El secreto del lago (1986)

 

Creo que el verdadero germen de que le cogiera afición a ver películas poco conocidas y escribir acerca de ellas fue una sesión doble que vi hace más de 10 años con ésta y la siguiente, Cavernas Fantasmas.

Después de ese tiempo creí que era buen momento para revisionarlas, porque me gustaron bastante, porque tienen toda la esencia que busco con este blog y porque me apetecía que tuvieran su hueco aquí.

De esta primera podría destacar como una película aparentemente infantil se convierte para mi en una de las mejores películas de aventura / misterio que he visto, siendo además muy apta para cualquier espectador, sin tener que limitarse a niños en torno a esa edad de trece o catorce años o a padres con niños en edades similares.

La película está al mando del director australiano de origen británico Brian Trenchard-Smith, que ya había rodado otra película australiana interesante y conocida, como Los Bicivoladores, con una muy jóven Nicole Kidman.

No obstante creo que el principal mérito en esta película hay que dárselo al guionista, por una historia tan singular.

En líneas generales recordaba la esencia de la película, aunque no algunos detalles.

Como por ejemplo que se trataba de otra película australiana de esas que tanto me gustan, con ese ambiente rural tan característico.

Y es que al protagonizarla Henry Thomas (el célebre Elliot, protagonista de E.T.) pensé que era una película americana, pero las escenas de lagartos autóctonos de Oceanía primero y luego la mención hacia la ciudad de Sidney y que los vehículos tenían el volante a la derecha me dejaron bien a las claras que era una película australiana, y que quizás por eso me gustaba tanto.

Y es que una de las características que principales de estas películas rurales australianas que tanto me gustan, es el especial cuidado y acierto que tienen en la elección de las localizaciones para las mismas. Sin haberme encontrado escenarios repetidos, todos me han parecido especialmente interesantes y atractivos para la filmación de una película, y de todos, creo que éste se llevaría el primer premio.

En este caso está filmado principalmente en locaciones de Woods Point, Victoria, Australia. Woods Point es considerado un pueblo minero rural que no ha cambiado mucho en los más de 30 años transcurridos desde que se realizó la película. El terreno circundante parece bastante un parque nacional.

Un país, Australia, que seguro que me maravillaría si lo conociera, y que parece residir en otro planeta, por la poca superpoblación que hay, la conservación original de muchos lugares y la aparente menor huella del ser humano. Un país en definitiva que hace pensar en un mundo mejor.

Aunque tiene un presupuesto estrictamente bajo, lo compensa rodándose en lo más profundo de la región de las Montañas Azules de Nueva Gales del Sur, que es casi un personaje en sí mismo, misterioso y antiguo. Esto también le da a la película un sabor claramente australiano, acentuado por la imagen romántica de una comunidad de pueblo pequeño donde todos se conocen y se cuidan unos a otros, y las relaciones con la comunidad europea y nativa (que viven completamente separadas) son optimistas. El cinismo del mundo moderno está muy lejos y cada personaje está imbuido de una inocencia intacta. La americanización de la cultura es inexistente y muchas líneas de diálogo están marcadas por un coloquialismo antípoda. Como consecuencia, la actuación puede ser a veces un poco teatral, pero todos realizan una actuación competente, que es otra de las virtudes de estas películas, que los actores australianos a pesar de ser poco conocidos de fronteras afuera de Australia (quizás allí puedan ser muy populares), realizan interpretaciones muy sobrias y valiosas.

Otra de las virtudes de la película es que nos puede permitir trasladarlos a nuestra niñez, en especial para los que tuviéramos un pueblo y pasáramos temporadas en él.

Aunque no tuviéramos la misma curiosidad e ingenio que el protagonista de la misma, seguro que casi todos hemos hecho alguna aventura, en menor escala que ésta claro está, adentrándonos en terrenos apartados y desconocidos y sin el consentimiento de nuestros padres.

Con esas bicicletas BMX tan geniales en nuestros días y pensando en explorar, ir de acampada o salir a merendar al campo.

Es una de las películas con mejor traducción del título al castellano, ya que los títulos alternativos u originales no me resultan convincentes. El título original The Quest, es utilizado en más películas, y el original en Australia Frog Dreaming no tiene gran relación con el desarrollo de la misma. Si la veis juzgar que título de los tres os parece más adecuado.

Creo que no hace falta ser un niño o ser tener carácter infantil para apreciar esta película, si no más bien ilusión, buen gusto y personalidad.

Hay una frase que me gusta mucho que reza "Uno no deja de jugar porque se hace mayor, uno se hace mayor porque deja de jugar", y creo que se podría emplear igualmente si permutamos jugar por soñar, así que nunca dejéis de soñar.

Una película que yo creo que es de las que más recomendaría ver a cualquier persona.

Valoración:                                      9/10

Aprovecha el día (1986)

Gracias a una actividad en la que participé el otro día organizada por mi amiga Angélica (una de las mejores personas que se pueden conocer, gracias por estar ahí), retornó a mi mente el actor Robin Williams, al que tenía bastante olvidado, pero al que tengo cierto aprecio.

Además de cumplir años el mismo día que mi hermano, su muerte me resultó bastante triste. Venía yo con toda la ilusión de firmar mi hipóteca y con las llaves de mi nueva casa, destino a entrar en ella, cuando puse la radio y me enteré de su muerte, y desde entonces le tengo bastante aprecio.

Actor de principios de la década de los 50, donde todavía no era tan importante el físico, como si sucedería una década después, se abrió paso en la industria cinematográfica gracias a sus dotes interpretativas.

Era un actor de grandes contrastes. Por un lado una persona muy solidaria, que en un evento llegó a exigir que contrataran a cierto número de personas sin hogar, y alrededor de unas cincuenta recibieron dinero suyo y tiempo y disponibilidad para obras sociales.

Por otro lado fue otro actor que no escapó de las dos adicciones más habituales de Hollywood, el alcohol y las drogas. Él culpó de estas adicciones al estrés que le ocasionaba en sus inicios la realización de monólogos cómicos. Dejó las drogas a raíz de la muerte de su amigo James Belushi por culpa de éstas, pero la adicción al alcohol le siguió acompañando.

Un actor muy versátil, especialmente en los géneros de comedia y drama, llegó a recibir hasta tres nominaciones al premio Óscar por sus interpretaciones en Good Morning Vietnam, El Club de los Poetas Muertos y El Rey Pescador, recibiéndole finalmente por El Indomable Will Hunting.

Además ganó cinco Globos de Oro, dos premios Emmy y tres premios Grammy, que condecoran su gran carrera.

Debutó en el cine con el curioso papel de Popeye, pero quizás aquí le asociemos más a sus papeles en Hook, Jumanji o la comentada El Club de los Poetas Muertos, porque hayan tenido más difusion a través de la televisión.

Yo me dispuse a bucear entre su filmografía buscando algo acorde a la filosofía de mi blog, y me topé con esta desconocida película, cuyo título me recordó a un slogan muy utilizado hoy en dia, aunque en su versión de "Carpe Diem", lo cual ya me resultó lo suficientemente atrayente para verla.

Curiosamente, poco tiempo después de ésta, Robin Williams protagonizó El Club de los Poetas Muertos (1989) en la que, como profesor, ensalzaba el proverbio Carpe Diem, que significa literalmente el título de esta película "Aprovecha el día".

Además, encontré una reseña de un usuario que rezaba "es un hombre honesto que atraviesa tiempos difíciles tras perder su trabajo, pero lo que realmente afecta a Tommy es ver cómo sus amigos y su familia le dan la espalda uno tras otro", lo cual me hacia reflejarme en esa descripción parcialmente, y aunque no deja de ser la percepción de un usuario de la película, que no tiene porque coincidir con la mía propia, me pareció otro buen aliciente para disponerme a verla.

Aunque la película está ambientada como dos décadas antes, y es un detalle que no me suele gustar, es un factor que tapoco se nota mucho ni está presente continuamente en el desarrollo de la misma, más allá de cuando se enfocan coches de época en tomas de exteriores.

Williams interpreta un arquetipo de personaje bastante común en él, alguien bastante desgraciado y atormentado, que posiblemente era un buen reflejo de su realidad, y que además de sus grandes capacidades interpretativas, la similitud con su realidad vital le podían ayudar a realizar de manera sobresaliente este tipo de papeles.

A pesar de lo desconocida de la misma, y parecer una pelicula de Serie B con un presupuesto bajísimo, seguramente estemos ante una de las tres mejores interpretaciones de Williams en el cine, por lo menos a nivel dramático. La película puede resultar deprimente, pero merece mucho la pena verla.

El final te puede dejar frío o pensativo, en uno de esos finales que yo considero como una película incompleta, pero que evidentemente tiene que haber de todo y no siempre puede haber un final feliz ... o uno triste, también se puede jugar con otro tipo de epílogos para una película.

Desconozco si el libro en el que se basa también tiene este final.

Por último, a mi la película me hace reflexionar sobre slogan Carpe Diem, sobre el que yo soy bastante crítico, porque creo que en la mayoría de los casos implica un alto grado de egoísmo y está asociado con el disfrute, el gasto o el consumismo.

Frente a lo cual existe el aprovecha el día para reír, para ayudar, para compartir, o para contraponer el amor y el respeto frente al materialismo y el dinero.

A la gente simplemente no le importa lo que no puede ver o lo que no le afecta directamente. No se ayudan entre sí a menos que haya dinero de por medio.

Creo que es una buena crítica de la sociedad actual, pero descrita casi 40 años antes.

La metería en el grupo de pequeñas joyas desconocidas que he ido descubriendo con mi filosofía de elegir películas muy poco conocidas.

Valoración:                                    7/10

Perros asesinos (1977)

 

Esta semana fallecía, a los 90 años, el actor británico David McCallum, al que seguramente muchos ni les suene, otros no le pondrán cara y alguno como yo nos ha entristecido su deceso.

Aunque no fuera un actor excesivamente importante, para los que nos apasiona la película La Gran Evasión, lo tendremos totalmente identificado, siendo yo creo, posiblemente el papel más importante de su carrera.

Luego además, cuando su trabajo básicamente se limitaba a series de televisión, tuvo una aparición en uno de los últimos episodios de El Equipo A, que es una serie de la que me conozco prácticamente hasta los diálogos.

Así que buscando entre su filmografía me atrajo este película, con un perfil muy típico de los años 70. Y es que no son pocas las películas de esta década, en las que se utilizan los animales para generar terror entre los seres humanos.

Aunque principalmente se hacía a través de insectos, véase la famosa película de El Enjambre con las abejas como protagonistas, u otras menos conocidas con arañas o tarántulas, hormigas o escarabajos.

Y evidentemente el rey de este tipo de películas en esta década, que fueron los escualos, con la obra maestra Tiburón.

Aquí, se utilizó al perro como ese animal asesino y despiadado.

Una lista muy amplia sobre películas de terror con animales

The best animal horror movies

Curiosamente el perro, un animal que habitualmente suele jugar más papeles de mascota o de el mejor amigo del hombre, como en la saga del famoso perro San Bernardo Beethoven o las diferentes versiones del famoso Huskie Siberiano Colmillo Blanco, pero que también en algunas ocasiones en el cine ha sido utilizado, normalmente a través de sus razas más peligrosas y agresivas, para crear una película de terror.

Una lista sobre películas de terror con perros como protagonistas

Canis horror

Aquí curiosamente se mezclan perros de muchas razas, incluso algunos que parecen inofensivos convertidos en voraces asesinos. Solamente un agresivo doberman genera la sensación de que te pueda ocasionar daño, lo cual resta un poco de realidad a la película.

El mayor problema de la película es el hecho de que realmente no supera el nivel de una película hecha para televisión. Otro problema es que los perros nunca dan miedo, a pesar de ser un película violenta, y ciertamente no hay tensión en ninguna de las escenas, a pesar de que se vea mucha sangre y heridas desagradables.

Esta película que pertenece al subgénero de los 70 "cuando la naturaleza ataca", en mi opinión no mejora a las otras en las que los animales son protagonistas, ni tampoco cuando las catástrofes naturales son de otra índole, como un terremoto, una inundación o un fuego.

Valoración:                               5/10

Como en una pesadilla (1986)

 

Busqué otra película totalmente desconocida, sin apenas votos en IMDb, y me decanté por esta TV Movie, que limita el alcance de la producción y el casting de actores talentosos, a veces difíciles de separar de la pequeña pantalla, pero no obstante tenía algún actor reconocible, principalmente Margot Kidder, que siempre irá ligada a su papel de Lois Lane en Superman.

Una de esas películas con pocos personajes y pocas localizaciones de rodaje, que basa su éxito en su guión y la interpretación de sus personajes.

Sin efectos especiales, sin presupuestos exagerados. Simplemente un guión excelente, actuaciones magníficas, una dirección precisa y eficiente y uno de los mejores giros de la historia.

Un misterio en toda regla, que no es un género muy tratado, más allá de las numerosas películas basadas en libros de Agatha Christie principalmente, no hay grandes películas asociadas a este género.

Hay una buena reflexión sobre los libros de Agatha Christie para aplicarla a esta película, mejor una vez vista, "si sospechas de la persona que tiene menos probabilidades de ser sospechosa, entonces es probable que sea culpable".

Aunque la primera media hora pueda parecer un tanto absurda o repetitiva en torno al mismo argumento, se puede intuír por donde van los tiros, y luego no puedes dejar de parpadear ni un momento, ávido de ver lo que pueda pasar o intentar adivinar por donde va a continuar la película o tratando de descubrir la verdad de la misma.

Podríamos considerarla, como una atractiva nueva versión de la película para televisión de James Fanciscus de 1976 "Una de mis esposas está desaparecida", con unos personajes muy bien diseñados, y muy bien interpretados por sus cuatro protagonistas. Yo por suerte no he visto esa otra película, y así no tenía ninguna idea de lo que podía pasar en ésta.

Y también se la puede considerar una película con ciertas influencias de Alfred Hitchcock, el maestro de las películas de suspense.

Aquí una lista de películas sobre desapariciones

Missing/Vanishing

Valoración:                            7/10

Esclavas del espacio (1987)

 

Cuando uno se sienta a ver una película de este estilo tiene que ser consciente de lo que puede esperar de ella, y no pensar que se va a encontrar una joya perdida por descubrir.

Y es que el cóctel no puede dar mucho más de si con los siguientes ingredientes

- Película de muy bajo presupuesto

- Ciencia ficción de los 80

- Chicas ligeras de ropa

- Escasos personajes y ninguno ni medio conocido

- Un par de decorados contados para todo el rodaje

Con todo ello el producto es el que es, llegando incluso a algunas situaciones insólitas o poco frecuentes que dan muestra de ello.

Como por ejemplo que Ginger Lynn , una conocida estrella de películas pornográficas, fue inicialmente la elegida para el papel principal de "Daria", pero fue despedida después de tres días de rodaje cuando el director, Ken Dixon, no pudo sacarle ninguna escena utilizable. Luego trasladaron a Elizabeth Kaitan, que desempeñaba el papel secundario, a su papel.

Una Elizabeth Kaitan que dijo, que su auto se averió y un amigo la llevó, pero primero tuvo que dejar el equipo en un estudio de producción. Allí, uno de los productores de esta película la vio y le pidió que hiciera una audición. Ella se negó cuando escuchó el título de la misma. 

Se volvió a encontrar con ella en un restaurante unos días después y le volvió a preguntar. Leyó parte del guión y pensó que no era tan malo, así que hizo una audición. La eligieron para el segundo papel principal, pero la trasladaron al papel principal después de que despidieron a Ginger Lynn , que no encajaba en el papel.

Otros detalles de su mala acogida y reputación fueron por ejemplo cuando el senador republicano de Carolina del Norte, Jesse Helms, calificó la película como indecente en el Senado de los Estados Unidos, en 1992.

La película forma parte de una serie alemana conocida como "SchleFaZ". ("SchleFaZ" es una abreviatura alemana que significa "las peores películas de la historia". En esa serie, 2 presentadores presentan la película completa y se burlan de ella durante toda la película).

O que es la primera película producida por Urban Classics, la rama de género de presupuesto "ultrabajo" de Empire International Pictures de Charles Band.

Aunque la película se proyectó en algunos lugares de la mano de otra más reconocida de este género, como es Creepozoides, tampoco ello ayudó a mejorar su valoración.

Se podría decir que es un remake o que está muy influenciada por la película El malvado Zaroff (1932), pero teniendo en cuenta que mucha gente no habremos visto esa película, o que la diferencia de calidad entre una y otra es abismal, pues tampoco eso la ayuda a ser más popular.

No obstante, aunque no tenía mucha intención de escribir sobre ella, la película no es tan horrible. El escenario principal donde transcurre la acción me parece decente e ingenioso y los cyborgs o robots que acompañan a los humanos protagonistas también son interesantes, junto con la decente actuación del villano de la película.

Para los amantes de la Ciencia Ficción o las películas de serie B será una película aceptable o interesante y para los amantes del buen cine será un tiempo desaprovechado.

Valoración:                            4/10

El valle de las mil colinas (1958)

 

De siempre, las sobremesas me han sugerido más el visionado de una película del oeste o una de aventuras como en este caso.

Y dentro de las aventuras, habitualmente suelen abundar y gustarme las ambientadas en África, Asia, o algún lugar interesante paisajísticamente.

En este caso por el título no sabía que estaba ante otra visita al continente africano.

Se puede decir que las películas africanas pueden tener bastantes cosas en común y parecerse algunas entre si, pero cada una es una aventura.

Habitualmente suelen girar en torno a personas occidentales afincadas en el continente por motivos humanitarios o laborales, u otros que acuden como exploradores o buscadores de tesoros.

En este caso el modelo es el primero, con otros elementos muy comunes, como las tribus o los animales salvajes.

Podríamos decir que el director Ken Annakin, es un especialista en el género de aventuras (a veces aventuras de capa y espada), o películas que contienen parte de aventuras, mezcladas con un poco de acción o entremezclándose con el género bélico.

Me gustan bastante sus películas El valle de los maoríes y especialmente Escalada hacia la muerte, una de las no muchas pero siempre atrayentes para mi, películas de montañas.

Annakin no tenía mucho interés en este proyecto, ya que su mente estaba en otro que tenía en cartera, pero para mi el resultado fue notable.

No obstante se encontró con bastantes problemas durante el rodaje.

El equipo sufrió varios problemas de salud. La supervisora ​​de guión Gladys Goldsmith sufrió una picadura de insecto, lo que provocó que su pierna se hinchara hasta un tamaño alarmante. Su sustituto improvisado, el secretario de producción, fue mordido por una araña y también fue internado en la enfermería; al igual que el fotógrafo. Durante la Navidad de 1957, el director de producción Jack Martin fue hospitalizado tras sufrir un infarto. Los electricistas, en particular, sufrían dolores en el pecho, reumatismo, picaduras de araña blanca y calor. También uno de los dos guepardos de la unidad, con el que Belinda Lee había posado para fotografías publicitarias, atacó salvajemente a su entrenador. De las 44 personas de la unidad, sólo el director Ken Annakin y otra persona no se vieron afectados por períodos de enfermedad.

La acción en pantalla fue eclipsada por los acontecimientos que sucedían detrás de la cámara. Belinda Lee intentó suicidarse, Patrick McGoohan sufrió una conmoción cerebral después de chocar su auto y la producción fue interrumpida constantemente por el equipo. 

Hubo un día, en el que solo Annakin y una serpiente estaban disponibles para trabajar. El mayor obstáculo vino de los electricistas que supuestamente dirigieron el rodaje, saboteando las acometidas del director de fotografía con filtros de luz incorrectos y obligándolo a ser reemplazado. 

Dentro de las no pocas películas rodadas en África que he visto últimamente, me guarda cierto paralelismo con La gran apuesta, pero no por el argumento en sí, si no por el descubrimiento de una actriz que hasta ese momento desconocía. En aquel momento Juliette Greco y ésta vez fue Belinda Lee, pero desgraciadamente, cuando fui a revisar su filmografía me encontré que falleció en 1961, con tan solo 25 años, por culpa de un accidente de circulación.

Esa tristeza no empaña la alegría de descubrir la que creo hubiera sido una gran actriz y que me hizo pasar un bonito rato junto a Patrick McGoohan, que está prácticamente igual que 20 años después en su papel de alcaide en La fuga de Alcatraz (que es la única referencia que me venía a la cabeza de él en ese momento), y de Michael Craig, éste todavía vivo (1929), que fue el afortunado que conquistó a Belinda Lee en la ficción.

La película se rodó principalmente en Sudáfrica, en las inmediaciones del Parque Nacional Kruger, constatando la gran variedad de posibles sitios para rodar una interesante película en el continente africano. 

Valoración:                                    8/10

Más allá de las estrellas (1989)

 

Recientemente vi sendas películas de Charlie Sheen y Emilio Estévez como protagonistas, así que para cerrar el círculo me topé con esta de su padre, Martin Sheen y me pareció interesante para verla.

Una película totalmente desconocida, de hecho me costó muchísimo descargarla, a pesar de tener notables actores en el reparto.

Como por ejemplo Sharon Stone. Evidentemente estamos en la época pre Desafío Total e Instinto Básico, pero ya había tenido sus papeles con cierto protagonismo y supongo que era una actriz bien considerada en Hollywood.

Y también Christian Slater, éste con apenas 20 años, pero que ya había tenido también papeles importantes, como su intervención en El nombre de la rosa, que yo creo que es con la película que mayormente se dio a conocer.

Supongo que esta película no tuvo ningún peso en la carrera de ninguno de ellos, dado el desconocimiento de la misma.

Además el reparto tiene otros actores más secundarios de cierta importancia, en especial F. Murray Abraham, sobre todo famoso por Amadeus.

La película confronta el sueño y la ilusión de un chico jóven por una profesión que le apasiona y por otro lado el desencanto de alguien que ha pasado por esa profesión y ha quedado en un estado de semi abandono a pesar de ser considerado héroe un día.

Pero lo mejor de la película, que me ha gustado en líneas generales, es la ubicación de la historia en un lugar tranquilo y apacible de Oregón, donde disfruta de su retiro el personaje de Martin Sheen, con un lago, casas de campo con parcelas, naturaleza, tranquilidad, muy idílico todo, y a pesar de tener un reparto importante, la película da sensación de que intervienen pocos personajes.

Si la englobamos dentro de la categoría de películas de astronautas o espaciales, evidentemente sale favorecida con respecto a otras, en mi opinión, pero creo que es meramente un drama y que el tema espacial solamente es un complemento de la película.

Aquí una lista de películas sobre el espacio

Exploración espacial

Otra película de los 80, que sin parecerse a las películas estándar de esta época, muestra un guión original, interesante y atractivo, además de un reparto importante, variado y que supone un buen reclamo para captar espectadores, y que sorprendentemente era una película totalmente desconocida para mi hasta el otro día.

Siempre me ha gustado visionar estas películas muy poco conocidas, que por algún motivo quedaron en el olvido, o con actores antes de tener el éxito que alcanzaron posteriormente.

Valoración:                                6/10

Bonita (1979)

 

Recientemente había visto una película de Brooke Shields (Oro mojado, 1984), pero me pareció tan parecida a otra que había visto poco tiempo antes (El tesoro de los tiburones), que finalmente no hice una ficha de la misma. Así que cuando cayó en mis manos ésta, me pareció tan singular el argumento que decidí ver una segunda película consecutiva con Brooke Shields como protagonista.

Como protagonista ... infantil, porque cuando se hizo la película tenía tan solo 13 años. Lo raro es que ésta sea tan desconocida, pero evidentemente fueron los cimientos sobre los que asentó su posterior explosión, tan solo un año después, con El lago azul, película por la que es mayoritariamente conocida aquí en España (recuerdo que esta película nos la pusieron en el colegio y todo).

Shields dice que esta película le marcó mucho, y que supuso un antes y un después en su vida, y que siempre la recordará con mucho cariño.

Le ganó el papel a Jodie Foster, que es tres años mayor que ella, y quizás esa diferencia de edad hizo que Brooke Shields encajara mejor en el papel.

Hay además algunos buenos secundarios en la película, como John Crawford, Geoffrey Lewis o un también jóven Lorenzo Lamas durante un breve intervalo, pero quería detenerme en la figura, muy poco valorada, pero que siempre aporta mucho, de Charles Durning.

Un actor al que siempre había visto en las innumerables veces que abré visto El golpe, pero en el que nunca había reparado, hasta que un día le vi en otra película y me di cuenta que trabajaba en la película de Paul Newman y Robert Redford y empecé a fijarme en sus personajes y en las grandes interpretaciones que hacía.

Casi siempre haciendo de persona bastante gorda (aquí a su personaje algunos le llaman la ballena), astuta, entrometida, muy metido en su personaje, con una interpretación casi impecable de los mismos y con una interesante voz de doblaje siempre.

El director intentó que su papel lo hiciera Orson Welles, pero estaba ocupado con otros proyectos, y creo que Charles Durning fue una elección muy acertada por parecido a Welles.

Hay actores que atraen principalmente por imagen o atractivo, sin negar que puedan ser buenos actores, y otros que atraen por sus dotes interpretativas, y evidentemente Charles Durning se encuentra en este segundo grupo.

El corte original de la película duró 111 minutos (la que conseguí yo, con algunos minutos sin doblaje). Cuando la película tuvo un mal comienzo, el director Rudy Durand volvió a editarla y la redujo a 100 minutos. Posteriormente, ambas versiones de la película se estrenaron en televisión y vídeo doméstico.

Warner Bros programó el estreno de la película en 1978. Finalmente, probaron la película en 6 ciudades a principios de 1979 antes de archivarla, en espera de reediciones. El principal inversor de la película, Mel Simon, recompró los derechos de la película a Warner Bros. en 1980 y luego el guionista y director Rudy Durand la reeditó. No pudieron conseguir una gran distribución, pero en 1981 tuvo una gran rotación en Showtime y debutó en la NBC.

Mientras la estaba viendo la película me hacía pensar en El buscavidas, esa gran película de Robert Roosen, con una gran interpretación de Paul Newman, con su famosa frase "He venido a por el gordo", en la que el juego protagonista es el billar, y que curiosamente el personaje de Brooke Shields hace referencia a dicha película, y también un poco a El golpe, donde el juego principal es el póker. Con la conexión de que en Charles Durning intervino en esta segunda película, y Paul Newman en ambas.

Me parece una película realmente original, sobre máquinas de pinball, que aunque en España no tuvieran mucho éxito, si que creo que es un icono de los años 80, y en cierto modo me recuerda a mi adolescencia y las breves asistencias que hice con mis amigos a salas recreativas que había en el barrio, que con la llegada de las videoconsolas más avanzadas desaparecieron para siempre.

Además la película tiene una carga de Road Movie que siempre me agrada mucho, y que aunque no muestra en esta ocasión paisajes interesantes, si que a mi me genera un aliciente adicional.

Valoración:                               6/10

Vértigo en la pista (1980)

 

Siguiendo con el cine europeo me puse con esta coproducción entre Italia, España y Alemania, aunque es básicamente una película italiana, ya que el director y el actor protagonista son de este país. Podríamos dejar el peso de cada país en la película en 60%-30%-10%.

Aunque eso si, se ambienta en tres grandes premios de Fórmula 1, cada uno en uno de estos países.

El cine italiano a principios de la década de 1960 se caracterizó por películas del género como Peplum,  luego crearon y agotaron el género Spaghetti Western, ya más en los 70 películas de espías, de terror, con tintes góticos en ocasiones, películas bélicas, bastantes películas policíacas y el género Giallo (el equiparable al género Slasher americano).

El actor principal es Fabio Testi, al que hasta hace un tiempo desconocía, y al que recuerdo cuando era niño venir como invitado estrella a algún programa de televisión en España, como el mítico Qué Apostamos, y que tocó casi todos esos géneros o subgéneros que he comentado en el párrafo anterior.

Me guarda un cierto paralelismo con Alain Delon por constitución física y facciones, aunque Delon creo que resultaba más atractivo para las mujeres. Pero creo que por aquella época eran los referentes masculinos de sus respectivos países.

Aunque también por otro lado, a veces le confundo con Franco Nero, un actor italiano coétaneo suyo (ambos nacidos en 1941), y que está casado con Vanessa Redgrave.

En 1980 tiene hasta un total de cinco películas, curiosamente en otra también dirigida por Stelvio Massi, Speed Cross, y también como piloto, en este caso de motocross (que es lo que era realmente en el inicio de esta película también). No sé si es que el director quedó insatisfecha con la otra que es anterior y decidió hacer esta para resarcirse.

Por la parte española el protagonismo lo ponen, Paco Rabal, uno de los actores más internacionales que hemos tenido, y el veterano Manolo Zarzo, todavía vivo con más de 90 años.

Una película con cierto aire de nostalgia, no por el aspecto de la gente allá por 1980 (año en el que yo nací), si no por el aspecto mucho más despoblado, menos contaminado y más amable del mundo en general en aquella época y de los alredededores de Madrid en particulas, por los coches de aquella época, las marcas publicitarias que rodeaban las carreras automovilísticas y la presencia de la Fórmula 1 en el Circuito del Jarama de Madrid, que para los que hemos ido allí (en mi caso a ver carreras de camiones), hace echar la vista al pasado y recordar viejos tiempos.

En ese aspecto también me recuerda un poco a otra película italiana que vino a rodar aquí a Madrid, Y si no nos enfadamos con los grandes Bud Spencer y Terence Hill, y que mostraba una ciudad totalmente diferente a la actual, con mucho menos asfalto, muchos menos coches y viviendas y en general una sensación de menos estrés y mejor salud de la ciudad.

No es una película especialmente interesante, pero si que tiene las cosas que he comentado como atractivas, además de que no es un género muy extenso y es difícil encontrar películas de este estilo.

Valoración:                                 6/10

Veneno (1981)

 

El título y la presencia del siempre inquietante Klaus Kinski, me parecieron una buena mezcla como reclamo para llamar mi atención y ver esta película.

Después se sumó un ya veterano Sterling Hayden, en su última película, un actor de segunda fila que alcanzó quizás su papel más importante en Johnny Guitar, y algún interesante actor inglés, en una película claramente británica, especialmente Oliver Reed con una voz de doblaje magnífica (creo recordar que era la habitual de Arnold Schwarzenegger).

Una película inglesa como digo (aunque donde primero se estrenó sorprendentemente fue en Japón, para a continuación hacerlo en el Reino Unido y luego en los Estados Unidos), pero de la que inicialmente llevaba las riendas el director americano Tobe Hooper, uno de los actores más icónicos y renombrados del cine de terror, especialmente por su saga de La matanza de Texas.

De hecho los primeros carteles para anunciar la película se hicieron antes de que abandonara el rodaje y todavía llevan su nombre.

Resulta curioso que Kinski eligió esta película en vez de un papel en la primera película de Indiana Jones, En busca del arca perdida, por motivos puramente económicos (aunque curiosamente otra película con bastante protagonismo de las serpientes). La repercusión de ambas con el paso de los años no es comparable.

Kinski que es uno de los mejores actores alemanes que ha existido, no sé si el de más renombre, pero si de los mejores. Podíamos destacar también procedente del germano a Curd Jürgens, Horst Bucholz o Anton Diffring.

El nuevo director que reemplazó a Tobe Hooper dijo que había mal ambiente durante el rodaje, especialmente entre Klaus Kinski (que parecía un tipo bastante complicado, al parecer abandonó varias veces el set y sin motivo aparente) y Oliver Reed, lo que le llevó al director a decir hiperbólicamente que la serpiente era el personaje más amable del set de rodaje, y también llegó a decir que el rodaje era un nido de víboras, por las continuas tensiones entre los actores.

Aquí una lista sobre películas de serpientes

Ofidiofobia

El elenco, a parte de ser bastante bueno, reúne a tres actores que interpretaron personaje icónicos en películas de terror

- Oliver Reed en La maldición del hombre lobo (1961)

- Klaus Kinski en Nosferatu, vampiro de la noche (1979)

- Nicol Williamson en El exorcista III (1990)

Así que el cóctel para conseguir al menos una película inquietante o intrigante estaba bastante bien equilibrado.

Pero realmente no se trata de una película de terror o de criaturas, si no más bien un thriller criminal, con grandes interpretaciones y prácticamente una única localización, cosa que no me suele apasionar, pero que resulta meramente anecdótica cuando te encuentras con un guión interesante o unas actuaciaones dignas.

Valoración:                                 7/10

Vientos de tempestad (1985)

 

Igual que hace unos días vi una película de Charlie Sheen, ahora elegí una de su hermano mayor, Emilio Estévez, que decidió conservar las raíces españolas de su abuelo y conservar su nombre verdadero. Concretamente era de origen gallego, pero es un apellido que me resulta familiar porque en el pueblo de mi madre es común.

Tengo (o tenía) a Emilio Estévez por el hermano bueno y sensato de su hermano pequeño y más conocido Charlie, pero en esta película interpreta un papel más propio de su hermano. De hecho, también en esta película tiene un papel menor otro hermano de ambos, Ramón Estévez.

Me ha extrañado ver que lleva casi sin actuar desde 2006 y su filmografía no llega a los cincuenta títulos.

Aunque realmente aquí hace algo más que de actor principal, y es que compró los derechos de la novela sobre la que construyó el guión de esta película, su primer guión. Y él eligió el papel del jóven más rebelde y descarriado, a pesar de la insistencia de su padre, Martin Sheen, que le decía que él no quería hacer realmente ese papel, que eligiera el otro, a lo que Estévez se negó aduciendo que acababa de interpretar un papel parecido al que ofrecía el otro protagonista de la película.

Me ha sorprendido las similitudes que tiene la película con la que vi de su hermano hace unos días, Los chicos de al lado, ambas de 1985, y en especial el paralelismo entre los personajes que ambos interpretan, en un marco idéntico, el final del instituto (en este caso sin ninguna escena en el mismo) y el no caer en la delincuencia o desviarse del comportamiento correcto en ese difícil momento de la vida.

Les diferencia es que en aquella película los dos protagonistas tenían prospecto de delincuentes y no había uno de los dos que intentara reconducir al otro, y aquí en cambio uno interpreta una personalidad más calmada que hace que se produzca una lucha por ver que amigo convence al otro de seguir por una senda más o menos decente.

Emilio Estévez venía de hacer sus mejores películas, como Repo Man, El club de los cinco o St. Elmo, punto de encuentro, y a pesar de ello y contar en el reparto con el aura de Morgan Freeman, ésta es una película totalmente desconocida.

Aunque claro, igual habría que preguntarse cuando empezó a ser una estrella Morgan Freeman, un actor de maduración tardía, o al que nadie le supo sacar todo su provecho antes.

Posiblemente podríamos empezar a hablar de su importancia con Robin Hood: Príncipe de los ladrones (1991) y Sin perdón (1992), para alcanzar su gran repercusión con sus interpretaciones de Cadena Perpetua (1994) y Seven (1995), quedando ya desde ese momento en la cima de los actores de la actualidad.

Pero lo bueno de esa maduración tardía es que se pueden encontrar películas suyas (aunque en algunas con papeles menores, como aquí) poco conocidas, antes de hacerse mundialmente conocido, y yo lo he aprovechado de momento bien con, por ejemplo, Profesores de hoy (1984), El honor a un soldado (1986), Escuela de rebeldes (1989).

Al parecer también se intentó que Tom Cruise interpretara el papel de amigo del personaje de Emilio Estévez, pero imagino que Cruise ya tenía un caché muy alto u otros proyectos que le atrayeran más y el papel fue a recaer en un ya olvidado Craig Sheffer, un actor con cierto aire al gran Patrick Swayze, pero que no consiguió acercarse a su carisma y popularidad.

Valoración:                                     6/10

Caravanas (1978)

 

Como veía que el sueño no me vencía después de comer, me dispuse a ver una película más larga de lo habitual, que casi siempre suelo elegirlas entre noventa y cien minutos, pero después de mucho tiempo me puse con una que superara las dos horas.

Y con otra película de aventuras calurosas, por el desierto, pero esta vez no acudí a África, si no que es una película ambientada en oriente próximo. La novela en la que se basa ubica los hechos en Afganistán, pero la película se rodó íntegramente en territorio de Irán, por ello quizás se inventaron un país ficticio para ubicar la película.

En muchas ocasiones se han realizado grandes producciones o se han juntado grandes actores para una película que luego ha resultado ser un fracaso o que ni siquiera ha tenido una difusión proporcional a la inversión realizada.

Uno se encuentra aquí con Anthony Quinn, Christopher Lee y Joseph Cotten, aunque ya no estuvieran en su época dorada, pero Quinn hizo ese año tres película y Lee es uno de los actores más prolíficos de la historia y seguro que también tiene varias, a los que se unió un reputado por aquel entonces Michael Sarrazin.

Pero cuando Quinn no aparece hasta el minuto 45 y Lee y Cotten apenas han aparecido tampoco, uno se da cuenta de que el protagonista va a ser Sarrazin junto con la actriz Jennifer O'Neill.

Finalmente los papeles de Christopher Lee y Joseph Cotten son tan residuales, que si no fuera porque la película está bien y no se los echa en falta, habría sido un auténtico desaprovechamiento.

Además Anthony Quinn contó con el debut de uno de sus hijos en esta película, Duncan, que precisamente interpreta el papel de hijo del personaje de su padre. El papel de Anthony Quinn tiene similitudes con el que interpreta en Doctor Zhivago.

La película ya estaba planeada por Metro Goldwyn Mayer para empezar a rodarse a finales de los sesenta, con Richard Fleischer al mando y Rod Taylor y Anthony Perkins como candidatos al papel que finalmente hizo Michael Sarrazin, pero finalmente se paralizó el proyecto y cayó en el olvido.

Para los que hubieran leído el libro en que se basa, parece ser que no refleja fielmente el contenido del mismo, eliminando bastantes cosas de la novela y sobre todo detalles importantes. Pero, por eso, a mi no me apasiona ver películas basadas en libros que haya leído.

Justo un año después estalló una revolución en Irán, que hubiera hecho imposible rodar allí. Y es realmente de lo más valioso de esta película, unas localizaciones de rodaje totalmente singulares y no vistas en otras películas, que habitualmente pueden hacer solamente escenas de fotografía y luego realizar el rodaje en estudios o en algún escenario de otro país que no tiene nada que ver, en este caso, con Irán.

Si además le añades un argumento difícil de encontrar en otras películas, un muy interesante elenco de actores y unas voces de doblaje notables, acabas teniendo una interesante película de aventuras, para los que nos gusta el género.

Valoración:                                 7/10

Acoso implacable (1986)

 

El título de esta película me inspiraba más bien acción, ciudad, noche, bandas callejeras, ajustes de cuentas, drogas ... pero cuando al poco de comenzar la película me encuentro un paisaje rural, un canguro, y los coches con el volante en el lado derecho, tenía claro que estaba ante otra de esas películas rurales australianas que tanto me gustan desde que las descubrí. Ahora solo me quedaba avanzar un poco de película para ver que tenía que ver el título con ese comienzo.

Hacía mucho que no me encontraba unos diez minutos iniciales de película que me engancharan tanto. Me recordó salvando las distancias a cuando vi otras dos películas, Caída libre y Jugar duro.

De hecho se ha llegado a comparar ese inicio con la película de Steven Spielberg El diablo sobre ruedas.

No sé que tienen estas películas australianas pero crean en mi un clima con unas características que me atrapan y me deleitan.

Como en Razorback o Cocodrilo hunter, un paisaje árido pero sin llegar a ser desértico, con belleza, una zona totalmente aislada, con muy poca población, y donde el ecosistema prima, animales autóctones, actores poco conocidos pero muy solventes, coches sorprendentes y aventuras, acción y misterio en sus dosis correspondientes.

Y es que el director de la película, Mario Andreacchio (australiano de origen italiano), que debutaba como director de largometrajes con esta película, dice sobre ella que lo que realmente quería hacer con ella es capturar gran parte de su infancia, el entorno en el que creció, muy árido, y realmente amaba la sensación de aridez... y también decía que a veces hay algo siniestro en la aridez. 

Yo aplaudo esa decisión.

El propio director reconocía que quería que la película diera la sensación de cómic, y es verdad que los tres cazadores furtivos se podría decir que están sacados de uno, pero en cambio la protagonista femenina no pegaría en un cómic.

Decía Andreacchio que en un nivel, esta película es una simple historia de cómic sobre el bien y el mal, pero en el otro, es un drama sobre el conflicto humano y la supervivencia en la escala de una gran ópera, un poco exagerado pero refleja bien lo que quería hacer y en lo que se acabó convirtiendo la película.

En la misma línea, uno de los productores decía que no querían una apariencia realista de la película, si no una acción fantástica.

Se ha comparado la película con otras australianas, en concreto con las dos primeras de la saga Mad Max, y también con la que mencionaba yo antes de Razorback.

Ha recibido buenas críticas o comentarios de mucha gente, entre ellos de Quentin Tarantino, que la considera un clásico absoluto.

A pesar de no ser conocida aquí, en algunos sitios (supongo que principalmente Australia), se la considera una película de culto.

Muy recomendable.

Valoración:                                    7/10