28 febrero 2024

Tres en raya (1993)








Hay muchísimos casos en el mundo del cine, de padre e hijo actores, o de hermanos actores, aunque no tantos con un número de hermanos tan numeroso como los Baldwin, y todos ellos chicos (bueno, hay dos hermanas que no lleavn su apellido, pero que no tienen ningún protagonismo como ellos).
William es el tercero en el orden, tras Alec y Daniel y por delante de Stephen. Adam, aunque pudiera parece también hermano de ellos no lo es. Tienen un parentesco lejano, al que habría que remontarse remotamente hasta el siglo diecisiete, en Inglaterra.

Quizás la saga de los Arquette sea bastante comparable, aunque hay tanto hombres como mujeres entre ellos, sobre todo con Rossana, Patricia y David.

Lo que si suele ser siempre común, es que el padre, o el hermano mayor en este caso, es el que abre el camino al resto de hijos o hermanos, y aunque posteriormente el hijo o el hermano pequeño, pueda alcanzar más fama que su predecesor, es muy extraño, que primero destaque alguien más jóven, y al amparo de su éxito consigan emerger en el mundo del cine otros familiares mayores que él.

Y es que Alec les allanó mucho el camino con su éxito. Quizás no tanto a nivel cinematográfico, a mi no me parece un actor especialmente brillante, pero si por su matrimonio con otra actriz, todavía más mediática que él. Y es que no todo el mundo puede presumir de haber estado casado, nada más y nada menos, que con Kim Basinger, seguramente una de las actrices más deseadas de todo Hollywood, y que en la década de los 80 decoraría infinidad de carpetas de jóvenes estudiantes, que admiraban sus dotes y sus atributos ... para la interpretación.

Así que al abrigo de su hermano mayor, el resto de hermanos fueron abriéndose paso y encontrando su hueco en el mundo del cine, sin llegar a ser tampoco ninguno de ellos un gran actor. 
Podríamos decir que William es bastante más actor que sus hermanos Daniel y Stephen, y que le podría discutir a su hermano mayor, Alec, el honorífico título de mejor actor de la familia.
Y es que aunque no sean películas de mi devoción, tiene papeles importantes o protagonistas en películas, al menos taquilleras, como Llamaradas, Acosada o Caza Legal, en todas ellas al lado de una mujer atractiva.


Y no una, si no dos mujeres atractivas, son las que le acompañan en esta película. 
Igual que un padre o un hermano mayor actor te pueden abrir las puertas del mundillo, no es menos cierto que un gran físico también puede hacer lo mismo o más.
Y de eso seguro que podría haber tirado Kelly Lynch si hubiera sido necesario para comenzar en la actuación.

Lo cierto es que a mi no me parece mala actriz, aunque lo que más destaque de ella sea su innegable atractivo, con su imponente 1,75 de estatura y su pelo rubio. Un arquetipo de actriz no muy común, en el que podría juntarse con Daryl Hannah o Laura Dern. Tres actrices, que me gustan (más allá de Daryl Hannah de jóven me pareciera irrsistible en cuanto a atractivo) y que me parecen bastante infravaloradas, y que son algo más que una destacada presencia física delante del objetivo de la cámara.

Junto a ellos, pero un papel diferente, tímida y discreta, está Sherilyn Fenn. Una actriz que también fue una de las primeras que descubrí cuando hace poco más de diez años empecé a cogerle el gusto al cine, y a las películas poco conocidas. Recuerdo perfectamente como intenté contagiar a algunos amigos de compartir algún rato con una película, y en compañía de un par de amigos, vimos El Aparecido, en la que salía junto a Charlie Sheen. Una película prácticamente de culto, pero tanto mis amigos como yo por aquel momento ignorábamos la figura de esta actriz. Recuerdo como un amigo mío impresionado (por no decir otra palabra) quitó la atención de la película por unos momentos para buscar información de esta actriz (o fotos, no sé realmente que buscó, pero le impactó).


Pero bueno, la película es bastante regular ... muy típica de los noventa, donde ya se nota la transición de la década anterior, donde todo parecía todo mucho más improvisado, más fresco y más divertido, y aquí todo parece muy preparado, y no tiene la chispa ni la gracia que otras películas de los ochenta, sin ningún argumento, o sin ningún actor conocido.
Pero es una comedia romántica con pocas dosis de humor, imprescindibles para este tipo de películas. De hecho casi hay que buscar el humor en los pocos minutos que tiene en pantalla un interesante actor como es Joe Pantoliano.

La película la salva a duras penas Kelly Lynch. ¿Os he dicho ya que tengo debilidad por esta actriz?. Más allá de mi posible falta de objetividad, Lynch está divertida, atrevida y absolutamente adorable, encaja en el papel como un guante y convierte el papel potencialmente menos interesante del trío en un personaje digno de prestar atención. Inevitablemente, la película sufre un poco cuando ella está fuera del objetivo.

Es una de esas películas que cuesta conseguir, que te hace ilusión ver, y que tienes buenas expectativas en ella, y que luego resulta ser una película intrascendente.











Valoración:                                    5/10













23 febrero 2024

Corazón de campeón (1983)









Las películas que tratan sobre la temática del cáncer siempre son difíciles para mi.
Recuerdo cuando hace unos años vi, una sorprendentemente desconocida Elegir un amor, con una Julia Roberts en pelan juventud, que me resultó bonita a la vez que triste, y poco tiempo después tuve mi experiencia con el cáncer, y desde entonces, a pesar de que me gustó la película, y sobre todo cuenta con una espectacular banda sonora de la mano de Kenny G, no he conseguido volver a verla.

También, ya un tiempo después de haber dejado atrás esta traumática experiencia, vi otra película con argumento parecido, Silencio de Cristal, con una actriz que me encanta como Jamie Gertz, encarnando a una paciente con cáncer.

Pero en general, suelen ser películas tristes, y que a las personas que hemos tenido un episodio similar nos puede despertar la tristeza y el sufrimiento por recordar tiempos pasados.
Aunque también como socio de la Asociación Española Contra el Cáncer, son películas de esperanza, y que reconfortan al ver como hay gente que se esfuerza o que contribuye para intentar evitar que otra gente tenga que pasar por el sufrimiento que genera esta enfermedad.


No obstante, esta película, que ya sabía de lo que iba, también tenía a priori un alto componente de deporte, y es una temática que no abunda mucho y que además hacía ya un tiempo que no elegía a la hora de visionar una película.

En los años 70 y 80 se hicieron algunas películas con el atletismo como argumento principal.
Entre otras: 

Running (1979) 
Personal Best (1982) 
El corredor valiente (1983) 
El año de la victoria (1978) 
Corazón de campeón (1983)

Aunque realmente es un auténtico drama, con un toque de aventura y una cierta dosis de road movie, aunque éstas se caractericen por la utilización de un vehículo como medio de transporte, y aquí el desplazamiento es puramente a través del esfuerzo.


La película estaba basada en una historia real y por tanto se eligió a una persona amputada real para la interpretación del personaje principal, en lo que sería el primer y único papel de este actor eventual.
De todas maneras, habría sido muy complicado, con los efectos de la época, fingir que una persona normal, con sus dos piernas en perfecto estado tuviera una de ellas amputada.

Y aunque Eric Fryer hace un gran trabajo, evidentemente su enorme limitación le invalidaba para cualquier otro papel que no fuera similar a éste, pero nos dejó esta gran interpretación y un ejemplo de lucha contra las adversidades.


Una TV Movie, totalmente desconcida, pero con dos nombre destacados en el casting.
El primero el de Robert Duvall, un muy talentoso actor al que extraña ver aquí en este papel, en este proyecto tan anónimo y austero, aunque realmente no aparece en escena hasta el minuto 58 de la película, y el segundo el de Bill Conti, uno de mis compositores favoritos junto a John Barry y otros, autro de Bandas Sonoras como Rocky o Evasión o Victoria y cuyo inconfundible estilo se reconoce rápidamente, y da valor a la película.

Parece ser que el lagado de Terry Fox, que era prácticamente un héroe en aquella época en Canadá, siguió durante muchos años, celebrándose carreras para recaudar fondos y permaneciendo vivo su Maratón de la Esperanza.

Aunque hay gente que tacha a la película de innecesariamente negativa, ya solo la palabra cáncer implica un grado de negatividad brutal. Y si está basado en una historia real pues será mayoritariamente verdad. No todo pueden ser películas bonitas o con final feliz, las historias pueden ser variadas, y cuando algo está inspirado en un acotecimiento tan duro de la vida real más.

Me sorprende que haya gente que se quede con eso y no con los mensajes positivos que desprende la película en global sin entrar en detalles puntuales o superfluos.


Me gustaría terminar con un poema (traducido) que he encontrado que aparentemente escribió la novia real de Terry Fox


"Dicen que el Dragón nunca duerme. Acecha a su presa en silencio y frío, y cuando ataca, qué fuego maligno hay en su veneno.

Un día la serpiente, descuidada por su avaricia, se atrevió a apoderarse de un Caballero 'Nacido del Sol'. El mordisco ardió profundamente, directo al alma.

La serpiente se mantuvo firme: el daño estaba hecho. Pero la muerte no pudo vencer. Porque aunque el fuego lo había atravesado, el Caballero del Sol se mantuvo fuerte y fiel.

La fiebre cedió, la serpiente huyó y un miembro fue su premio.

El caballero se levantó y pronunció estas palabras: 'Has quebrantado mi cuerpo pero no mi espíritu. No me lamentaré ni lo temeré.

Cuidado con la bestia, no has ganado esta batalla, mi búsqueda acaba de comenzar."










Valoración:                                    7/10












20 febrero 2024

El talón de Aquiles (1974)

 






Hacía tiempo que tenía ganas de ver una película sin votos en IMDb, y mirando entre mis películas me encontré con ésta, y así además veía algo de cine español, que lo tenía bastante abandonado.

Porque hay cine español, que igual no es muy interesante, o no para todo el mundo, pero si seguramente diferente al que se hace hoy en día, pero que está totalmente olvidado.

Y es que aquí el altavoz está siempre para los mismos, sólo se publicita o se promociona el de los que hacen piña entre si y piensan todos igual, de manera radical y discrimatoria, siendo claramente beneficiados en este aspecto, en mi opinión, personas como Pedro Almodóvar, Javier Bardem, Penélope Cruz, y sobre todo recientemente Luis Tosar.

Y otros son totalmente anónimos, por no hacer piña o pensar diferente, incluso gente tan importante como José Luis Garci, o en cuanto a actores me sorprende el caso de Eduardo Noriega.


Tal como fuere, estaba ante una película pseudo española ... o no del todo española, aunque si técnica y mayoritariamente.
Y es que su director León Klimovsky, aunque asentado en España desde los años 50, de donde ya no se movió hasta su fallecimiento, era natural de Argentina.
Y además entre el reparto, los papeles principales tampoco estaban destinados a actores españoles.

De los españoles me llamó la atención, y me ayudó a elegir la película, la presencia de Manuel de Blas.Un secundario bastante anónimo y desapercibido, pero que justo en ese año 1974 había hecho hasta diez películas, de las cuales la primera que aparece cronológicamente es Y si no nos enfadamos, junto a Bud Spencer y Terence Hill por diferentes puntos de Madrid, y con un papel peculiar, descendiendo en una avioneta en el aeródromo de Cuatro Vientos, justo donde hoy tengo mi vivienda.

En aquella película, y en ésta también, compartió rodaje con su mujer, la actriz americana (posteriormente nacionalizada española también) Patty Shepard. Estuvieron casados 46 años, hasta la muerte de Patty aquí en Madrid en 2013.
Vino a los 18 años, ya que su padre era militar y le destinaron a la base aérea de Torrejón de Ardoz, y aquí se quedó ya para siempre.

Es curioso porque además de Shepard y el director, otro actor del reparto, también foráneo, se afincó en España y realizó su carrera aquí hasta su muerte, en este caso Barta Barri, con origen húngaro.


La película, además de tener una calidad de imagen pobre, pero bueno, era lo lógico en una película sin votos en IMDb, no dice mucho.
Con bastantes bigotes y mucho tabaco, cosas habituales en aquella época, para mi lo más interesante son las escenas de coches, con un elitista porsche de la época, y la persecución final de coches sobre la nieve, seguramente rodada en la sierra de Guadarrma, ya que aunque hay tomas de fotografía claras de Alemania, los rodajes son principalmente aquí, apareciendo creo entre los sitios de rodaje, Navacerrada y San Rafael.










Valoración:                                 4/10












15 febrero 2024

Miércoles de ceniza (1973)

 






Era miércoles de ceniza, y como cristiano (espero que bueno), acudí a mi iglesia a la celebración del día y la imposición de la ceniza. Y aunque el día coincidía con el de San Valentín, no mantengo un idilio con él, así que dejé de lado la onomástica y me decanté por una película que se llama precisamente así, Miércoles de Ceniza.

Me consta que hay otras dos además de ésta





Pero de las tres, ésta es la que me resultaba un poco más atractiva, sin tener ni idea de si alguna de las tres tenía algo que ver con lo que representa el nombre Miércoles de Ceniza, y ante presumiblemente, una traducción que no reflejara el título real, o un título que no tuviera nada que ver con la historia de la película.

Realmente uno no ve la relación con esta fecha hasta que pasada la hora de película dicen que es martes de Carnaval. Investigando un poco parece que la llamaron así, porque termina el miércoles de ceniza, aunque los protagonistas de la película no honren este día.

El único detalle religioso es que en un plano de la misma, se ve a la protagonista salir de una iglesia, aunque eso sí, diciendo que hacía más de 10 años que no pisaba una.

Porque uno vuelve de la celebración vespertina en la iglesia, donde te transmiten un mensaje de austeridad, ayuno, abstinencia y oración para el período de cuaresma que se inicia, y se encuentra con un escenario de superficialidad, materialismo, lujo, consumismo, vanidad, pecado e infidelidad, con la belleza exterior y no la interior como hilo conductor de la misma, y el no asumir el paso del tiempo y lo que significa la vida y la pérdida de juventud irreversible e imposible de detener.


La película tiene como única protagonista a Elizabeth Taylor, una actriz que a mi nunca me apasionó en su faceta interpretativa (quizás tampoco haya visto lo suficientemente de ella como para hacer una valoración más objetiva), de hecho ésta no creo que sea una buena película suya, a pesar de recaer en ella todo el protagonismo.

De hecho, su marido en aquel momento, Richard Burton, consideraba esta película horrible y perjudicial para la carrera de Taylor, y según él, ella quería seguir siendo una estrella de Hollywood, ante una posible caída de popularidad y por eso la aceptó.

Sea como fuere, Taylor fue una actriz de excesos. Debutó con apenas 10 años, ya había ganado su primer Óscar con menos de 30 años, fue abuela con 39, se casó hasta en 8 ocasiones, tuvo numerosas adicciones y en el momento de su muerte tenía 4 bisnietos.

Taylor en su madurez constantemente ganaba y perdía gran cantidad de peso, alcanzando desde 54 hasta 82 kg en la década de 1980. Comenzó con una adicción al tabaco a mitad de la década de 1950 y temía desarrollar cáncer de pulmón, cuando en octubre de 1975 unos estudios de rayos X le mostraron manchas en sus pulmones, llevando más tarde a un tratamiento para no desarrollar la enfermedad. Taylor se rompió la espalda cinco veces, tuvo dos reemplazos de caderas, tenía una histerectomía, sufrió de disentería y flebitis, tuvo una perforación en su esófago, sobrevivió a un benigno tumor cerebral erradicado en 1997 y al cáncer de piel y tuvo ataques de neumonía que amenazaron su vida en dos ocasiones. En 1983 admitió haber sido adicta a las pastillas para dormir y a los analgésicos durante 35 años. Recibió tratamiento para su alcoholismo y su adicción a las drogas, ingresando en el Centro Betty Ford durante siete semanas a partir de diciembre de 1983 hasta enero de 1984 y de nuevo a partir del otoño de 1988 hasta principios de 1989.


Una película totalmente desconcida a pesar de contar con Elizabeth Taylor y una relativamente breve intervención del gran Henry Fonda, ya en la parte final de su carrera, ambientada y rodada en Cortina D'Ampezzo, un sitio bastante de moda entre la gente con dinero en aquella época, al igual que otros puntos de los Alpes, que llegó a ser sede de unos Juegos Olímpicos de invierno en 1956 (y también proyectada para ser sede de los de 2026), y que también fue un sitio elegido para el rodaje o parte del mismo de diferentes películas.


Esta lista aparentemente refleja películas que han rodado parte de su trama allí



Le encontré similitudes y conexiones con Un instante, una vida, pero claro aquella me pareció una auténtica joya, y cada vez lo pienso más, y ésta en cambio me dejó bastante frío, no porque la película ignore el miércoles de ceniza y su tradición, si no porque es lenta, con poco desarrollo, y con poco interés por la mayoría de los pocos personajes que van apareciendo en ella, ni siquiera la aportación de Maurice Jarre consigue mejorar levemente el clima sombrío, depresivo y aburrido de la película.

No es la mejor película del mundo, pero sí una amarga historia de cómo el proceso de envejecimiento puede afectarnos, aunque podía haber sido mejor. Un reflejo de como hay personas que si no se ven bien o bellas, no se consideran personas completas.

Haciendo un juego de palabras con el título y el día en que la ví, creo que mis recuerdos sobre ésta película serán cenizas en poco tiempo.









Valoración:                             5/10












10 febrero 2024

Vidas distantes (1987)

 





Esta película la quería ver solamente por que el título me sonaba muy bien, como místico, una historia tranquila, relajada y bonita, pero la idea mental que tenía de la misma resultó ser muy diferente de la trama, que me sorprendió bastante para bien.

Y es que cuando empezó la película y aparecieron una madre y una hija con ciertos problemas de comunicación, entendí que el título se refería precisamente a eso, y que iba a ver una película en la ciudad con encuentros y desencuentros.

Pero rápidamente la historia da un giro brusco y estas dos protagonistas emprenden un viaje a Louisiana, ese estado, eminentemente rural y pantanoso del sur de los Estados Unidos, donde está Nueva Orleans, con gran tradición por el Jazz, las plantaciones de algodón y la ascendencia francesa.

Es un estado que me gusta desde la distancia, ya que nunca he estado allí, y cuyos recuerdos tengo en el mundo del cine, son concretamente tres.

El primero, una película de aventuras y exploración de los terrenos desconocidos de América, Horizontes Azules, con Charlton Heston, Fred MacMurray y Donna Reed, que es una de mis favoritas del subgénero de exploración en particular, y del género de aventuras en general.

El segundo, un episodio de El Coche Fantástico, en el que Michael y Kitt viajan hasta una zona pantanosa del estado, en territorio Cajún (descendientes de colonos franceses) y se ve envuelto en una historia hostil por los habitantes y el terreno de la zona.

El tercero, la película Viejos Recuerdos de Louisiana, más centrada en conflictos raciales y en las dificultades de las personas de raza negra que trabajan esos campos de cultivo.

Con el que más similitudes guarda esta película de mis tres experiencias cinematográficas anteriores, es con el episodio de El Coche Fantástico.

Este sería mi cuarto episodio, que recuerde ahora mismo, relacionado con el estado de Louisiana, y me quedaría por ver un quinto que también tengo prioritario para ver, Verano en Louisiana, pero dejaré pasar un tiempo y visitaré otros estados.

Allí se produce un fuerte choque cultural y de educación entre los habitantes de la ciudad y los del entorno rural. Muchas veces, no en la ficción, si no en la vida real, cuando nos desplazamos de la ciudad hacia una zona rural o menos poblada y vemos cosas que nos chocan, en ocasiones hacemos comentarios egoístas, desafortunados e innecesarios, sobre las costumbres de esa gente, sin valorar que ellos son felices de otra forma, con menos, o que no tienen las necesidades o las posibilidades que nosotros tenemos.

Cuando realmente en las ciudades se come gracias al trabajo que hacen ganaderos, agricultores, o incluso pescadores en las zonas rurales.

Y aunque parece que igual el título más adecuado pudiera ser vidas distintas, si se analiza bien, queda mucho más acertado distantes, no solo por la distancia geográfica entre los protagonistas de la película, si no también la distancia cultural. Al final distante significa que uno está lejos de otro, y eso implica distinto también en muchos contextos.


Soprende ver a un director ruso al frente de una película meramente americana, aunque ya había dirigido una película importante, como El Tren del Infierno (1985) y luego dirigiría otra con much renombre también, como Tango y Cash (1989). 

Konchalovsky estuvo nominado a la Palma de Oro del festival de Cannes por esta película, premio que si que consiguió Barbara Hershey.

También sorprende ver en los títulos de crédito, como productor, a uno que tenía yo exclusivamente como director, el palestino Menahem Golam, director de Delta Force (1985) o Yo, el Halcón (1987).

El reparto no es muy destacado, sin ninguna estrella, aunque con algunas actrices interesantes, o por lo menos todas ellas están francamente bien aquí, siendo tres mujeres las protagonistas.

De Jyll Clayburgh no había visto mucho, o igual nada ..., a Barbara Hershey, que es la mejor de las tres en esta película, en mi opinión, he visto algunas, y  en general tiene una carrera más solida, y Martha Plimpton (descendiente de la familia Carradine), además de ser una semi estrella juvenil, ya que actúo en una de las películas infantiles por antonomasía, como es Los Goonies, me sonaba haberla visto alguna vez desde que empecé el blog, y efectivamente, fue en Silencio de Cristal, pero me costó recordarlo porque allí interpretaba a una enferma de cáncer, sin pelo.

Por el lado masculino podemos destacar a Don Swayze, el hermano menor de Patrick, que aquí tiene un parecido increíble con su hermano mayor, y que era su debut cinematográfico.

Por último en los títulos de crédito también aparecía el grupo Tangerine Dream como responsable de la banda sonora, que me dejaron muy buen recuerdo en Flashpoint.

Os recomiendo daros una vuelta por Louisiana de la mano de esta película.









Valoración:                                 7/10












05 febrero 2024

Caza Salvaje (1981)

 







Después de haber visto hace pocos días una película con Sylvester Stallone como protagonista, ha fallecido uno de los grandes coprotagonistas de la saga de Rocky, Carl Weathers, que encarnaba el papel de Apollo Creed.

Un secundario formidable, sin el que Rocky no sería lo que es, pero con otros trabajos en películas notables, como en Depredador, su papel protagonista más importante quizás en Acción Jackson, o papeles mas secundarios pero en muy buenas películas como Encuentros en la tercera fase, Fuerza 10 de Navarone o ésta.

Stallone lo ha definido como "una parte integral de su vida" y de su "éxito". Además dijo "Le doy un crédito y un reconocimiento increíbles porque cuando entró en esa habitación y lo vi por primera vez, vi la grandeza. Pero no me di cuenta de lo grande que era", continuó Stallone y terminó diciendo “Nunca hubiéramos podido lograr lo que hicimos en Rocky sin él". Y cuanta razón, y más con la fabulosa voz de doblaje que tuvo aquí en la saga.

También Schwarzenegger, que trabajó con el en Depredador reflejó y secundó la grandeza de la persona de Carl Weathers.

También ex jugador de fútbol americano, como Jim Brown, fallecido el año pasado, dejó el deporte en 1974 para dedicarse a su pasión, la interpretación. Aunque no siempre ha sido considerado como un miembro de alto perfil del grupo de estrellas musculosas del cine de acción.

Es el segundo protagonista importante de la saga Rocky que nos deja en breve espacio de tiempo, tras la pérdida de Burt Young.


Buscando alguna película suya para ver, tenía que decidirme entre dos, Bucktown (1975), del subgénero Blaxploitation, pero en la que posiblemente tuviera un papel residual por ser de sus primeros trabajos, o ésta que me resultaba bastante atrayente, con un reparto magnífico y una ambientación muy de mi agrado.

Ambientada en los territorios helados del Canadá, es una película de esas que nos muestra la cara más hostil de la naturaleza, de las que evidentemente no hay muchas, pero interesantes. Le encuentro similitudes con Norte salvaje y con la gran Las aventuras de Jeremías Johnson (curiosamente el personaje protagonista interpretado por Charles Bronson, también se apellida Johnson).

Con un gran elenco como he dicho antes, que podríamos definir como de veteranos y novatos (o casi).
Los veteranos serían Charles Bronson y Lee Marvin. Aunque Bronson era mayor, todavía se conservaba bien, con 60 años, mientras que Marvin siempre pareció mayor de la edad que tenía.
Ambos compartieron otras dos películas, una de jóvenes en ¡Esto es la marina! (1951) y luego en la interesante película bélica Doce del patíbulo (1967).

Bronson siempre fue un actor que me gustó, más en sus inicios que cuando empezó a rodar todas sus películas de vengador o justiciero. Y de esa época que más me gusta, además de sus trabajos en grandísisimas películas como Los siete magníficos o La gran evasión, hay dos películas del oeste en las que es protagonista, que han echado en el pasado bastantes veces, pero que no son excesivamente conocidas y que algún día quiero volver a ver como son Nevada Express y El desafío del Búfalo Blanco. Pero es un actor que a pesar de gustarme no he visto muchas películas suyas.

Luego hay algunos actores que todavía no eran veteranos, pero que ya eran maduros, como Ed Lauter o Angie Dickinson, aunque esta tiene un papel bastante residual, y a Weathers lo podríamos casi incluir en los jóvenes, con solo 33 años, junto con un todavía más joven Andrew Stevens, que contaba con solo 26 años, pero unos cuantos títulos de crédito ya en su filmografía.


Basada en una historia real, la película fue fuertemente criticada por historiadores canadienses por equivocarse en muchos hechos históricos y caracterizaciones.
Una película más en la que la supervivencia está muy presente, en esta interesante película en la naturaleza, con dosis de acción y aventuras a partes iguales.











Valoración:                               7/10













02 febrero 2024

Tibetana (1970)

 








La verdad es que cuando conseguí esta rareza, tenía claro que la iba a ver pronto, porque tenía bastante abandonado el género de aventuras, y porque parecía una película aparentemente diferente, o por lo menos la ambientación de la misma.

Eso sí, yo por lo menos tenía bien claro que no iba a ver nada parecido a Siete años en el Tíbet, qué quizás sea la referencia cinematográfica que tenemos todos de esta región geográfica (aunque por un momento también me hizo pensar en las películas de Fu Manchú que veía de pequeño y que algún día quiero revisionar alguna de ellas), no sólo por la localización del rodaje de la misma, si no también porque no me iba a encontrar nada parecido a un Brad Pitt o actor estrella de la época.

Si uno está atento desde el principio, y se fija en los títulos de crédito, ya le hace pensar que algo de España hay en la película, y posiblemente no sólo actores o figurantes. Y es que cuando aparecen las primeras imágenes y se ve una construcción de piedra, a uno le resulta muy familiar, y posteriormente unos imponentes bloques de granito lo confirman, eso parece España.

Ya más adelante, consigo reconocer dos localizaciones de la Sierra de Gredos, una de ellas muy familiar, como es el acceso a la Plataforma, y al finalizar la misma y aparecer los créditos de final de película, efectivamente confirma que está rodada en las Sierras de Guadarrama y de Gredos, que aunque aparentemente no se parezca en nada a los parajes tibetanos, para los que no sean de aquí les puede dar el pego perfectamente.


Y es que antes había algunas superproducciones, y algunas de ellas muy importantes, que eligieron para su rodaje íntegro o algunas localizaciones, paisajes de nuestra geografía. Frecuentemente por la Sierra de Guadarrama, entiendo que por la cercanía a Madrid y por temas de logística, aunque también por ejemplo hay otros lugares mucho más remotos, como la parte de Doctor Zhivago rodada en la Estación Internacional de Canfranc, o la escena de Indiana Jones y la Última Cruzada, en la que Harrison Ford y Sean Connery se desplazaron hasta una playa de la provincia de Almería.

Seguramente casi todos de niños hemos tenido algún familiar, o nuestros abuelos nos han contado, como vinieron a rodar en las cercanías del pueblo, o como se buscaban extras o figurantes para una película que se rodaba en las proximidades, y como fue la experiencia.

Ahora ya resulta extraño encontrar que alguna película se ruede en exteriores. Evidentemente las superproducciones ya no vienen a rodar aquí, pero ni tan siquiera las producciones españolas lo hacen.


Aquí una lista interesante de películas de Hollywood hechas en España




Con un reparto muy modesto, en el que solo es reconocible Pernell Roberts (uno de los hijos de la célebre serie Bonanza), me sorprendió la actriz inglesa Alexandra Bastedo, a la que desconocía hasta hoy. Aunque verifiqué que tristemente ya había fallecido, con una vida muy similar a la de mi padre, naciendo el mismo año y muriendo con escasos meses de diferencia, me pareció, además de atractiva, bastante decente. No sé si a raíz de esta película, o que se asentó en nuestro país durante unos años, pero en los años 70 rodó muchas películas en nuestro país, a las órdenes de directores españoles.

Para los amantes del cine de aventuras, es una película interesante para su bajo presupuesto, y para los oriundos de las proximidades de las Sierras de Gredos y Guadarrama, seguro que también es un buen aliciente para verla.











Valoración:                                 6/10













27 enero 2024

F.I.S.T. (1978)







Hace unos días fallecía Norman Jewison, uno de los directores más importantes y más veteranos que quedaba con vida. Nominado tres veces a la estatuilla de mejor director, en 1968 por En el calor de la noche, en 1972 por El violinista en el tejado y en 1988 por Hechizo de Luna, no fue capaz de conseguirlo.

Me puse a revisar su filmografía a ver que podía ver que no fuera muy conocido, y me decidí por ésta, que aunque tiene como protagonista a un Sylvester Stallone ya afamado por Rocky (primera película después de ella), y un buen elenco de actores, yo por lo menos no recuerdo que la hayan pasado aquí por televisión desde que tengo uso de razón.

Eso sí, algo vale que me preocupé un momento en echar un vistazo, porque el título es de esos que no llaman nada la atención.


Jewison se encontró con Sylvester Stallone un día después de que asistiera a una proyección privada con el preestreno de Rocky (1976) . Jewison dijo: "Después de predecir que Rocky sería un gran éxito, algo que muchos cuestionaban en ese momento, le pregunté (a Stallone) si le gustaría leer el guión de mi próxima película (FIST Símbolo de fuerza). Se lo llevó a casa y me llamó al día siguiente para decirme que quería hacerlo. Lo único que teníamos era un acuerdo verbal. Pero lo cumplió"

Además el director también dijo de Stallone como publicidad para esta película: "Stallone no es sólo una estrella de cine para los fans. Se ha convertido en un héroe de culto para ellos. Se identifican con él como lo hacen con las estrellas de rock, como Elvis Presley o The Beatles". Son más reservados con otras estrellas de cine, que parecen menos accesibles. Piensan en Stallone, como Rocky, como parte de ellos. Es muy abierto".

Parecía que la química era muy buena, tanto que Stallone hizo algunas aportaciones al guión original de Joe Eszterhas (que además era su primer trabajo), aunque parece que nada exhaustivo. De hecho Stallone cobró casi el doble por el trabajo en el guión que el guionista original.

Sylvester Stallone, recién convertido en una gran estrella, fue frecuentemente acosado, gritado y agasajado por los admiradores durante la fotografía principal de esta película. Miles de fans de más de cien millas de distancia se reunían diariamente en lugares de rodaje en Dubuque, Iowa, cantando "¡Rocky! ¡Rocky! ¡Rocky!" desde detrás de cuerdas y barreras policiales del lugar de rodaje. 

Según parece, Stallone hacía unas tres peregrinaciones al día a las barreras de seguridad para estrechar la mano de los fans, posar para fotografías y dejar que algunos de los más atrevidos lo besaran. Cuando el tiempo no le permitía firmar autógrafos, Stallone aparentemente decía: "Sólo lo perderías. ¡Un apretón de manos dura para siempre!".


Hay mucha gente que siguiendo la tendencia de otros o repitiendo como loros lo que otros dicen subestiman y desprecian a un actor como Sylvester Stallone. Creo que no es opinable que Rocky, tanto la película, como su personaje, son prácticamente una obra maestra del cine, y algo similar en menor medida sucede con su personaje de John Rambo en Acorralado. Pueden no gustarte las películas, pero el trabajo y la actuación de Stallone es más que notable. Y aquí también lo es.

En Rocky interpretando a un emigrante italiano (su verdadero origen, su padre era de la región de Bari) y aquí a un emigrante húngaro. La película se centra en la experiencia húngaro-estadounidense. Ambientada en la ciudad de Cleveland, históricamente, el estado de Ohio y en particular Cleveland ha tenido la mayor población de húngaros-estadounidenses. Aunque el rodaje se realizó en un pueblo de Iowa, después de visitar más de 60 pueblos, ya que al ambientarla en la década de los treinta, necesitaban un lugar poco desarrollado que diera apariencia de ello.

Curiosamente los padres de Stallone han sido muy longevos, su padre falleció en 2011 con 92 años, y su madre en 2020 con 99, pero perdió a su hijo mayor, Sage, que trabajó con él en Rocky V con tan solo 36 años de edad.


Por la película van desfilando bastantes actores conocidos, algunos con papeles relativamente breves a pesar de ser actores muy importantes, y otros con papeles más protagonistas. Varios de ellos, como Melinda Dillon, han fallecido recientemente, también Brian Dennehy, Kevin Conway o James Karen. Además otros secundarios muy buenos como Tony Lo Bianco o Peter Boyle.


Hay numerosas conexiones entre los actores de la película.

El director Norman Jewison y el actor Rod Steiger, coincidieron hasta en cuatro películas. Jewison dirigió a Steiger en esta película, así como en Huracán Carter (1999) y En el calor de la noche (1967) , por la cual Steiger ganó el Premio de la Academia al Mejor Actor Protagonista. Steiger también coprotagonizó la producción de Jewison El asesino del calendario (1989).

Rod Steiger y Sylvester Stallone se reencontraron dieciséis años después en El especialista (1994) .

Sylvester Stallone y Brian Dennehy, quienes luego protagonizaron Acorralado (1982) cuatro años después.

Sylvester Stallone y el actor Frank McRae (con un papel testimonial al principio de la película) también aparecerían juntos en tres películas más: La cocina del infierno (1978), Rocky II (1979) y Encerrado (1989), interpretando al muy reconocible personaje de Eclipse.

Asimismo, la música de la película fue compuesta por Bill Conti, quien había compuesto la banda sonora ganadora del Óscar para Rocky (1976). FIST Símbolo de fuerza (1978) es una de las diez colaboraciones entre Conti y Stallone, y además de las seis entregas de Rocky, las otras son Encerrado (1989), Evasión o victoria (1981) y La cocina del infierno (1978).


La película está basada en la vida del jefe sindical Jimmy Hoffa , quien catorce años más tarde sería el protagonista de la película biográfica Hoffa: un pulso al poder (1992) , donde el personaje principal sería interpretado por Jack Nicholson.

Una película ambientada en el pasado, y con interpretaciones del pasado, sobrias y acompañadas de unas voces de doblaje inmejorables.
Una película de Stallone alejada de sus personajes de Rocky, Rambo, Cobra ..., y que podríamos agrupar junto con La cocina del infierno o La carrera de la muerte del año 2000, como papeles diferentes de Stallone en sus inicios.

Una de las mejores interpretaciones de Stallone, que era, por aquel momento, un joven actor muy talentoso.










Valoración:                                  7/10













26 enero 2024

Chantaje en Tulsa (1997)

 





Esta es una de mis películas más recientes desde que empecé el blog, y es que sigo siendo reacio al cine del siglo XXI, y aunque voy apreciandolo más y viendo alguna que otra película también a gran parte del cine de los noventa.

Es una película que me llamaba la curiosidad y que me costó mucho conseguir, y que aunque en IMDb alguien ha bautizado como Rumbo a Tulsa, yo siempre la conocí como Chantaje en Tulsa.

Una ciudad esta de Tulsa, que recuerda  más bien al Western, aunque si uno mira el mapa de los Estados Unidos de América, está en el centro del país, mirándolo horizontalmente, en el estado de Oklahoma, y no en medio de la nada porque está relativamente cerca de Texas (que es donde realmente está rodada la película), pero si es un estado relativamente intrascendente, aunque un poco menos con el asentamiento de un equipo de la NBA en Oklahoma City hace unos pocos años.


Una película con un buen reparto, pero muy poco conocida, con muy pocos votos en IMDb, y eso que cualquier película, en especial a partir del año 2000 tiene un número importante de valoraciones, lo cual me hace pensar que esta película no tuvo tampoco mucha difusión en América.

Y ese reparto podemos decir que lo encabezan Eric Stoltz y James Spader, dos actores más o menos importantes del boom de los años ochenta, que siempre se me asemejaron bastante, tanto físicamente, como en los papeles que representaban, habitualmente de chicos buenos. Aquí bueno, bueno no es ninguno de los dos, pero sorprende sobre todo el papel de James Spader, muy diferente a lo que yo he visto de él, y además con un color de pelo oscuro que nunca le había visto, que hasta me hizo tardar en reconocerle.

Curiosamente, ambos habían trabajado juntos en Dos días en el valle, donde eligieron a Stoltz gracias a la mediación de Spader, y aquí parece ser que fue al revés y Stoltz le devolvió el favor a James Spader para que le dieran un papel en esta película.

Junto a ellos, una atractiva y de actualidad por aquella época Deborah Kara Unger, por su papel en Crash (curiosamente junto a James Spader también), aunque su popularidad fue bastante fugaz y es difícil recordarla en muchas más películas ... aunque igual es una percepción mía por mi falta de interés en el cine del siglo XXI.

Pero el reparto no se quedaba ahí, además de una mínima aparición inicial de una joven Cameron Diaz, en el reparto aparecían algunos actores veteranos de empaque, especialmente James Coburn, un notable actor principalmente conocido por ser uno de Los 7 magníficos, un siempre interesante Peter Strauss y la más televisiva pero muy popular en Estados Unidos, Mary Tyler Moore.
Y para mi el que mejor papel hace en la película que es Michael Rooker (conocido por sus papeles en Días de Trueno junto a Tom Cruise y Máximo Riesgo junto a Sylvester Stallone), que aunque un poco pasado de peso con respecto a lo que le conocía en otros papeles, lo suple con una interpretación destacada sobre sus compañeros de reparto.


Pero no sé porqué, pero a mí estas películas que suelen mezclar drogas, tabaco, alcohol, crímenes, me suelen resultar un tanto rayantes, y básicamente porque la película no tiene ningún argumento.

De hecho no he visto algunas películas super famosas como Pulp Fiction o Reservoir Dogs porque entiendo que no me van a gustar y supongo que tendrán algún parecido a ésta.

No me van las películas de Quentin Tarantino, ni de David Lynch ni de David Cronenberg.

El personaje principal de Eric Stoltz (que curiosamente interpreta a un crítico de cine), se me asemeja al de Michael J. Fox en Noches de Neón o al de Robin Williams en Aprovecha el día, pero desde una perspectiva de tranquilidad ante los problemas, sólo que aquellas películas tenían algo más, aquí realmente no hay nada que llame la atención, y además no es una película corta precisamente, uno va viendo pasar los minutos esperando que la película arranque o aparezca algo interesante, pero realmente no se produce.










Valoración:                                      4/10













17 enero 2024

Fuga del paraíso (1989)

 






De los cuatro protagonistas de la mítica serie de El Equipo A, había un actor con mayúsculas como era George Peppard (Hannibal), un culturista más que actor (M.A.), pero que consiguió su protagonismo gracias a su papel en Rocky III, aunque también tiene un papel en una película de la que conservo gran recuerdo, Los locos del Taxi. Y luego tenemos dos tíos casi anónimos, pero que en mi opinión son dos pedazo de actores, como Dirk Benedict (Fénix) y Dwight Schultz (Murdock), eso sí ayudados por dos voces de doblaje muy notables.

A pesar de que, salvo Peppard, ninguno tuvo importancia en la gran pantalla, si que se les puede encontrar en alguna película aislada.
De Dirk Benedict ya había visto alguna, como Crucero infernal (1978), Los ligones del Beverly Plaza (1981) o Alaska (1996), pero en general o eran TV Movies muy poco conocidas, o no era el protagonista principal de las mismas. Ésta era su primera película después de acabar El Equipo A, pero su filmografía apenas llega a 50 títulos de crédito, con años de espaciado entre dos títulos en algunas ocasiones. Parece ser que tuvo problemas serios de salud en los años 70 y después de la famosa serie se retiró a una cabaña para vivir en tranquilidad, saliendo de dicho estado en contadas ocasiones.

Lo curioso es que, para los más fanáticos de El Equipo A, como yo, en el episodio piloto, doble, de la famosa serie, el papel de Fénix no lo interpreta Dirk Benedict, y no sé bajo que circunstancias se produjo el cambio, con el que la serie salió ganando claramente.

Es sorprendente como su personaje aquí es diametralmente opuesto al de Fénix, pareciendo que tenga alergia a las mujeres, cuando en la serie no había episodio en que no ligara con alguna chica.
Se pasa gran parte de la película fumando puros, puntualmente en El Equipo A se le ve alguna escena con uno en la boca, pero si no, en otras ocasiones es el proveedor oficial de Hannibal.

Aquí a pesar de ser una TV Movie, es el protagonista absoluto de la misma, dejando en segundo plano a un muy interesante Bruce Dern, uno de los actores de los que más películas he visto desde que comencé este blog, y que aquí tenga posiblemente la actuación más floja que le recuerdo, aunque lastrado por su personaje y por la deriva de la película.

El resto del reparto es bastante anónimo, aunque me quedé sorprendido de la presencia de una actriz (Kim Zimmer), que aparece en al menos dos episodios de Macgyver ... sobre todo porque esa misma tarde había visto uno de los episodios de la serie en los que aparece.


Una película con una mujer como directora, una de las que su nombre resulta familiar, Martha Coolidge, y es que entre sus trabajos tiene alguna película muy famosa como La chica del valle (1983) y Escuela de genios (1985).

Pero no creo que éste sea su mejor trabajo, la película se hace lenta y con muchas fases o escenas sin mucho significado, sin avanzar en la investigación en torno a la que gira mayoritariamente la película.

Además para situar la trama en Hawai (y oficialmente parece que se rodó en Honolulú), la sensación es que se podía haber rodado en cualquier trozo de la Costa Oeste de los Estados Unidos. Hay muy pocas escenas de playa y sobre todo hay pocas escenas del entorno, que podrían haber ayudado a construir un ambiente más agradable y atractivo.


El tema de los detectivos igual no está sobreexplotado, pero si que hay detectives muy famosos, o sagas largas, o incluso series de televisión.
Podríamos destacar a Sherlock Holmes, Hércules Poirot o a Philip Marlowe, y sobre todo dos series de televisión que para mi son la referencia en cuanto a detectives, Se ha escrito un crimen y Remington Steele, que es a quien más me recuerda esta película, por sus ligeros toques de humor y porque la investigación queda difusa y a veces en segundo plano, hasta que de repente se presenta casi la solución de manera repentina.

De hecho en la película citan a la serie protagonizado por la Sra. Fletcher, y también a Corrupción en Miami, aunque con ésta yo veo escaso parecido.

En conclusión, una película para los grandes seguidores del personaje de Dirk Benedict o incluso para los seguidores de Bruce Dern que quieran completar de ver su filmografía, pero en líneas generales película un poco sosa, lenta y mejorable.











Valoración:                                   5/10












14 enero 2024

Tim (1979)

 





Recientemente había sido el cumpleaños de Mel Gibson, y buscando entre su filmografía, me encontré con esta película que lo emparejaba con la recientemente fallecida Piper Laurie, así que me pareció una película idónea para ver.

"Tim" es posiblemente la más desconocida y subestimada de todas las películas que ha hecho Mel Gibson. Aunque data de la misma fecha que Mad Max, ésta todavía estaba en post producción, y además Mad Max era una película totalmente autóctona, y entiendo que el prestigio y la fama que le dio a Mel Gibson vino tiempo después.

No obstante Mad Max fue un importante trampolín para la industria cinematográfica australiana moderna que tan buenos ratos me ha hecho pasar a mi.


Podríamos encontrar similitudes y hacer una mini lista con dos grandes películas, como Rain Man y Forrest Gump, aunque ambas dos sean tremendamente populares y ésta absolutamente anónima. Pero es sorprendente como tres grandes actores aceptan un papel así y lo interpretan de una manera formidable.

La película también la podríamos enmarcar en una categoría de relaciones con mucha diferencia de edad entre los protagonistas.

Aquí un par de listas sobre estos dos aspectos que he encontrado





El director Michael Pate (que a su vez hace de guionista y de productor en esta su película de debut y única como director) quedó tan impresionado con la actuación de Piper Laurie como el personaje principal en Ruby (1977) que la buscó para interpretar el personaje de Mary Horton en esta película. Y a Mel Gibson lo reclutó después de verlo trabajar en Mad Max.

En su autobiografía de 2011, Learning to Live Out Loud: A Memoir, Piper Laurie reveló que ella y Mel Gibson tuvieron una aventura de una noche mientras estaban en el set de rodaje, a pesar de su diferencia de edad de casi 25 años y del hecho de que ella estaba casada en ese momento.


Estamos ante una película lenta, romántica, poco habitual y reflexiva, que nos invita a pararnos a pensar como tratamos nosotros a personas diferentes o con problemas de desarrollo mental. Qué hacemos nosotros por ayudar a estas personas o qué actitud tenemos ante esta problemática. Es una buena herramienta para concienciarnos de que son personas y merecen que las tratemos como tal, con más cariño incluso.

Igual a veces nos preguntamos qué hacen dos personas juntas, porque no nos cuadran, o porque una nos parece que vale mucho más que la otra, pero ahí está la grandeza del amor, que todo el mundo tiene derecho a querer y ser querido, y que todo el mundo suele tener su oportunidad.
La película nos muestra que el hecho de que una relación te parezca extraña no significa que haya algo malo en ella. El amor de toda una vida puede surgir entre las personas más improbables.

Así que ésta es la conmovedora historia de dos personas que encuentran la felicidad y el amor a través de una relación poco ortodoxa.
Una historia conmovedora de amor e inocencia por un lado e ignorancia, prejuicio e intolerancia por el otro.

Nos presenta un estilo de vida diferente y tan respetable como otro cualquiera, familiar por un lado, solitario por otro, tierno, romántico, generoso y condescendiente.


Es difícil que esta película no guste, pero no todo me parece redondo o bien hecho en ella. El personaje de Mel Gibson tan pronto parece deficiente como otras pleno de facultades, se hace lenta, falta explotar o desarrollar más ciertos aspectos, y el final se queda un poco frío, pero todo ello no empaña una entrañable y bonita película.


Esta película es imprescindible para cualquier persona interesada en criar y educar a un niño con el desafío de una discapacidad mental, pero que debería ser de recomendado visionado para todos y así saber y ser conscientes de como hay que tratar a esa gente especial, que ellos no han decidido ser así, y que además no pueden disfrutar plenamente de la vida como las personas normales.










Valoración:                                7/10













10 enero 2024

Criatura diabólica (1986)

 







El género Slasher (subgénero dentro del cine de terror) tuvo bastante aceptación, y por ello proliferaron muchas películas de este tipo, a finales de los 70 y durante los 80, con la generación incluso de varias sagas exitosas, entre las que podríamos destacar

- Viernes 13
- Halloween
- Pesadilla en Elm Street
- Scream

Habitualmente se diferenciaban por el tipo de arma cortante que se utilizara en las películas, desde punzones, cuchillos, hachas o hasta motosierras, pero si que es cierto que, sin llegar a entonar la frase de vista una, vistas todas, si que se parecen bastante y raramente aparecen efectos lo suficientemente diferenciadores como para sorprenderte y pensar que has visto algo novedoso e interesante.


A pesar de que las primeras influencias pudieron estar en una película tan famosa como Psicosis, este género Slasher tuvo su origen en italia, llamado Giallo allí, donde desde finales de los sesenta se empezaron a hacer películas de este estilo, de la mano principalmente de dos directores que han sido sus máximos exponentes, Umberto Lenzi y Dario Argento, pero con otros muchos que han realizados distintas películas sobre el género, como Mario Bava, Lamberto Bava, Lucio Fulci, Sergio Martino, y otros, incluído el director de esta película Ruggero Deodato.


Aquí una lista bastante completa sobre el género Giallo, aunque las haya más extensas.




Nuestro director de hoy, Ruggero Deodato, no es que haya sido muy prolífico en el Slasher/Giallo en particular, pero si en el cine de terror, que es el que marcó todo su trayectoria profesional, teniendo varias películas que se podrían clasificar dentro del subgénero gore, como son sus dos principales títulos, Mundo caníbal, mundo salvaje y Holocausto caníbal, que lo convirtieron en un director de culto en el cine de terror en los años 80.

Aunque hay gente que describiría el género Slasher como películas de terror producidas rápidamente, preferiblemente sin argumento, en las que adolescentes cachondos y de aspecto estúpido son masacrados por docenas, y seguramente alguna encajará a la perfección en esa descripción, a mi algunas de ellas me resultan interesantes y esa definición me parece básica y hecha desde la perspectiva de alguien que de partida no aprecia estas películas.

Como he dicho, estas películas se parecen bastante y lo normal es que no haya muchos argumentos diferentes como para comentarla y diferenciarla de lo dicho de otras, y más con un escenario tan repetido como suele ser un camping.

Pero es precisamente ese escenario lo que enriquece la película (de hecho, yo la consideraría una joya perdida ... dentro de este subgénero).
A pesar de intentarla situar en el estado de Colorado en Estados Unidos (cualquiera que haya visto una película ambientada allí, por ejemplo se me viene a la cabeza La carrera de la vida, sabe de sobra que ese terreno no es característico de allí), la historia se rueda con mucho acierto en ciertas localizaciones de los Abruzzos italianos.

Estas películas suelen tener una alta cuota de oscuridad, o incluso algunas casi la totalidad, pero ésta aprovecha muy bien los fragmentos de unión entre crímenes para mostrar unas imágenes, de naturaleza y práctica deportiva, excepcionales y variadas.


Quizás la parte menos destacada sea la actuación, aunque eso en este tipo de películas, casi siempre anónimas en cuanto reparto, suele ser poco importante, y a pesar de que hay varios actores habituales de este tipo de películas de serie B.
Con casi todo el elenco femenino desnudándose, cosa que se suele criticar del género Slasher en general, aunque por otro lado puede ser un reclamo para otro tipo de espectadores.

Para los amantes de la naturaleza y de Italia creo que es una película bastante decente y destacada dentro de este subgénero Slasher/Giallo que hemos comentado.











Valoración:                                     6/10