Ir a perderlo y perderse (1982)

 

En comparación con Keanu Reeves, al que abordaba el otro día, Tom Cruise tiene pocas películas en general, y muy pocas antes de hacerse super famoso, y quizás ésta (siendo su tercera película cronológicamente), fuera la menos conocida de su filmografía, así que me lancé a explorarla.

Y es que ya en 1983 rodó Rebeldes, aunque ahí con un amplio elenco que no le daba un protagonismo único, pero también Risky Business, en la que si tenía un protagonismo mucho más evidente y que marcó su vuelo directo hacia el número uno del estrellato de actores.

Luego, aunque como digo no son muchas, cada película que hizo se convirtió en un éxito instantáneo, por lo menos en taquilla, luego cada uno tendrá su valoración más o menos positiva de las películas protagonizadas por Tom Cruise, que para mi no son las mejores del mundo ...

Pero evidentemente con su sonrisa, que muchas veces no hacía falta ni que hablase, ya transmitía y vendía mucho. Por eso igual resulta extraño que esta película sea tan anónima, siendo de Tom Cruise. Al final en el cine podríamos hacer una similitud con la pintura, y cualquier obra de un buen pintor (poned el que queráis, Van Gogh, Monet, Picasso ...), es muy valorada, aunque se pintara antes de que se hiciera famoso.

Y es que el argumento, aunque diferente eso si, no sea quizás el más edificante o atrayente dentro de esas películas de adolescentes de los años 80, y quizás un tanto atípico para Tom Cruise. 

De hecho Cruise dijo, teniendo en cuenta cómo fue recibida la película después de su estreno, que ésta película le  hizo darse cuenta de que necesitaba ser más selectivo en sus elecciones y buscar buenos directores.

Además es una de esas películas ambientadas más atrás en el tiempo y ese detalle, como ya he comentado más veces, a mi no me suele apasionar, y más teniendo en cuenta que la recreación que se hace del lugar en el que se ambienta la película, Tijuana (México), me parece poco acertado. La película realmente se rodó en Calexico, California, y se contrató a mucha gente local para que actuaran como extras.

Pero aún no gustándome mucho la atmósfera ni el argumento de la película el ver una película de un Tom Cruise muy jóven y poco conocida es un buen reclamo. Además le acompañan dos actores que luego no corrieron la misma suerte en cuanto a popularidad que Cruise, pero que tampoco son unos desconocidos.

Un Jackie Earle Haley, que a pesar de ser un actor bajito y siempre con cara de mayor, es decir la antítesis de lo que sería el canon físico de actor, llegó incluso a estar nominado para un premio Óscar.

Y es que el acné le pasó factura. Aunque fue una estrella adolescente de finales de la década de 1970 que interpretó a tipos inadaptados duros, enojados y llenos de granos.

De hecho comenzó a hacer promociones publicitarias con 5 años, pero según comentó luego la transición de niño a adolescente fue dura.

"Esa transición de niño a actor adulto es increíblemente esquiva. Los papeles que me llegaban cuando era joven no eran muy buenos, pero los aceptaba de todos modos para pagar el alquiler. Y cuantos más papeles malos en películas malas aceptaba, menos me querían para un buen papel en una buena película."

Pero luego su carrera cayó en una profunda depresión, y de hecho desde 1993 hasta 2005 aproximadamente estuvo sin trabajar como actor y haciéndolo en otros empleos sorprendentes para una persona popular, como repartidor de pizzas o conductor de vehículos.

Recibió muy buenas críticas en su vuelta a los platós, y más considerando todo el tiempo que había permanecido sin actuar. Nunca fue santo de mi devoción.

La tercera punta de lanza la conformaba John Stockwell (en su segunda película tan solo), que compartió protagonismo posteriormente con Cruise en Top Gun. Curiosamente aquí el personaje de Stockwell es el que hace valiente, frente a un tímido o indeciso personaje de Cruise y en el superéxito Top Gun, la personalidad de los personajes interpretados por los actores es la contraria.

Para Stockwell Top Gun pareció un punto de inflexión negativo mirando su filmografía a partir de esa película.

En el orden de facturación de la película el escalafón quedó, 1º Tom Cruise, 2º Jackie Earle Haley, 3º John Stockwell, pero realmente el verdadero protagonista de la película es Haley, que acapara mucha más atención y está por encima de sus compañeros de rodaje. Cruise dijo que hizo esta película gracias a Haley.

Además el reparto tiene otros interesantes actores nada desdeñables, aunque algunos tengan personajes con poca cuota de pantalla. Yo siempre he apreciado a Rick Rossovich, y también no son desdeñables Shelley Long, Henry Darrow o un infantil John P. Navin Jr.

Además de Stockwell y Cruise, también Rossovich coincidió con ellos en Top Gun. Otros reencuentros entre actores de esta película fueron el de Navin Jr. y Long en la serie Cheers, o el de Cruise y Navin Jr. en Taps, la película anterior en la filmografía de Cruise (que suponía su segunda).

Sorprende que su director Curtis Hanson luego tuvo buenas películas, especialmente L.A. Confidential, muy aclamada.

En definitiva, podríamos decir que se trata de una comedia sexual adolescente anodina de los años ochenta, con mala imagen para Cruise y los americanos en general y mala imagen también para los mexicanos, aunque en este caso, habría que saber que tal de recomendable es hoy en día darse un paseo nocturno por Tijuana.

Valoración:                             4/10

Los ángeles del infierno (1966)

 

Se había escapado de mi radar, pero recientemente fallecía para mi una de las personas más importantes de Hollywood, como era Roger Corman. Algunos directamente expresarán qué quien es ese, o que realmente no era nadie importante, pero es que no solamente los directores o los actores más afamados son los más importantes o necesarios para la industria del cine.

Corman pasaba por ser, sin tener ningún dato oficial al respecto, sólo por intuición, el productor más prolífico de largo de la industria cinematográfica. Y es que en su filmografía figuran nada más y nada menos que 493 títulos de crédito como productar, además de la no menos desdeñable cifra de 56 como director (seguramente en muchos como productor también) y 46 como actor, aunque éstos entiendo que en papeles relativamente anónimos.

Su carrera como director empezó en 1955 con un western, Cinco pistolas, y su fase más reconocible fue una serie de películas de terror, de ambiente gótico en general y basadas en novelas de Edgar Allan Poe habitualmente, durante la década de los sesenta, en las que la mayoría el protagonista era Vincent Price y en las que algunos papeles secundarios eran interpretados por actores jóvenes y en aquel momento desconocidos como Jack Nicholson, o por actores veteranos en ligero declive o en el olvido como Boris Karloff.

Entre los directores después famosos que trabajaron al inicio de sus carreras con Corman se cuentan Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Ron Howard, Peter Bogdanovich (que en esta película es guinista), Jonathan Demme, James Cameron y John Sayles. Muchos reconocen que Corman les influenció profundamente en su manera de hacer cine. Actores importantes que comenzaron su carrera en el cine con Corman son Jack Nicholson, Peter Fonda, Bruce Dern, Michael McDonald, Dennis Hopper y Robert De Niro.

En 2009 la Academia de las Artes y de las Ciencias de Hollywood le concedió un Óscar honorífico por su trayectoria y ahora nos ha dejado a los 98 años.

Aquí nos presenta una película en torno a una banda de motoristas, que estaba inspirada en una real existente en esos años. 

De hecho Corman utilizó a varios de los integrantes de esta banda como extras y les pagó 35 dólares por día por su cooperación y 20 dólares por día por el uso de sus motocicletas.

Aunque luego esta banda, Los Hells Angels, presentaron una demanda por difamación de 5 millones de dólares contra Roger Corman por lo que percibieron como una representación negativa de su imagen.

Las bandas de motoristas fue un movimiento cultural (o contracultural más bien) que inspiró bastantes películas en aquella época, y que aguantó el tirón hasta los años noventa.

Es difícil saber cual fue la pionera de éste subgénero, pero indagando en algunas listas posiblemente podamos afirmar que podría ser Salvaje, con Marlon Brando.

De las más o menos conocidas posiblemente ésta sea la segunda cronológicamente, dando paso al año siguiente a Ángeles del infierno sobre ruedas, protagonizada por Jack Nicholson, y tanto Nicholson como el protagonista de ésta película Peter Fonda, coprotagonizaron poco después, junto a Dennis Hopper, la película más icónica posiblemente del género, Easy Rider (que todavía no he visto).

Parece ser que Roger Corman originalmente le pidió a Jack Nicholson que escribiera el guión, pero cuando Nicholson le pidió a Corman un poco de dinero extra sobre el mínimo y Corman se negó, Nicholson abandonó el proyecto. Se reunieron al año siguiente para The Trip (1967). A Jack Nicholson también se le ocurrió el título. Fue un cruce entre The Wild One (1954) y ésta, Hell's Angels.

Aquí una lista que recopila películas de éste género

Biker Movies

Una curiosa película, ya que junta actores de varias sagas familiares.

Por un lado el protagonista Peter Fonda, con sus inseparables gafas ahumadas, Hijo de Henry Fonda, hermano de Jane y padre de Bridget, en una de las sagas con más generaciones dedicados al cine.

Por otro lado, el matrimonio formado por aquella época por Bruce Dern y Diane Ladd (en su primer papel), padres de la actriz Laura Dern, que según recogen las curiosidades de la película fue concebida durante el rodaje de esta película.

Y por último Nancy Sinatra, hija del mito Frank Sinatra, aunque ella no tuviera tanto protagonismo como su padre.

Posiblemente Peter Fonda y Bruce Dern sean los dos actores, que apenas conocía antes de empezar a ver éste tipo de películas poco conocidas, de los que más haya visto en este período.

Muchas veces estas películas tienen más de aureola, o están dirigidas a un público muy concreto, y luego la realidad para un espectador como yo es totalmente diferente. Para mi, la película nunca llega a definirse y las partes son definitivamente mayores que el todo. 

Demasiadas escenas terminan dando vueltas sin mucho que hacer excepto actuar como relleno entre el estado de derecho de Corman de ser una escena de acción/pelea y/o escena de sexo cada 15 minutos.

Poco argumento y poco interés en líneas generales.

Valoración:                                   5/10

Riff Raff (1991)

 

Ken Loach es uno de los claros ejemplos del cine de autor o cine independiente, no cine divertido ni comercial, ese que raramente se estrena en los cines generales o se proyecta luego en televisión, habitualmente con bajo presupuesto, actores pocos conocidos, pero que suele tener un buen número de fieles incondicionales que van a ver sus películas y que reciben siempre muy buenas críticas y valoraciones de las mismas.

A mi, personalmente, no es que me suelan apasionar este tipo de directores o películas, pero tenía que darle una oportunidad a una para poder valorar.

Siempre buscamos algo excepcional o interesante en una película para verla, o esperamos que nos sorprenda con cosas extraordinarias, pero fíjate tú lo que una historia cotidiana, que podría ser familiar para muchos puede resultar igual de interesante y además bastante real y creíble.

No es necesario ningún superhéroe o personaje extraordinario, ni que los actores sean todos modelos de belleza, con ojos azules y su pelo intacto y bien peinado, existe otro cine en el que tienen cabida otro tipo de circunstancias, personajes e historias, que no tienen porque desmerecer en nada a los estereotipos habituales de la mayoría de largometrajes.

Y es que, el que los actores con gran caché ecónomico y reconocimiento, que actúan en las grandes películas, sean habitualmente gente muy atractiva mayoriariamente, no significa que sean los mejores actores o que sean grandes actores. Entran en juego otros factores, principalmente un gran número de seguidores incondicionales, un marketing muy efectivo, o una superproducción muy costosa, que evidentemente implica una película atractiva.

Pero en películas como la de hoy, con la historia reducida básicamente a un único escenario, sin ningún tipo de lujo ni de actores conocidos, más allá del ámbito local, lo que te encuentras es únicamente es actuación, y evidentemente buena en la mayoría de sus protagonistas.

Estamos ante una crítica muy bien hecha hacia el sector de la construcción en el Londres de esa época, denunciando las paupérrimas condiciones laborales de los trabajadores, así como el carácter tiránico y avaricioso de los empresarios.

Y todo ello queda todavía mejor reflejado mirando ese sector hoy en día. Como las condiciones no han variado sustancialmente, más allá de que los trabajadores autóctonos han ido desapareciendo del sector, que ha quedado prácticamente monopolizado por inmigrantes, que no ven tan mal las condiciones de seguridad y mucho menos las económicas con respecto a de donde vienen.

Aunque principalmente califican a este película como comedia, hay una o dos escenas cómicas de verdad, poco más, aunque la película tampoco tenga un tono especialmente serio hasta el final, para mí está lejos de serlo. Más bien es un relato amargo y con cierto tono de rabia contra la difícil situación de la clase trabajadora en el Reino Unido en aquel momento. 

Loach trata de realizar una comedia ácida, sin mucho de dónde agarrarse, pues el ambiente general hace que sobrevivir sea lo prioritario cada día. Sin embargo, hay lugar para una camaradería y unión entre los trabajadores muy especial, para la solidaridad, para momentos de ocio básicos pero distendidos, y hasta para un poco de amor… aunque también en éste penetre la angustia de vivir.

Una crítica no solo contra los dirigentes y contra los empresarios, si no también contra la decadencia de la sociedad general de su país, cosa común en toda Europa, sin importarle que sus películas las protagonicen personajes poco atractivos para el espectador medio de una sala de cine.

Digamos que Riff-Raff podría referirse como a "gentuza", y podría caber la pregunta de si esa "gentuza" son los que denuncia el director, o si por el contrario como otros podrían pensar son los propios trabajadores.

Un fragmento realista y conmovedor de la vida cotidiana.

Valoración:                                6/10

El talón de Aquiles (1974)

 

Hacía tiempo que tenía ganas de ver una película sin votos en IMDb, y mirando entre mis películas me encontré con ésta, y así además veía algo de cine español, que lo tenía bastante abandonado.

Porque hay cine español, que igual no es muy interesante, o no para todo el mundo, pero si seguramente diferente al que se hace hoy en día, pero que está totalmente olvidado.

Y es que aquí el altavoz está siempre para los mismos, sólo se publicita o se promociona el de los que hacen piña entre si y piensan todos igual, de manera radical y discrimatoria, siendo claramente beneficiados en este aspecto, en mi opinión, personas como Pedro Almodóvar, Javier Bardem, Penélope Cruz, y sobre todo recientemente Luis Tosar.

Y otros son totalmente anónimos, por no hacer piña o pensar diferente, incluso gente tan importante como José Luis Garci, o en cuanto a actores me sorprende el caso de Eduardo Noriega.

Tal como fuere, estaba ante una película pseudo española ... o no del todo española, aunque si técnica y mayoritariamente.

Y es que su director León Klimovsky, aunque asentado en España desde los años 50, de donde ya no se movió hasta su fallecimiento, era natural de Argentina.

Y además entre el reparto, los papeles principales tampoco estaban destinados a actores españoles.

De los españoles me llamó la atención, y me ayudó a elegir la película, la presencia de Manuel de Blas.Un secundario bastante anónimo y desapercibido, pero que justo en ese año 1974 había hecho hasta diez películas, de las cuales la primera que aparece cronológicamente es Y si no nos enfadamos, junto a Bud Spencer y Terence Hill por diferentes puntos de Madrid, y con un papel peculiar, descendiendo en una avioneta en el aeródromo de Cuatro Vientos, justo donde hoy tengo mi vivienda.

En aquella película, y en ésta también, compartió rodaje con su mujer, la actriz americana (posteriormente nacionalizada española también) Patty Shepard. Estuvieron casados 46 años, hasta la muerte de Patty aquí en Madrid en 2013.

Vino a los 18 años, ya que su padre era militar y le destinaron a la base aérea de Torrejón de Ardoz, y aquí se quedó ya para siempre.

Es curioso porque además de Shepard y el director, otro actor del reparto, también foráneo, se afincó en España y realizó su carrera aquí hasta su muerte, en este caso Barta Barri, con origen húngaro.

La película, además de tener una calidad de imagen pobre, pero bueno, era lo lógico en una película sin votos en IMDb, no dice mucho.

Con bastantes bigotes y mucho tabaco, cosas habituales en aquella época, para mi lo más interesante son las escenas de coches, con un elitista porsche de la época, y la persecución final de coches sobre la nieve, seguramente rodada en la sierra de Guadarrma, ya que aunque hay tomas de fotografía claras de Alemania, los rodajes son principalmente aquí, apareciendo creo entre los sitios de rodaje, Navacerrada y San Rafael.

Valoración:                                 4/10

Vidas distantes (1987)

 

Esta película la quería ver solamente por que el título me sonaba muy bien, como místico, una historia tranquila, relajada y bonita, pero la idea mental que tenía de la misma resultó ser muy diferente de la trama, que me sorprendió bastante para bien.

Y es que cuando empezó la película y aparecieron una madre y una hija con ciertos problemas de comunicación, entendí que el título se refería precisamente a eso, y que iba a ver una película en la ciudad con encuentros y desencuentros.

Pero rápidamente la historia da un giro brusco y estas dos protagonistas emprenden un viaje a Louisiana, ese estado, eminentemente rural y pantanoso del sur de los Estados Unidos, donde está Nueva Orleans, con gran tradición por el Jazz, las plantaciones de algodón y la ascendencia francesa.

Es un estado que me gusta desde la distancia, ya que nunca he estado allí, y cuyos recuerdos tengo en el mundo del cine, son concretamente tres.

El primero, una película de aventuras y exploración de los terrenos desconocidos de América, Horizontes Azules, con Charlton Heston, Fred MacMurray y Donna Reed, que es una de mis favoritas del subgénero de exploración en particular, y del género de aventuras en general.

El segundo, un episodio de El Coche Fantástico, en el que Michael y Kitt viajan hasta una zona pantanosa del estado, en territorio Cajún (descendientes de colonos franceses) y se ve envuelto en una historia hostil por los habitantes y el terreno de la zona.

El tercero, la película Viejos Recuerdos de Louisiana, más centrada en conflictos raciales y en las dificultades de las personas de raza negra que trabajan esos campos de cultivo.

Con el que más similitudes guarda esta película de mis tres experiencias cinematográficas anteriores, es con el episodio de El Coche Fantástico.

Este sería mi cuarto episodio, que recuerde ahora mismo, relacionado con el estado de Louisiana, y me quedaría por ver un quinto que también tengo prioritario para ver, Verano en Louisiana, pero dejaré pasar un tiempo y visitaré otros estados.

Allí se produce un fuerte choque cultural y de educación entre los habitantes de la ciudad y los del entorno rural. Muchas veces, no en la ficción, si no en la vida real, cuando nos desplazamos de la ciudad hacia una zona rural o menos poblada y vemos cosas que nos chocan, en ocasiones hacemos comentarios egoístas, desafortunados e innecesarios, sobre las costumbres de esa gente, sin valorar que ellos son felices de otra forma, con menos, o que no tienen las necesidades o las posibilidades que nosotros tenemos.

Cuando realmente en las ciudades se come gracias al trabajo que hacen ganaderos, agricultores, o incluso pescadores en las zonas rurales.

Y aunque parece que igual el título más adecuado pudiera ser vidas distintas, si se analiza bien, queda mucho más acertado distantes, no solo por la distancia geográfica entre los protagonistas de la película, si no también la distancia cultural. Al final distante significa que uno está lejos de otro, y eso implica distinto también en muchos contextos.

Soprende ver a un director ruso al frente de una película meramente americana, aunque ya había dirigido una película importante, como El Tren del Infierno (1985) y luego dirigiría otra con much renombre también, como Tango y Cash (1989). 

Konchalovsky estuvo nominado a la Palma de Oro del festival de Cannes por esta película, premio que si que consiguió Barbara Hershey.

También sorprende ver en los títulos de crédito, como productor, a uno que tenía yo exclusivamente como director, el palestino Menahem Golam, director de Delta Force (1985) o Yo, el Halcón (1987).

El reparto no es muy destacado, sin ninguna estrella, aunque con algunas actrices interesantes, o por lo menos todas ellas están francamente bien aquí, siendo tres mujeres las protagonistas.

De Jyll Clayburgh no había visto mucho, o igual nada ..., a Barbara Hershey, que es la mejor de las tres en esta película, en mi opinión, he visto algunas, y  en general tiene una carrera más solida, y Martha Plimpton (descendiente de la familia Carradine), además de ser una semi estrella juvenil, ya que actúo en una de las películas infantiles por antonomasía, como es Los Goonies, me sonaba haberla visto alguna vez desde que empecé el blog, y efectivamente, fue en Silencio de Cristal, pero me costó recordarlo porque allí interpretaba a una enferma de cáncer, sin pelo.

Por el lado masculino podemos destacar a Don Swayze, el hermano menor de Patrick, que aquí tiene un parecido increíble con su hermano mayor, y que era su debut cinematográfico.

Por último en los títulos de crédito también aparecía el grupo Tangerine Dream como responsable de la banda sonora, que me dejaron muy buen recuerdo en Flashpoint.

Os recomiendo daros una vuelta por Louisiana de la mano de esta película.

Valoración:                                 7/10

Chantaje en Tulsa (1997)

 

Esta es una de mis películas más recientes desde que empecé el blog, y es que sigo siendo reacio al cine del siglo XXI, y aunque voy apreciandolo más y viendo alguna que otra película también a gran parte del cine de los noventa.

Es una película que me llamaba la curiosidad y que me costó mucho conseguir, y que aunque en IMDb alguien ha bautizado como Rumbo a Tulsa, yo siempre la conocí como Chantaje en Tulsa.

Una ciudad esta de Tulsa, que recuerda  más bien al Western, aunque si uno mira el mapa de los Estados Unidos de América, está en el centro del país, mirándolo horizontalmente, en el estado de Oklahoma, y no en medio de la nada porque está relativamente cerca de Texas (que es donde realmente está rodada la película), pero si es un estado relativamente intrascendente, aunque un poco menos con el asentamiento de un equipo de la NBA en Oklahoma City hace unos pocos años.

Una película con un buen reparto, pero muy poco conocida, con muy pocos votos en IMDb, y eso que cualquier película, en especial a partir del año 2000 tiene un número importante de valoraciones, lo cual me hace pensar que esta película no tuvo tampoco mucha difusión en América.

Y ese reparto podemos decir que lo encabezan Eric Stoltz y James Spader, dos actores más o menos importantes del boom de los años ochenta, que siempre se me asemejaron bastante, tanto físicamente, como en los papeles que representaban, habitualmente de chicos buenos. Aquí bueno, bueno no es ninguno de los dos, pero sorprende sobre todo el papel de James Spader, muy diferente a lo que yo he visto de él, y además con un color de pelo oscuro que nunca le había visto, que hasta me hizo tardar en reconocerle.

Curiosamente, ambos habían trabajado juntos en Dos días en el valle, donde eligieron a Stoltz gracias a la mediación de Spader, y aquí parece ser que fue al revés y Stoltz le devolvió el favor a James Spader para que le dieran un papel en esta película.

Junto a ellos, una atractiva y de actualidad por aquella época Deborah Kara Unger, por su papel en Crash (curiosamente junto a James Spader también), aunque su popularidad fue bastante fugaz y es difícil recordarla en muchas más películas ... aunque igual es una percepción mía por mi falta de interés en el cine del siglo XXI.

Pero el reparto no se quedaba ahí, además de una mínima aparición inicial de una joven Cameron Diaz, en el reparto aparecían algunos actores veteranos de empaque, especialmente James Coburn, un notable actor principalmente conocido por ser uno de Los 7 magníficos, un siempre interesante Peter Strauss y la más televisiva pero muy popular en Estados Unidos, Mary Tyler Moore.

Y para mi el que mejor papel hace en la película que es Michael Rooker (conocido por sus papeles en Días de Trueno junto a Tom Cruise y Máximo Riesgo junto a Sylvester Stallone), que aunque un poco pasado de peso con respecto a lo que le conocía en otros papeles, lo suple con una interpretación destacada sobre sus compañeros de reparto.

Pero no sé porqué, pero a mí estas películas que suelen mezclar drogas, tabaco, alcohol, crímenes, me suelen resultar un tanto rayantes, y básicamente porque la película no tiene ningún argumento.

De hecho no he visto algunas películas super famosas como Pulp Fiction o Reservoir Dogs porque entiendo que no me van a gustar y supongo que tendrán algún parecido a ésta.

No me van las películas de Quentin Tarantino, ni de David Lynch ni de David Cronenberg.

El personaje principal de Eric Stoltz (que curiosamente interpreta a un crítico de cine), se me asemeja al de Michael J. Fox en Noches de Neón o al de Robin Williams en Aprovecha el día, pero desde una perspectiva de tranquilidad ante los problemas, sólo que aquellas películas tenían algo más, aquí realmente no hay nada que llame la atención, y además no es una película corta precisamente, uno va viendo pasar los minutos esperando que la película arranque o aparezca algo interesante, pero realmente no se produce.

Valoración:                                      4/10

Vértigo en la pista (1980)

 

Siguiendo con el cine europeo me puse con esta coproducción entre Italia, España y Alemania, aunque es básicamente una película italiana, ya que el director y el actor protagonista son de este país. Podríamos dejar el peso de cada país en la película en 60%-30%-10%.

Aunque eso si, se ambienta en tres grandes premios de Fórmula 1, cada uno en uno de estos países.

El cine italiano a principios de la década de 1960 se caracterizó por películas del género como Peplum,  luego crearon y agotaron el género Spaghetti Western, ya más en los 70 películas de espías, de terror, con tintes góticos en ocasiones, películas bélicas, bastantes películas policíacas y el género Giallo (el equiparable al género Slasher americano).

El actor principal es Fabio Testi, al que hasta hace un tiempo desconocía, y al que recuerdo cuando era niño venir como invitado estrella a algún programa de televisión en España, como el mítico Qué Apostamos, y que tocó casi todos esos géneros o subgéneros que he comentado en el párrafo anterior.

Me guarda un cierto paralelismo con Alain Delon por constitución física y facciones, aunque Delon creo que resultaba más atractivo para las mujeres. Pero creo que por aquella época eran los referentes masculinos de sus respectivos países.

Aunque también por otro lado, a veces le confundo con Franco Nero, un actor italiano coétaneo suyo (ambos nacidos en 1941), y que está casado con Vanessa Redgrave.

En 1980 tiene hasta un total de cinco películas, curiosamente en otra también dirigida por Stelvio Massi, Speed Cross, y también como piloto, en este caso de motocross (que es lo que era realmente en el inicio de esta película también). No sé si es que el director quedó insatisfecha con la otra que es anterior y decidió hacer esta para resarcirse.

Por la parte española el protagonismo lo ponen, Paco Rabal, uno de los actores más internacionales que hemos tenido, y el veterano Manolo Zarzo, todavía vivo con más de 90 años.

Una película con cierto aire de nostalgia, no por el aspecto de la gente allá por 1980 (año en el que yo nací), si no por el aspecto mucho más despoblado, menos contaminado y más amable del mundo en general en aquella época y de los alredededores de Madrid en particulas, por los coches de aquella época, las marcas publicitarias que rodeaban las carreras automovilísticas y la presencia de la Fórmula 1 en el Circuito del Jarama de Madrid, que para los que hemos ido allí (en mi caso a ver carreras de camiones), hace echar la vista al pasado y recordar viejos tiempos.

En ese aspecto también me recuerda un poco a otra película italiana que vino a rodar aquí a Madrid, Y si no nos enfadamos con los grandes Bud Spencer y Terence Hill, y que mostraba una ciudad totalmente diferente a la actual, con mucho menos asfalto, muchos menos coches y viviendas y en general una sensación de menos estrés y mejor salud de la ciudad.

No es una película especialmente interesante, pero si que tiene las cosas que he comentado como atractivas, además de que no es un género muy extenso y es difícil encontrar películas de este estilo.

Valoración:                                 6/10

Vientos de tempestad (1985)

 

Igual que hace unos días vi una película de Charlie Sheen, ahora elegí una de su hermano mayor, Emilio Estévez, que decidió conservar las raíces españolas de su abuelo y conservar su nombre verdadero. Concretamente era de origen gallego, pero es un apellido que me resulta familiar porque en el pueblo de mi madre es común.

Tengo (o tenía) a Emilio Estévez por el hermano bueno y sensato de su hermano pequeño y más conocido Charlie, pero en esta película interpreta un papel más propio de su hermano. De hecho, también en esta película tiene un papel menor otro hermano de ambos, Ramón Estévez.

Me ha extrañado ver que lleva casi sin actuar desde 2006 y su filmografía no llega a los cincuenta títulos.

Aunque realmente aquí hace algo más que de actor principal, y es que compró los derechos de la novela sobre la que construyó el guión de esta película, su primer guión. Y él eligió el papel del jóven más rebelde y descarriado, a pesar de la insistencia de su padre, Martin Sheen, que le decía que él no quería hacer realmente ese papel, que eligiera el otro, a lo que Estévez se negó aduciendo que acababa de interpretar un papel parecido al que ofrecía el otro protagonista de la película.

Me ha sorprendido las similitudes que tiene la película con la que vi de su hermano hace unos días, Los chicos de al lado, ambas de 1985, y en especial el paralelismo entre los personajes que ambos interpretan, en un marco idéntico, el final del instituto (en este caso sin ninguna escena en el mismo) y el no caer en la delincuencia o desviarse del comportamiento correcto en ese difícil momento de la vida.

Les diferencia es que en aquella película los dos protagonistas tenían prospecto de delincuentes y no había uno de los dos que intentara reconducir al otro, y aquí en cambio uno interpreta una personalidad más calmada que hace que se produzca una lucha por ver que amigo convence al otro de seguir por una senda más o menos decente.

Emilio Estévez venía de hacer sus mejores películas, como Repo Man, El club de los cinco o St. Elmo, punto de encuentro, y a pesar de ello y contar en el reparto con el aura de Morgan Freeman, ésta es una película totalmente desconocida.

Aunque claro, igual habría que preguntarse cuando empezó a ser una estrella Morgan Freeman, un actor de maduración tardía, o al que nadie le supo sacar todo su provecho antes.

Posiblemente podríamos empezar a hablar de su importancia con Robin Hood: Príncipe de los ladrones (1991) y Sin perdón (1992), para alcanzar su gran repercusión con sus interpretaciones de Cadena Perpetua (1994) y Seven (1995), quedando ya desde ese momento en la cima de los actores de la actualidad.

Pero lo bueno de esa maduración tardía es que se pueden encontrar películas suyas (aunque en algunas con papeles menores, como aquí) poco conocidas, antes de hacerse mundialmente conocido, y yo lo he aprovechado de momento bien con, por ejemplo, Profesores de hoy (1984), El honor a un soldado (1986), Escuela de rebeldes (1989).

Al parecer también se intentó que Tom Cruise interpretara el papel de amigo del personaje de Emilio Estévez, pero imagino que Cruise ya tenía un caché muy alto u otros proyectos que le atrayeran más y el papel fue a recaer en un ya olvidado Craig Sheffer, un actor con cierto aire al gran Patrick Swayze, pero que no consiguió acercarse a su carisma y popularidad.

Valoración:                                     6/10

Testimonio Mortal (1974)

 

Una de mis series favoritas de siempre, es El Equipo A, aunque ahora no consuma ningún tipo de serie, o  a lo sumo resposiciones de series de los ochenta. Y dentro de esta serie, a pesar de que sin ser casi conocidos, los actores que interpretan a Murdock y Fénix, me parecen dos actorazos, sobresale claramente George Peppard, en su interpretación de Aníbal Smith.

Y es que aunque George Peppard tenga una carrera corta, no debutó muy pronto, y falleció relativamente jóven, no dejó de ser un gran actor, no sé si poco reconocido, o que él decidió llevar esa trayectoria. El caso es que tiene tres grandes papeles protagonistas en tres grandes películas

- Con el llegó el escándalo

- Desayuno con diamantes

- La conquista del oeste

Todos a principios de los sesenta. Durante el resto de esa década continuó con una trayectoria más o menos importante y activa, con papeles en alguna película del oeste o principalmente en películas del género bélico.

Pero ya en la década de los 70 empezó a alternar con TV Movies o series de televisión, hasta que se embarcó en su último gran papel y por el que casi todos le conocemos, como jefe de El Equipo A.

De hecho hay por lo menos un par de actores secundarios en esta película que también intervinieron en algún episodio de esta serie.

Luego ya apenas hizo nada, aunque si tuvo un papel en una película que vi y que me resulta especialmente sensible, ya que trata el tema del cáncer, en Silencio de Cristal, donde casualmente hacía de padre de una jóven con esta enfermedad. Precisamente la que le atacaría tiempo después, a sus pulmones, después de haber sido fumador durante muchísimos años, y aunque oficialmente murió de una neumonía, supongo que iría de la mano de su cáncer de pulmón.

Precisamente pensé que en esta película no aparecería fumando, porque pasada la media hora no lo había hecho y otros personajes sí, pero finalmente si que fuma aquí también su buena cantidad de cigarros, no puros en este caso.

Me parece que era un actor muy elegante, simpático, inteligente, creo que un actor bastante infravalorado.

Peppard pasó tiempo con detectives de la policía en Los Ángeles y participó en vigilancias reales como parte de su preparación para el papel.

George Peppard tenía que filmar una escena junto a una ventana grande, pero el vidrio se rompió y cayó sobre él, cortándole la boca, el ojo derecho y la mano izquierda. Continuó filmando con las heridas reales en su rostro en lugar de las heridas artificiales que normalmente aplica el equipo de maquillaje para las otras escenas.

La verdad que el título en español no me resulta acertado. La traducción literal del título original hubiera sido La ley de Newman, similar a la película que interpretaría años después Charles Bronson, La ley de Murphy, y que tienen bastantes puntos en común (igual sirvió de inspiración), y creo que habría sido bastante más acertado y mejor reclamo que este Testimonio Mortal.

Una película que abarca varios géneros o subgéneros:

- Acción

- Policíaca

- Tráfico de drogas

- Corrupción policial

- Blaxploitation

Creo que es una película interesante que no está de más ver, aunque sea totalmente desconocida.

Valoración:                            6/10

Atrapados por la violencia (1993)

Forest Whitaker es un notable actor de raza negra, de los más destacados e influyentes de finales del siglo XX y el siglo XXI, al que de pequeño siempre confundía con Lawrence Fishburne, o más que confundir no sabía con que rostro correspondía cada nombre.

Ésta es una de sus escasas apariciones como director, y además en una película para televisión. Extraña, porque por esta época de principios de los noventa, se rumoreaba que tenía un grandísimo talento también para la dirección.

Como actor tiene una trayectoria mucho más larga y reconocida, con papeles importantes en películas prestigiosas.

Para el papel de actor blanco protagonista, se eligió a Michael Biehn. Un actor bastante poco considerado y reconocido, a pesar de completar el trío de protagonistas de una película tan excepcionalmente importante como Terminator, pero claro, primero Schwarzenegger y luego Linda Hamilton le comieron el protagonismo. Pero resulta extraño que su carrera no despegase después de su papel en esta película y perdiera protagonismo rápidamente.

La verdad es que a finales de los ochenta había bastante competencia en este tipo de películas sobre barrios conflictivos o ghettos de personas de raza negra, con el trasfondo siempre similar de abandono escolar, delincuencia, crack y armas, con lo cual era difícil diferenciarse de otros largometrajes, pero a la vez era fácil aprovechar el tirón del género, en este y en otros casos con la colaboración y difusión del rap o el hip hop. De hecho en algunas de estas películas había músicos a veces como actores protagonistas, que me vengan así a la cabeza sobre todo, Tupac Shakur y Ice-T (aquí tiene un pequeño papel Busta Rhymes).

Lo que desconocemos los que nunca hemos frecuentado un lugar así, es si las películas muestran este estereotipo de barrio y de conflictividad porque es la realidad o es la ficción la que ha hecho que tengamos esa imagen que no hace honor a la realidad.

Lo que si que es una realidad, es que los actores de raza negra le dan mucho realismo a la película, creo que interpretan francamente bien en esta película y en general en determinados tipos de película.

Resultaría extraño que alguien como Forest Whitaker fuera tan irresponsable como para proyectar esta imagen de delincuencia, peligro y temeridad de sus "hermanos" si no fuera verdad, porque siempre son una piña a la hora de reivindicar sus derechos y su falta de oportunidades, y la culpa habitualmente siempre es del sistema.

Al final se hace un alegato contra las armas, como si la mera existencia de las mismas obligara a alguien a portarlas. Yo no tengo un arma encima, ni he tocado una en mi vida (salvo que valgan las de juguete o las pistolas de agua), y nadie está obligado a llevarla encima, salvo los cuerpos y fuerzas de seguridad del estado. O como si estuvieran obligados a traficar con ellas. Los alegatos están bien, pero la realidad suele ser otra. Si la película muestra la realidad, las armas por si solas no son malas, los malos son los que las portan, y las portan para intimidar, para traficar con ellas y ganar dinero, para robar a punta de pistola, para imponer la ley en el barrio ... luego el problema real son las personas.

Dejo un par de listas con películas relacionadas

Películas sobre ghettos

Best black crime dramas

Valoración:                                   6/10

Conexión Sidney (1990)

 

Hay veces que un título te entra por los ojos, y estás convencido de que sin saber nada más de la película, te va a gustar, y eso es lo que me pasó con esta.

Evidentemente tenía claro que se trataba de otra película australiana (aunque el comienzo se sitúa en Glasgow, y me descoloca un poco durante unos minutos), con las que mantengo un idilio sorprendente y agradable, y es que desde que empecé este modesto blog, habré visto más de diez, y prácticamente todas me han parecido muy interesantes.

Eso sí, hasta ahora, prácticamente todas ellas, eran de la Australia interior o rural, desértica, deshabitada, pacífica, silenciosa, placentera, majestuosa ... y aquí por título, intuía que iba a ser más una Australia cosmopolita, sin que ello me importara de partida.

Y es que tenemos la mala costumbre de prejuzgar todo en la vida, y el cine no iba a ser menos. Y si no es de primeras una película americana, o no hay o varios actores conocidos, dudar a la hora de verla, o irla aparcando ante otras opciones más conocidas.

Y eso que el cine como tal lo inventaron los franceses, así que deberían ser en todo caso las películas a las que se dieran prioridad. Pero el cine inglés no tiene nada que envidiarle al americano, y en otros países te puedes encontrar grandes películas (con el cine español soy algo más crítico), pero hasta ahora el cine australiano se adapta totalmente a mis gustos y me dan ganas incluso de revisionar alguna de estas películas que he ido viendo en estos últimos años.

No sé como llegó hasta mis manos esta película (ni a quien tendría que agradecer enormemente que la compartiera en su día), totalmente desconocida (solo 42 votos en IMDB, incluído el mío, y en Filmaffinity ni está registrada), que ni siquiera creo que tuvo ningún impacto en la propia Australia, y creo que ni siquiera se proyectó en los cines. 

En el momento del rodaje, el actor más conocido, John Hannah (4 bodas y un funeral o La momia), todavía era un semi desconocido, pero lo que me resulta sorprendente es que tiene muy calidad la cinta y que las voces de doblaje al español son de las mejores que había en esa época, no es que esté doblada recientemente.

Sin ser americana, ni sin ser una comedia, si que aprovecha otros buenos aspectos de la década de los 80, para convertirse en un producto interesante y de valor para mi.

- Localizaciones atractivas

- Días soleados y veraniegos

- Buenas voces de doblaje

- Buen ritmo

- Canciones interesantes y desconocidas

Quizás el guión no sea ninguna maravilla, lo reconozco, pero el resto de ingredientes hacen un buen plato, y creo que en este caso el guión no es como la sal, que te deja un plato soso, es como si te olvidaras de ponerle perejil o algún complemento secundario, se puede seguir viendo igual de bien.

Otra cosa que me ha resultado curiosa, es que el director, australiano, es de los que nació el mismo día que yo, que siempre cuando llega mi cumpleaños me gusta ver algo de alguien que haya nacido en mi mismo día, aunque con su filmografía como director, me parece que va a ser difícil volver a ver algo suyo, igual en su faceta de productor.

Para los que os guste la playa, el surf, el cine de los 80, o como a mí, descubrir películas de actores famosos antes de que lo fueran, os la recomiendo encarecidamente.

Valoración:                                          7/10

La muerte de Richie (1977)

 

Decidí buscar una película que fuera totalmente desconocida y esta con muy poco votos en una de las páginas de referencia del cine como IMDB me parecía perfecta. 

Aunque el nombre del director me sonaba algo (tiene algún título cuyo título puede resulta familiar, pero principalmente ha hecho TV Movies y episodios de series de televisión), y después me encontré con un actor secundiario interesante, pero de perfil bajo, como Ben Gazzara (también el rostro de Robby Benson, el protagonista, es familiar, pero yo no caigo donde más le puedo haber visto), la película no tiene nombres importantes y se nota claramente el bajo presupuesto.

Curiosamente, ahora no me viene a la cabeza algún caso similar famoso, la película está basada en un libro, el cual a su vez está basado en una historia real.

El tema de las drogas no ha tenido ni poco ni mucho protagonismo en el mundo del cine, aunque si tuviera que inclinarme hacia un lado de la balanza sería a que más bien ha sido poco.

Aunque pudiera ser un buen altavoz en la lucha contra la drogadicción, principalmente en los años 70 y 80, por otro lado era contradictorio como muchos actores o actrices acababan siendo noticia por su consumo, adicción o entrada y salida en clínicas de desintoxicación, llegando en algunos casos hasta la muerte, así que realmente creo que no resultaba muy correcto que el mundo del cine intentara influir en los jóvenes para que no se drogaran, si luego algunos de los actores más importantes consumían drogas y las noticias trascendían.

Para algunos es la mejor película antidrogas de los 70, y otros en cambio se inclinan por Pregúntale a Alicia (1973).

La cultura de las drogas todavía era relativamente nueva en los años 70 y, por lo tanto, los padres generalmente ignoraban los problemas de la misma. Así que la película, en ese sentido, era un buena ayuda a otros padres para abordar el problema de las drogas de sus hijo enviándolos a rehabilitación o prohibiéndoles ciertas amistades, pero sobre todo, advirtiéndoles de hacerlo a tiempo.

Afortunadamente hoy se sabe mucho más de las drogas que en esa época y se puede mirar la película sin el dramatismo o la preocupación de si algo similar le pudiera estar pasando a algún hijo de quien la viera, pero igual si que podría ser un buen aprendizaje o prevención para chicos que apuntan a conflictivos en tempranas edades.

Y es que el cine a parte de entretener, también te lleva muchas veces a reflexionar, y su altavoz puede ser de gran ayuda, y todo porque muestra el problema de forma realista, no como otras películas en las que las drogas son tratadas de una manera mucho más edulcorada.

Buena interpretación de los personajes, aunque casi todo se ciña a 4 paredes, y muy bien elegido el protagonista, un chico con cara de bueno y agradable, para hacer ver que le puede pasar a cualquiera, no hace falta ser un proyecto de delincuente para caer en ellas y que te destrocen la vida y la de tu familia.

Valoración:                                    6/10