que el doblaje está bien hecho y a mi me ha resultado muy entretenida.

La tenía etiquetada como género principal, como de Ciencia Ficción, pero realmente creo que principalmente es una comedia o una película familiar.

Me resultó extremadamente curioso o coincidente que estaba viendo la película la noche del 23 de julio, y hay una frase en la película en la que el protagonista dice: "Mi madre murió el 23 de julio" ...

Me quedé un poco sorprendido, o casi asustado        : )

Valoración:                                         7/10

Conexión Sidney (1990)

 

Hay veces que un título te entra por los ojos, y estás convencido de que sin saber nada más de la película, te va a gustar, y eso es lo que me pasó con esta.

Evidentemente tenía claro que se trataba de otra película australiana (aunque el comienzo se sitúa en Glasgow, y me descoloca un poco durante unos minutos), con las que mantengo un idilio sorprendente y agradable, y es que desde que empecé este modesto blog, habré visto más de diez, y prácticamente todas me han parecido muy interesantes.

Eso sí, hasta ahora, prácticamente todas ellas, eran de la Australia interior o rural, desértica, deshabitada, pacífica, silenciosa, placentera, majestuosa ... y aquí por título, intuía que iba a ser más una Australia cosmopolita, sin que ello me importara de partida.

Y es que tenemos la mala costumbre de prejuzgar todo en la vida, y el cine no iba a ser menos. Y si no es de primeras una película americana, o no hay o varios actores conocidos, dudar a la hora de verla, o irla aparcando ante otras opciones más conocidas.

Y eso que el cine como tal lo inventaron los franceses, así que deberían ser en todo caso las películas a las que se dieran prioridad. Pero el cine inglés no tiene nada que envidiarle al americano, y en otros países te puedes encontrar grandes películas (con el cine español soy algo más crítico), pero hasta ahora el cine australiano se adapta totalmente a mis gustos y me dan ganas incluso de revisionar alguna de estas películas que he ido viendo en estos últimos años.

No sé como llegó hasta mis manos esta película (ni a quien tendría que agradecer enormemente que la compartiera en su día), totalmente desconocida (solo 42 votos en IMDB, incluído el mío, y en Filmaffinity ni está registrada), que ni siquiera creo que tuvo ningún impacto en la propia Australia, y creo que ni siquiera se proyectó en los cines. 

En el momento del rodaje, el actor más conocido, John Hannah (4 bodas y un funeral o La momia), todavía era un semi desconocido, pero lo que me resulta sorprendente es que tiene muy calidad la cinta y que las voces de doblaje al español son de las mejores que había en esa época, no es que esté doblada recientemente.

Sin ser americana, ni sin ser una comedia, si que aprovecha otros buenos aspectos de la década de los 80, para convertirse en un producto interesante y de valor para mi.

- Localizaciones atractivas

- Días soleados y veraniegos

- Buenas voces de doblaje

- Buen ritmo

- Canciones interesantes y desconocidas

Quizás el guión no sea ninguna maravilla, lo reconozco, pero el resto de ingredientes hacen un buen plato, y creo que en este caso el guión no es como la sal, que te deja un plato soso, es como si te olvidaras de ponerle perejil o algún complemento secundario, se puede seguir viendo igual de bien.

Otra cosa que me ha resultado curiosa, es que el director, australiano, es de los que nació el mismo día que yo, que siempre cuando llega mi cumpleaños me gusta ver algo de alguien que haya nacido en mi mismo día, aunque con su filmografía como director, me parece que va a ser difícil volver a ver algo suyo, igual en su faceta de productor.

Para los que os guste la playa, el surf, el cine de los 80, o como a mí, descubrir películas de actores famosos antes de que lo fueran, os la recomiendo encarecidamente.

Valoración:                                          7/10

El visitante (1979)

 

Indagando en ese disco duro antiguo que había rescatado, decidí ver algunas películas que hubiera en él, y este título me llamó la atención.

Quizás esperaba ver una película de alienígenas u ovnis, porque el título me llevaba a un muy interesante episodio de MacGyver que se llamaba así, pero nada más lejos de la realidad.

(Realmente el título original de la película es The plumber (el fontanero), y si lo hubiera mirado por lo menos me habría quitado la expectativa de que pudiera ir la película)

Lo primero que me encontré al comenzar, es que la película era australiana, cosa que hasta ahora siempre ha sido positivo, ya que las que he visto entre finales de los 70 y finales de los 80 me han resultado interesantes como poco.

Lo segundo, es que el director era Peter Weir, lo cuál parecía también sinónimo de haber elegido bien. Uno de los directores australianos más reputados con películas tan conocidas como Único testigo, La costa de los mosquitos, El club de los poetas muertos o El show de Truman.

Y lo tercero que me llamó la atención fue la presencia de un actor, Ivar Kants, al que conocía de una serie australiana que me gustó mucho en mi adolescencia, Los Rompecorazones, toda ella con actores australianos, y en la que Kants interpretaba a un jóven padre de familia, papel bastante opuesto al que interpreta en esta película.

Aquí, aunque ya había tenido éxito con Los coches que devoraron París, estaba prácticamente comenzando su carrera, le faltaba dinero, y realizó esta TV Movie, con poco presupuesto y rodada en tan solo tres semanas.

Peter Weir basó la película en la vida real. Supuestamente dos amigos suyos, sufrieron una serie de visitas a domicilio realizadas por un fontanero incesantemente hablador pero incompetente.

Es sorprendente y a la vez increíble, como con tan poco se puede hacer tanto.

Sin necesidad de ningún actor importante, ni efectos especiales, ni localizaciones pintorescas, muchas veces basta solo con un buen guión para lograr un producto interesante.

Aquí, simplemente un apartamento, cinco o seis actores y un guión interesante que te mantiene continuamente atento y generandote una inquietud por donde va a continuar la película.

Una interesante película de suspense, aunque en algunos sitios se la califique como película de terror, creo que no lo es.

Valoración:                                 6/10

Perdida en el desierto (1988)

 

Sin haberlo planeado retomé el cine australiano con esta película medio de Aventuras, medio Comedia, con algún tinte de acción, aunque también lo podríamos calificar como un Western Australiano.

Y otra vez esa Australia rural que tanto me ha gustado en otras ocasiones y que me invita a pasar un buen rato, disfrutando de algunos de sus paisajes y del enfoque de sus películas.

Alguno podría pensar que más allá de que se vea que los coches se conducen a la derecha y la aparición de un gracioso y amable canguro, por el resto podría ser una película americana sin más, pero yo creo que hay bastantes más aspectos que la identifican con Australia, quizás basándome en el bagaje de películas que ya he visto con ciertas similitudes, pero el color ocre del desierto es muy característico, así como los personajes tampoco parecen habitantes de Texas, Utah o California.

Una TV Movie totalmente desconocida, y que quizás sólo lleguemos a ella los que rascamos a fondo en los 80, o en el cine australiano, o simplemente en películas de aventuras o ambientadas en el desierto.

Dirigida por John Llewellyn Moxey, director americano nacido en Argentina, que empezó dirigiendo algunos largometrajes (en los cuales aparecía solamente como John Moxey en los títulos de crédito), seguramente el primero el más famoso de su filmografía, El Hotel del Terror (1960), pero que el resto de su carrera prácticamente estuvo dedicada a episodios de series y a TV Movies, predominando siempre sobre el resto de géneros las de Terror y las de Ciencia Ficción.

En el reparto solo contaba con la semi conocida Donna Mills en el papel protagonista, de la que ya había visto alguna película recientemente sin acordarme (El bosque en llamas y Waikiki), y que tiene la característica de interpretar personajes más jóvenes de lo que en realidad ella es (aquí tenía 48 años y parece bastante más joven). 

Irremediablemente me hace recordar otras películas australianas parecidas, que me hicieron pasar un buen rato y que a veces me dan ganas de volver a ver, como Razorback, The Coca Cola Kid o Carretera Mortal, algo mejores que ésta y en las que la Australia rural o interior también es el escenario en el que se desarrollan las mismas.

Valoración:                                       5/10

Conducta inmoral (1993)

 

Una de las actrices más importantes de los últimos 20 años, por la que he ido alguna vez al cine y de lo poco que salvo de este siglo XXI, es Naomi Watts.

No sé exactamente cuando empezó a despegar su popularidad y reputación, supongo que a partir de Mullholland Drive de David Lynch, un director al que me niego a ver más después de ver algún fragmento de alguna película suya, y que después prosiguió con The Ring, 21 gramos o King Kong.

Me puse a investigar a ver hasta donde se remontaban sus inicios y me encontré con que tenía esta película de principios de los 90, que es una época que se suele adaptar a mis gustos.

Junto a ella comparte protagonismo Jimmy Smits, un actor con un rostro muy reconocible pero que no sé muy bien a que asociar esa familiaridad, supongo que a la serie de finales de los 80, La ley de Los Ángeles.

Con rasgos claramente caribeños, desciende de madre dominicana puertoriqueña y padre de Surinam, de ahí el apellido Smits, también  bastante reconocible como holandés.

El caso es que, a pesar de lo familiar que resulta, su filmografía no es extensa y es poco conocida, siendo yo creo ésta la primera película que veo.

Una producción australiana, de la que sigo viendo películas interesantes, y más de las que esperaba, en este caso sin recaer el protagonismo en actores autóctonos, pero por ejemplo Naomi Watts da un gran parecido con Nicole Kidman.

Una película que podríamos calificar como thriller, un género bastante típico de esos primeros 90's, habitualmente a través de TV Movies, y que en este caso mezcla algunos asuntos habituales, como acoso, abusos, denuncias, juicios ...

La película no es una maravilla, pero me ha valido para ver a una de las primeras Naomi Watts, y presentarme a Jimmy Smits, y aporta por ejemplo de novedoso, interesante y diferencial, algunas notas de jazz que suenan bastante bien.

Valoración:                            5/10

Manto negro (1991)

 

Por el 80 cumpleaños del director australiano Bruce Beresford me puse a investigar entre su filmografía y además de ver que es el director de una película famosa que ganó algún Óscar, como es Paseando a Miss Daisy, me llamó mucho la atención esta película.

Se necesitaron más de cuatro años para encontrar financiación para la película. Ningún estudio estadounidense estaba interesado en hacerlo porque se trataba de religión, por lo que finalmente la financiación se recaudó de fuentes europeas y canadienses. 

Incluso con el nominado al Óscar Bruce Beresford expresando su deseo de estar a la cabeza, los inversionistas canadienses fueron muy difíciles de convencer hasta que la película anterior de Beresford, Paseando a Miss Daisy (1989), ganó el Oscar de 1989 a la Mejor Película. El éxito de Bailando con lobos (1990) también fue fundamental para ayudar a que se hiciera la película.

Decía Beresford que leyó la novela cuando estaba de paso por Los Ángeles en 1985. Siempre había sido un gran admirador de las novelas de Brian Moore y la consideró una novela histórica muy diferente a las demás. Le impresionó por muchas razones. Una era simplemente la novedad. No sabía nada en absoluto sobre la vida de los pioneros en Canadá en el siglo XVII y de repente leer esta historia sobre estos indios increíblemente salvajes y estos viajeros franceses valientes que intentaban colonizarlos fue muy sorprendente. 

Continuaba que en particular, el sacerdote Laforgue, fue significativo, tratando de convertir a los indios al cristianismo y bautizarlos. Viajó por todo el mundo para tratar de convencer a los indios de que estaban viviendo mal sus vidas porque no van a ir al cielo. Mirando hacia atrás desde el siglo, esto parece, en muchos sentidos, una locura. Pero tenían su propio enfoque del mundo elaborado y, en términos de puntos de vista del siglo XVII, pensaban que les estaban haciendo un gran favor a los indios. Es fascinante que la fé de alguien pueda ser tan fuerte.

Lo que realmente le interesó de Manto negro (1991), aparte de que es una gran historia, es ese choque entre las culturas europea y nativa americana. Las películas de época son siempre difíciles de hacer.  Había que entender cómo pensaba alguien como Laforgue. Tenía una obsesión por llevar a todos al cielo, un concepto que pocas personas en estos días se toman en serio. 

Añadía Beresford que su trabajo era convencer a la audiencia de que esto es importante. . . Creía que, incluso si no tienes fe religiosa alguna o, incluso si desprecias a los jesuitas, todavía la encontrarás como una historia interesante. Es un maravilloso estudio de la obsesión y el amor. Y es una maravillosa aventura del espíritu y del cuerpo. Lo que hicieron esas personas, ir a un país donde los inviernos eran mucho más severos que cualquier cosa que hubieran conocido en Europa, conocer gente que era mucho más feroz que cualquiera que hubieran conocido. . . Tener que lidiar con estas personas nos muestra algo de humanidad en su máxima expresión. Es el equivalente a la gente de hoy que entra en transbordadores espaciales y se va al espacio. Se necesita un valor increíble para hacer esto.

Unas valoraciones francamente interesantes acerca de esta interesante película, que entre las conocidas podríamos decir que puede tener semejanzas, bastantes, con La misión y alguna también con El último Mohicano.

Una co-producción entre Australia y Canadá, sin actores conocidos (más allá de que la actriz protagonista trabaja en Rapa Nui que la vi no hace mucho) y casi todos autóctonos de Canadá, pero que produjo un gran resultado.

La ferocidad de las escenas de tortura provocó acusaciones de racismo por parte de los nativos americanos. Sin embargo, el autor de la novela, Brian Moore, que había realizado una extensa investigación sobre el tema, en realidad había atenuado la violencia documentada tanto para su libro como para su guión.

Un apasionante viaje de vida y muerte, de valentía y de miedo, a través de unas tierras hostiles, en lo climatológico y en lo humano, pero francamente hermosas en lo paisajístico.

Valoración:                            7/10

Angustia a flor de piel (1982)

Otra vez, esta de manera involuntaria, volví al cine australiano que tan buenos ratos me ha hecho pasar últimamente.
Siguiendo con la variedad de un fin de semana sin mucho más ocio que el cine, tocaba el momento de ver una película de miedo.

Como la gran mayoría de las últimas películas de este género que había visto versaban sobre asesinos en serie, intenté buscar algo diferente y topé con ésta sin saber que era australiana.

Pero ya el inicio casi que me lo hacía presagiar, un territorio rural característico, un coche indicativo y con el coche a la derecha y cuando vi al actor que interpretaba Cocodrile hunter acabó de confirmar mis sospechas.

Así que en principio creí no haberme equivocado.

Otro argumento muy utilizado para las películas de terror son las casas o mansiones encantadas ... o cualquier tipo de vivienda.
Aunque en ese sentido para mi la mejor película de miedo ambientada en un sitio así es El Resplandor, que no trata de una estancia encantada, pero si lo parece y genera ese lugar tenebroso donde pueden pasar cosas.

La verdad es que la película no discurre mal, aunque en más de la primera mitad de la misma no hay una gran sensación de película de miedo, es casi más misterio.
Pero en la parte final se desencadenan una serie de acontecimientos que hacen que la película crezca en intensidad, en emoción y en sensación de miedo, desembocando en un más que interesante y un poco sorprendente final.

Película rodada en sólo 50 días bajo un verano extremadamente caluroso, se dice que es una de las películas australianas favoritas de Quentin Tarantino e incluso estuvo a punto de contar con Vangelis para su banda sonora, lo cuál sin duda hubiera incrementado su popularidad y hubiera pasado de ser una película prácticamente desconocida hoy en día a por lo menos contar con los admiradores de Vangelis, que no serán pocos, porque hay mucha gente que ve todo lo disponible sobre determinado director, actor, productor o incluso compositor.

Aquí una interesante lista llamada películas de culto australianas

Lista 1

Valoración:                             6/10