La montaña del Dios Caníbal (1978)

 

Siempre he encontrado cierto paralelismo entre las películas de caníbales, las de zombis y las de vampiros.

Todas comparten que suelen ser películas de terror, las de zombis y vampiros comparten además el ambiente nocturno y las de caníbales y zombis, el gore, aunque es cierto que se pueden encontrar más similitudes o puntos en común en películas de estos géneros.

Entiendo que a unos no les gusten ninguna de éstas, a otros les guste sólo las de un género u a otro hasta las de dos.

A mi no me entusiasman las películas de zombis y vampiros, pero las de caníbales me resultan más atractivas, y es que suelen tener un alto porcentaje de aventuras, supervivencia, fotografía, selva y características que me atraen más, incluso aunque tengan cierto toque de documental como pasa con algunas de ellas.

No es un género excesivamente explotado, pero a finales de los setenta, algunos directores italianos rodaron varias películas sobre el género que lo pusieron en el primer plano.

Posiblemente ésta sea la primera gran película sobre el canibalismo, a la que posteriormente siguieron otros éxitos como Holocausto caníbal, Caníbal feroz, Comidos vivos, ¡Viven! (una película de gran éxito sobre un acontecimiento real, del que antes René Cardona había hecho una versión, Supervivientes de Los Andes), El infierno verde (que se considera secuela de Holocausto caníbal), ...

Aquí la lista más amplía que encontrado de películas sobre canibalismo

Canibalismo

Y aquí otra sobre películas de supervivencia

Supervivencia

La película está rodada principalmente en Sri Lanka (o antigua Ceilán, un nombre que me suena muy bien), aunque se ambienta en Nueva Guinea, una de las islas más misteriosas del planeta, del que se ahn oído casos de que puede seguir habiendo canibalismo real, pero si no lo hubiera, parecen que viven en otro planeta, por su nivel de ostracismo, de desconocimiento y de falta de equiparación con el resto de países del mundo. No creo que llegue a los niveles de la famosa isla de Sentinel, pero no debe ser muy recomendable ir a una agencia de viajes y reservar uno a esta isla del Oceano Pacífico.

Una de las cosas que más me gusta de esta película, comparada con otras sobre selvas, bien sea canibalismo, búsqueda de tesoros o simple aventura, es que la travesía es muy completa, el director le dedica mucho tiempo a mostrar a los protagonistas siempre en diferentes ubicaciones, avanzando en su viaje hacia su objetivo.

Y además las localizaciones elegidas son francamente interesantes, especialmente las zonas con cascadas o saltos de agua y la montaña que se utiliza para dar nombre a la película.

En el reparto vi que estaba Stacy Keach, un tipo con aspecto de boxeador, que siempre ha parecido mayor, y que nunca habría dicho que encajaría en este papel, aunque con un look diferente a otras películas que le he visto, queda perfecto para el papel. Comienza pareciendo el protagonismo, luego pierde un poco de protagonismo y sobre la hora de película desaparece.

Porque evidentemente el estrellato de la película lo iba a tener Ursula Andress. Aunque es cierto que estas películas rara vez suelen contar con actores famosos, o incluso una estrella como era la actriz suiza en ese momento. Y es que desde su aparición con Sean Connery en 007 contra el Dr. No, se convirtió en un gran icono femenino del cine.

Además con la llegada del destape, y a pesar de estar ya más en los cuarenta años, no parecía tener ningún problema en destaparse y mostrar su bonito cuerpo, para beneficio del director y de la película.

La película divide bastante a la opinión, pero creo que una de las cosas por las que sus detractores la desprecian o critican es por ser italiana y no americana.

A mi evidentemente hay cosas que no me gustan, como la violencia real con los animales, que provocó que la película estuviera vetada en Reino Unido hasta 2001, y la parte final de la película no es muy edificante ni lo mejor de la misma, pero evidentemente es lo que da título a la misma y lo que justifica el argumento y el desarrollo de la misma.

Valoración:                                    7/10

Carrera hacia la gloria (1983)

 

Viendo el título, y no sabiendo nada del argumento, no sabía si me iba a encontrar una carrera atlética, de motos, de coches, de caballos ... una carrera por llegar a la luna, o vete a saber que otra aventura que pudiera implicar la palabra carrera.

Y realmente se trataba de una carrera por ser la primera expedición en alcanzar el polo norte.

Es muy conocida la rivalidad entre Amundsen y Scott por llegar al polo sur, de hecho son nombres que nos resultarán familiares a la mayoría que tengamos un poco de cultura, y me suena que alguno de los dos, tienen su protagonismo en alguna película.

En cambio esta otra rivalidad me resultaba desconocida, tratándose de personas reales y un acontecimiento histórico.

Quizás el problema es que ambos personajes generaron polémicas y suspicacias y ninguno de los dos pudo demostrar con evidencias claras que había conseguido llegar al polo, con lo cual su historia tenía lagunas y además cada uno tenía su propia versión de lo acontecido y es difícil validar una de las dos expediciones como exitosas.

Estas películas basadas en personajes o acontecimientos históricos poco conocidos me suelen gustar, porque a parte de cine es un trozo de historia. Cuando ves una película sobre un acontecimiento o personajes histórico muy famoso te suele resultar más familiar, y puede que intuyas o sepas lo que va a pasar en la misma, al igual que cuando primero lees un libro y luego una adaptación cinematográfica del mismo, ya sabes lo que va a suceder.

De estas películas que digo, me agradó bastante en su día, Siete ciudades de oro, que narraba un pasaje de la vida de Fray Junípero Serra, que desconocía totalmente, y que con Anthony Quinn, Jeffrey Hunter y Michael Rennie en el papel del fraile me resultó interesante.

La película comienza con una localización y una actividad que me recuerda muchísimo a los primeros episodios de me querida serie de dibujos La vuelta al mundo de Willy Fog. En un barrio con aspecto de principios del siglo XX, un coche de caballos y una visita al Club de Exploradores, como si del Reform Club de la serie de dibujos se tratara.

Lo malo de esta película es que es una TV Movie, y a pesar de contar con dos actores notables, como Rod Steiger y Richard Chamberlain, resulta una aventura un poco descafeinada, o realmente es más un duelo interpretativo de calidad.

No se aprovecha nada la fotografía (se rodó en Montreal y Quebec), y tampoco se hace un uso interesante de los esquimales ni de los trineos tirados por huskies.

Como no conozco la historia no es un detalle que me importe, pero se acusa a la película de ser muy partidaria de una de las dos partes y posicionarse claramente del lado de la historia del Dr. Cook, quizás porque quien escribió el guión sintió más afinidad por él, o porque se quisiera restablecer un poco su honor, ya que después de esa pelea por alcanzar el polo, quedó claramente como el perdedor y su vida derivó en miseria y problemas, acabando en la cárcel.

Pero la interpretación es bastante buena, con un final apretado si lo extrapoláramos a un partido de fútbol, pero creo que con victoria por la mínima de Rod Steiger.

Valoración:                                6/10

Atrapados por la violencia (1993)

Forest Whitaker es un notable actor de raza negra, de los más destacados e influyentes de finales del siglo XX y el siglo XXI, al que de pequeño siempre confundía con Lawrence Fishburne, o más que confundir no sabía con que rostro correspondía cada nombre.

Ésta es una de sus escasas apariciones como director, y además en una película para televisión. Extraña, porque por esta época de principios de los noventa, se rumoreaba que tenía un grandísimo talento también para la dirección.

Como actor tiene una trayectoria mucho más larga y reconocida, con papeles importantes en películas prestigiosas.

Para el papel de actor blanco protagonista, se eligió a Michael Biehn. Un actor bastante poco considerado y reconocido, a pesar de completar el trío de protagonistas de una película tan excepcionalmente importante como Terminator, pero claro, primero Schwarzenegger y luego Linda Hamilton le comieron el protagonismo. Pero resulta extraño que su carrera no despegase después de su papel en esta película y perdiera protagonismo rápidamente.

La verdad es que a finales de los ochenta había bastante competencia en este tipo de películas sobre barrios conflictivos o ghettos de personas de raza negra, con el trasfondo siempre similar de abandono escolar, delincuencia, crack y armas, con lo cual era difícil diferenciarse de otros largometrajes, pero a la vez era fácil aprovechar el tirón del género, en este y en otros casos con la colaboración y difusión del rap o el hip hop. De hecho en algunas de estas películas había músicos a veces como actores protagonistas, que me vengan así a la cabeza sobre todo, Tupac Shakur y Ice-T (aquí tiene un pequeño papel Busta Rhymes).

Lo que desconocemos los que nunca hemos frecuentado un lugar así, es si las películas muestran este estereotipo de barrio y de conflictividad porque es la realidad o es la ficción la que ha hecho que tengamos esa imagen que no hace honor a la realidad.

Lo que si que es una realidad, es que los actores de raza negra le dan mucho realismo a la película, creo que interpretan francamente bien en esta película y en general en determinados tipos de película.

Resultaría extraño que alguien como Forest Whitaker fuera tan irresponsable como para proyectar esta imagen de delincuencia, peligro y temeridad de sus "hermanos" si no fuera verdad, porque siempre son una piña a la hora de reivindicar sus derechos y su falta de oportunidades, y la culpa habitualmente siempre es del sistema.

Al final se hace un alegato contra las armas, como si la mera existencia de las mismas obligara a alguien a portarlas. Yo no tengo un arma encima, ni he tocado una en mi vida (salvo que valgan las de juguete o las pistolas de agua), y nadie está obligado a llevarla encima, salvo los cuerpos y fuerzas de seguridad del estado. O como si estuvieran obligados a traficar con ellas. Los alegatos están bien, pero la realidad suele ser otra. Si la película muestra la realidad, las armas por si solas no son malas, los malos son los que las portan, y las portan para intimidar, para traficar con ellas y ganar dinero, para robar a punta de pistola, para imponer la ley en el barrio ... luego el problema real son las personas.

Dejo un par de listas con películas relacionadas

Películas sobre ghettos

Best black crime dramas

Valoración:                                   6/10

Racquet (1979)

 

Aprovechando la disputa del torneo de tenis más glamouroso del mundo, en mi opinión, como es Wimbledon, me pareció interesante ver esta película.

Y es que no me sonaba haber visto una película sobre este deporte. Habitualmente las películas que abordan las temáticas deportivas suelen ser principalmente alrededor del beisbol o el fútbol americano, aunque también hay algunas sobre fútbol, atletismo o baloncesto.

Si que parece ser que hay otra película por lo menos sobre tenis y que curiosamente fueron contemporáneas. 

Esta comedia de clubes de tenis se estrenó el mismo año que el drama romántico de tenis Pasiones en juego (1979). Ambas películas en realidad tuvieron su debut en el mismo mes, en junio de 1979.

Esta película se proyectó por primera vez en Phoenix, Arizona, EE. UU., donde se enfrentó a otra película deportiva debutante, Campeón (1979). Según se informó, superó a esa película en la taquilla durante su primer pase.

El guión fue reescrito varias veces, y no sé como eran los otros guiones, pero creo que se qudaron con uno bastante pobre.

Intentó venderse a nivel publicitario como "La primera película importante sobre el mundo del tenis", pero finalmente fue un fracaso de taquilla, se estrenó en realidad poco más de un año antes que la comedia de clubes de golf, El club de los chalados (1980), que si que fue exitosa.

Parece que la película tiene una inspiración clara en la comedia Shampoo (1975) , con el protagonista esforzándose por abrir su propia cancha de tenis en lugar de una peluquería. El personaje excéntrico y ninfómano de Edie Adams se diseñó claramente a partir del papel de Lee Grant en la película anterior.

El personaje principal es lo mejor de la película, totalmente setentero, con buena presencia, buena interpretación y buena voz de doblaje, válido para esta película o para Fiebre del Sábado Noche, pero todos los demás personajes son poco interesantes o en vez de sumar algo a la película, la empobrecen, incluído el intrascendente papel de Tanya Roberts.

Además el tenis al final tiene poco peso en la película, se intenta que dos figuras de la época como Bjon Borg e Ilia Nastase aportaran atractivo, pero las escenas de juego propiamente dichas son planos cortos casi todos sin ver intercambios de puntos, lo cual finalmente no ayuda a mejorar el producto.

Llevaba varios intentos de ver una película veraniega desde el comienzo de la estación, y aunque esta no la elegí por ese motivo, si que se puede considerar una película idónea para esta temporada del año.

Aunque la película me recuerda en aspectos a El Salvavidas, que vi el verano pasado, y que tanto me gustó, realmente podía haber sido una película interesante y se queda en una película floja, rídicula o decepcionante.

Tras un comienzo prometedor de unos quince minutos, enseguida aparecen diez minutos ridículos y absurdos y así seguirá siendo el resto de la película, mezclando algún pasaje interesante, con otros inexplicables e innecesarios que finalmente hacen que la película sea una decepción, en mi opinión.

Un trabajo flojo de David Winters, pero del que sigo conservando una buena opinión gracias a la película Patinar o Morir.

Valoración:                                 4/10

Soñé con África (2000)

 

El 4 de julio siempre me parece un día muy cinematográfico. Además del día de la independencia de los Estados Unidos,es un día que me hace recordar a la película Nacido el 4 de julio (interpretada por Tom Cruise, que curiosamente nació un 3 de julio), y por tanto me suele gustar ver una película de alguien relacionado con esta fecha.

Y este año mirando la lista de personas nacidas en ese día, sin duda me decanté por la persona más longeva nacida en ese día, relacionada con el mundo del cine, Eva Marie Saint. Y es que cumplía 99 años, y me parecía un buen momento para hacerla un pequeño homenaje en vida.

Una actriz que de pequeño pensaba que era francesa por su nombre y apellido, y que siempre me gustó desde que la vi hace muchos años en Con la muerte en los talones, una de las mejores películas en mi opinión. No he visto mucho más de ella, además de Éxodo o La noche de los Gigantes, pero tampoco tiene una filmografía en la gran pantalla excesivamente grande. De hecho a partir de los setenta fue más habitual verla en series o en películas para televisión.

En su primer papel (1954) consiguió directamente el premio Oscar, a la mejor actriz de reparto, en La ley del silencio, de Elia Kazan. El director la definió como "simplemente perfecta", y decía que todos la querían, especialmente él. Se decía que era la actriz más amable de todo Hollywood en aquella época.

Su primer hijo nació tan solo dos días después de que le entregaran el Oscar.

Es una de las seis actrices que estaba embarazada al momento de ganar el Premio de la Academia; las otras son Patricia Neal , Meryl Streep , Catherine Zeta-Jones , Rachel Weisz y Natalie Portman . Patricia Neal es la única que no acudió a recoger su premio en persona como resultado de estar embarazada. Saint estaba embarazada de nueve meses de su hijo Darrell en el momento de ganar el Oscar.

Evidentemente es la mujer viva de más edad de entre los que han sido galardonados con un Oscar por interpretación, mérito que heredó el día que murió Olivia de Havilland.

De entre lo que podía ver, aunque es cierto que tenía varias películas, de repente vi entre su filmografía ésta y no lo dudé.

Y no es porque el gancho de una Kim Basinger, todavía con apariencia jóven y bella, que yo creo que marcó la juventud de muchos chicos, fuera irrechazable, si no porque tengo debilidad por África, y porque recuerdo esta película de la época en que empezaba ir al cine, a Kinépolis, y haber visto el cártel anunciativo en estaciones de metro, y me quedé con ganas de verla en aquel momento, y luego con el paso del tiempo y mi tendencia a no ver películas más allá de mitad de los noventa, se me había olvidado.

Pero realmente viendo las estadísticas de IMDb, no parece que la película tuviera mucha difusión o mucho éxito.

La película empieza en Venecia y se traslada pronto a Kenia, dos paraísos sobre la tierra, muy diferentes, pero cada uno con mucho encanto.

Aquí una lista de películas sobre Kenia

Películas sobre Kenya

Habitualmente las películas de África me gustan esencialmente porque son de aventuras, y porque muestran una fotografía espectacular, que te transporta hasta allí, que me llena de paz, y que me hace pensar en que un mundo mejor es posible, y que todavía quedan sitios de naturaleza a los que no ha llegado la voracidad de devastación y construcción del ser humano.

Pero ésta realmente tiene bastante más carga de drama que de aventuras, quizás podríamos poner la balanza en un 60%-40%, y aunque las tomas fotográficas no son tan espectaculares como en otras películas, están bien, sobre todo a nivel de una fauna muy variada, y de flora con ese árbol que tanto me seduce como es la acacia.

Dirigida por Hugh Hudson, fallecido este año 2023, destacado por Carros de Fuego y Greystoke, y que por su fallecimiento vi también Nuevos Rebeldes.

Si que es cierto que es correcta en casi todos sus aspectos, incluso cuenta en la composición con el gran Maurice Jarre, nacido el mismo año que Eva Marie Saint, en la que fue su última película, pero el guión quizás se quedé un poco pobre, y realmente no se acabe de explotar del todo bien un conjunto de elementos que hacían sospechar de una gran película (incluída también la presencia de un Daniel Craig, que a mi me pasó inadvertida), y más en una época en que las películas sobre África empezaban a escasear.

Desde un pista de vista del espectador y jugando con el título podríamos decir que "Soñé con algo diferente" o "Soñé con algo mejor", pero se puede ver perfectamente.

Valoración:                                     6/10

Más allá del arco iris (1989)

 

No sabía de que podía ir esta película, pero el título y la presencia del veterano Jason Robards, así como de una jóven Rosanna Arquette, me atraparon y me puse a verle.

Una película dirigida por el director británico Mike Hodges, fallecido hace poquito (17-12-2022), cuyo principal éxito fue quizás Flash Gordon, y que por apariencia ésta debería haber sido su otra gran película, pero no lo fue.

A pesar de las críticas decentes, la película cayó rápidamente en el olvido debido a problemas de distribución tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos. El distribuidor de la película en el Reino Unido, Palace Pictures, estaba en bancarrota en ese momento, por lo que necesitaban una afluencia rápida de efectivo y decidieron retirar la película de los cines casi inmediatamente después de su pequeño estreno y venderla a un distribuidor de videos. 

En los EE. UU., donde Miramax manejó su distribución, las cosas terminaron siendo aún peores para la película. Dado que Miramax también tenía problemas financieros, ni siquiera se molestaron en enviarlo a los cines, sino que optaron por lanzarlo directamente por cable. Sin embargo, obtuvo un estreno en cines en Japón, donde le fue bien. El director Mike Hodges cree que la película encontró una audiencia allí porque a la audiencia japonesa generalmente le gustan las historias de fantasmas.

A lo largo de los años, la película tuvo muchas proyecciones especiales y compitió en varios festivales internacionales de cine. En España, la película ganó el premio al Mejor Guión en el 22º Festival de Cine Fantástico de Sitges, así como los premios a Mejor Película y Mejor Actriz en el Festival Internacional de Cine de Oporto, Portugal.

El escritor y director Mike Hodges no pudo encontrar una actriz dispuesta a interpretar el papel principal hasta que Martin Scorsese convenció a Rosanna Arquette para que lo hiciera.

Hodges, menciona cómo le encantaba trabajar con Jason Robards. También habla de las diferencias entre el enfoque actoral natural de la vieja escuela de Robards, donde el actor simplemente se convierte en el personaje, y en contraprestación, el método más moderno de interpretación de Arquette, donde el actor primero se mete en la mentalidad del personaje.

Rosanna Arquette, hermana mayor de Patricia, y que durante mucho tiempo era mucho más conocida y con mejores papeles y valoración, cosa que con los años se fue dando la vuelta, contrató a una psíquica de la vida real llamada Laura Day y se preparó para el papel junto con Day y su propia profesora de interpretación, Susan Batson. 

Sin embargo, su interpretación de la forma en que el personaje, Martha, debería actuar durante sus sesiones fue vetada por el director Mike Hodges. Quería que la toma de Martha fuera una actuación moderada, y no llena de energía y emoción como la de un medium de un programa de televisión. Después de un serio enfrentamiento por esto, aunque molesta, Arquette finalmente desistió y accedió a interpretar la escena de la manera que el director quería. Más tarde estuvo de acuerdo en que, en lo que respecta a estas escenas de sesiones espirituales, el enfoque más frío de él dio mejores resultados que el enfoque más intenso de ella.

Igual que me pasó recientemente con Cornel Wilde, en El Tesoro de los Tiburones, Mike Hodges también muestra un sentimiento de preocupación por la deriva del mundo en el planeta. Sorprendentemente en ambas películas, que he visto en tan breve espacio de tiempo, se menciona la población mundial del planeta, y se hace desde un punto de vista preocupante, cuando todavía no era la mitad de la que es hoy en día, y en ese aspecto me siento muy identificado, y me ha gustado el detalle de ambos. 

Una película espiritual, pero para nada compleja ni difícil de seguir. Aunque entiendo que a la gente le puedan parecer un rollo, pero son temas poco usados en el cine, y con buenos actores y buenas interpretaciones. Así de lo que haya visto desde que escribo, sólo le encuentro alguna conexión con El Despertar de Sharon.

Película que parecería más típica de finales de los setenta, pero que demuestra que en los ochenta se hicieron más cosas que comedias de consumo rápido.

(Una de las varias películas cuyo título comienza por Más allá de ... y que hace la tercera que veo tras Más allá de la ambición y Más allá de Mombasa)

Valoración:                             6/10

El tesoro de los tiburones (1975)

 

Cornel David fue, en mi opinión, un actor muy interesante. Bastante atípico, no solo por su lugar de nacimiento, Hungría, de donde así a simple vista quizás solo podríamos citar a él y a Zsa Zsa Gabor como actores conocidos oriundos de ese país. Directores hay más, pero quizás habría que recurrir a internet para saber que Michael Curtiz, André de Toth o George Pal eran nacidos en el país magiar.

Nacido prácticamente en la mitad (1912) de la época de nacimiento de las estrellas del Hollywood clásico, que podíamos establecer de manera redonda entre 1900-1920 (aunque se nos escapen por mínimos años Humprey Bogart por lo bajo y Charlton Heston por lo alto), creo que tan solo estaba un mínimo escalón por debajo de estas grandes estrellas.

Lo que más curioso me parece de él, es que a pesar de su época de nacimiento y su figura atlética, no he encontrado en su filmografía ningún solo western, siendo la más parecido quizás Al borde de la eternidad.

Pero básicamente sus papeles se repartieron entre el cine negro, donde ya hizo de secundario por ejemplo en un gran clásico, como El último refugio, las películas de aventuras, quizás donde demostraba su mayor talento, y donde aparece una de mis favoritas, como es Más allá de Mombasa, y las películas de Capa y Espada o de Espadachines, como se prefieran llamar, donde no tenía el caché de Errol Flynn, Stewart Granger o Tyronne Power, pero si era otro de los grandes destacados de este subgénero, cómo en El hijo de Robin de los bosques. De hecho fue elegido para el equipo olímpico de esgrima para los juegos de 1936 en Berlín.

Se graduó de la escuela secundaria Townsend Harris para estudiantes superdotados en Nueva York a la edad de 14 años. Townsend Harris estaba afiliado a CCNY, la universidad a la que ingresó después de graduarse. Y en esta universidad se sacó un curso de pre-medicina de cuatro años, en tan sólo tres.

Otro detalle de sus capacidades es que hablaba seis idiomas, húngaro, francés, alemán, inglés, italiano y ruso.

Dijo que el mayor error de su carrera y del que se arrepintión mucho fue, que se volvió demasiado arrogante y rechazó un papel selecto que le ofreció el viejo Cecil B. DeMille en Los diez mandamientos (1956). Dijo que el papel era demasiado pequeño y poco remunerado. DeMille nunca volvió a hablarle. Luego sintió que habría sido un éxito de taquilla que habría reforzado e impulsado su carrera.

Además de actor, también dirigía (aunque sólo fueran 9 películas en total), faceta de la que pocos de los actores de esa época clásica de Hollywood pueden presumir. Ésta fue la última película que dirigió, en la que además es productor, guionista, actor protagonista y escritor de la canción principal, algo que supongo será muy díficil de encontrar en general en otras películas.

Quizás la escasa repercusión de esta película le llevó a dejar la dirección, porque ni era muy mayor, 63 años, y además estaba en plena forma para esa edad.

Cornel Wilde dice que se le ocurrió la idea de la película en 1969, pero que no pudo conseguir la financiación hasta que Tiburón (1975) se convirtió en un éxito. "Preferiría haber tenido el campo para nosotros solos, sin Tiburón", dijo.

El caso es que esta película se estrenó 9 semanas antes de Tiburón, no sé si en esa fecha ya se preveía el éxito de la película de Spielberg o algo no cuadraba en su razonamiento.

Lo que queda claro es que la película no debió tener ningún éxito, aquí para mi era totalmente desconcida.

Y es algo que a veces me preguntó, ¿qué hace que una película tengo éxito o no, o porque una película aparentemente interesante pasa totalmente desapercibida?

Porque podemos decir que esta película tenía tres factores que cuando uno empieza a verla le hacen pensar que es una película, cuanto menos conocida, aunque no sea destacada.

- Se publicó al rebufo de la exitosa Tiburón, y en principio sólo por compartir temática debería tener aceptación en aquella época.

- Cornel Wilde era un actor importante (o lo había sido), y además consiguió reclutar a otro interesante actor como Yaphet Kotto (Brubaker o Alien), y otro par de secundarios decentes como Cliff Osmond y Carmen Argenziano.

- El primer diálogo y otra voz posterior, son de los mejores actores de doblaje de aquella época, con lo cual, o doblaban siempre los mismos cualquier tipo de película, que lo dudo, o se esperaba que fuera interesante y realzarla.

Para mi ha sido una interesante película de aventuras marítimas, con barcos, tesoros, acción ...

Y además hubo un momento que me resultó curioso como me vino a la mente, como encajaban los 4 protagonistas con los personajes de El equipo A. Cornel Wilde como Aníbal, Yaphet Kotto, como M.A. Barracus, el muchacho rubio como Fénix, y el amigo de Yaphet Kotto, extraño y con tartamudez, claramente como Murdock. 

La parte quizás más débil de la película, las escenas submarinas, aunque no excesivas, y la falta de utilización de una mejor fotografía en las localizaciones en el Caribe.

Valoración:                                     6/10

Sábado alucinante (1979)

 

No recuerdo ya cuando fue mi último "sábado alucinante" a nivel de fiesta, de salir a una discoteca con la pandilla de amigos y bailar y pasárnoslo bien hasta el amanecer.

Evidentemente ya no se tiene edad para eso, pero lo recuerdo con nostalgia, y creo que en mi caso se terminó muy pronto esa época, en cierto modo por decisión propia también.

O por lo menos una película así, te hace tener un poco de nostalgia de aquella época. Aunque evidentemente el escenario de la película, y los años setenta, no son comparables a cuando yo y mis amigos salíamos a finales de los noventa en una gran ciudad como Madrid, tremendamente masificada en el ambiente nocturno.

El caso es que era sábado por la noche, comienzo de verano, y no se me ocurría mejor momento, ni una película más apropiada que ésta para ese momento estival.

Si hay una película por antonomasia que haga referencia al sábado, y es de éste mismo estilo es Fiebre del sábado noche, y otra también relacionada con salir a una discoteca y el viernes como es Por fin es viernes, dos películas de culto, relacionadas con el ambiente nocturno de los años setenta y la música disco que tanto impacto tuvo en todo el mundo.

Pero a pesar del gran impacto que tuvo, es difícil encontrar películas que giren en torno a este fenómeno mundial, a pesar de que no parecen tan complicadas de hacer.

Y ésta es una mezcla de ámbas, ya que había leído que estaba inspirada claramente en Por fin es viernes, pero que luego después de verla, también tiene parecido con Fiebre del sábado noche, y además intenta competir por el protagonismo del sábado.

Película brasileña íntegramente, cosa que no sé había hecho alguna vez, con una discoteca de Río de Janeiro inspirada en las discotecas neoyorquinas.

Quizás el principal talón de aquiles sean las interpretaciones de los actores, todos ellos desconocidos para mi, que sobre todo a la hora de comparar con las otras dos películas de referencia o inspiradoras, le hacen quedar en imitación de baja categoría.

Quizás con un personaje a lo Travolta o a lo Goldblum la película podría haber sido más interesante.

Y evidentemente al ser una película brasileña, el nivel musical de la misma, no es el mismo sobre todo que en Fiebre del sábado noche, con la inigualable Banda Sonora de los Bee Gees. La música que suena aquí no es reconocible, más que para los brasileños, imagino.

Pero en contrapunto, me parece que están muy bien ligadas las historias de los distintos personajes, incluyendo a un señor mayor que le da un toque cómico, extraño, extravagante y diferente. 

El desarrollo, empezando con un buen rato en la discoteca, para seguir analizando fuera de ella las vidas de los protagonistas y acabar confluyendo todos ellos de nuevo en la pista de baile me parece interesante, aunque quizás, le faltaron más escenas o más minutos de rodaje en la disco.

Valoración:                                 5/10

Dulces mentiras (1987)

 

Este mes fallecía el actor, Treat Williams, noticia que me provocó tristeza. Y eso que era una actor totalmente desconocido para mi hasta hace 3 o 4 años que vi o me percaté por primera vez de él en un papel protagonista, en Seducida, junto a Laura Dern (pero ya ni me acordaba que era él el protagonista), luego le vi en Un millón de dólares en el aire, y tan sólo hace semanas le volví a ver en Flashpoint, donde me dejó todavía mucha mejor impresión, haciendo sombra en esta película, o compartiendo protagonismo con alguien más importante como Kris Kristofferson.

Empezó en musicales a mediados de los setenta, no excesivamente joven, y quizás su primer papel importante, que le valió alguna nominación a premios, fue en el musical Hair de Milos Forman.

A partir de ahí, sin dejar de ser nunca un actor secundario, fue completando papeles y películas de mayor o menor importancia, sin olvidarse de seguir trabajando en teatro o alternando también con trabajos en series de televisión.

Entre las películas que ha participado con un papel mínimamente importante podríamos destacar

- El príncipe de la ciudad

- Érase una vez en América

- Cosas que hacer en Denver cuando estás muerto

- Mulholland Falls

Quizás no le conocía mucho porque tuvo más protagonismo en los noventa que en los ochenta, y aunque últimamente voy viendo más cosas de la última década del siglo XX, es mucho mayor la proporción de películas de los ochenta.

Era piloto e instructor de vuelo profesional, pero no me consta que haya trabajado en ninguna película de aviones, o no una importante. Quizás habría sido justo darle un papel en Top Gun, aunque es una década mayor que Cruise y Kilmer y quizás no encajaba en el enfoque juvenil de la misma.

Fallecido en un accidente de tráfico en el poco conocido estado de Vermont (fronterizo con Canadá a la altura de Montreal), me habría gustado ver una película suya como homenaje precisamente ambientada en este estado, Cuando los ríos fluyen al norte (un título muy bucólico), pero sólo disponía de una versión original y sentía que no me iba a enterar bien. Ojalá algún día la consiga en castellano.

Así que revisando lo que tenía de él, me quedé con ésta. No parecía tener buenas referencias, ni un guión apasionante, pero estaba el aliciente de París, y verle en un papel diferente al que le había visto hasta ahora, en películas de acción, o de tipo duro.

A pesar de no contar con casi material fotográfico de París, un atractivo para mi que me esperaba encontrar y me encontré, son esos coches vintage de los años ochenta, como el Renault 11, el Peugeot 205, o un rara avis como el Renault Fuego.

Junto a él en el reparto, me sonaba Joanna Pacula, actriz polaca de la que tampoco he visto mucho, y que siempre me viene a la cabeza que incluso cuando sonríe parece que está seria, quizás por la forma de sus cejas. Y junto a ellos una chica que me resultaba familiar (además de muy guapa), pero que no lograba asociar con ninguna otra película, Julianne Phillips, que indagando un poco en su perfil me sorprendió que había estado casada con Bruce Springsteen. Tendré que consultar con mi contertulio de cabecera en cine y música, Alfredo, bastante admirador de The Boss, a ver si conocía este detalle.

Otra sorpresa me la llevé con el director, en este caso directora, Nathalie Delon, ya fallecida, que estuvo casada con Alain Delon, en la que es prácticamente su único largometraje.

En lo meramente referente al desarrollo de la película, una comedia de enredo, más entretenida de lo que me esperaba, aunque con un final creo que mal rematado, pero que se puede ver y pasar un buen rato.

Valoración:                                  5/10

La iguana (1988)

 

Esperaba bastante de esta película, aunque bien es cierto que cuando una película es poco conocida y resulta tan difícil de conseguir, suele ser por algún motivo, y finalmente se cumplió lo más lógico y la película me decepcionó.

Una co-producción entre España, Italia y Estados Unidos, basada en una novela de un importante escritor español como es Alberto Vázquez Figueroa. Rodada en la isla de Lanzarote, aunque este detalle no lo sabía de antemano, se puede adivinar fácilmente, y con un actor interesante como Michael Madsen, aunque resultó ser muy secundario, parecía indicar, que La Iguana, además el título sonaba bien, podría ser un tesoro por descubrir.

Además también me resultó familiar la media cara visible del protagonista, que resultó ser el enemigo de Clint Eastwood en El Sargento de Hierro, lo cual era otro aliciente adicional. 

La parte italiana corría a cargo del productor, y un actor italiano destacado, como Fabio Testi, con el que además ya había trabajado el director Monte Hellman.

Pero la película se me desinfló enseguida. El principal error o decepción me resultó la falta de localizaciones o explotación de la isla de Lanzarote, para enriquecer la película, aunque sólo fuera con tomas de fotografía, sin personajes rodando en sitios diferentes. Ya que toda la trama se reduce a una cueva, que podría estar situada en cualquier sitio, y una playa con un pequeño acantilado que carece de toda belleza. Un gran desacierto.

Y luego aunque la trama está bien, y el personaje protagonista está bien caracterizado, el ritmo se me hace muy lento, no pasa nada excepcional, y como me ha sucedido en más películas recientemente, hay muchas escenas de la película que vuelven a carecer de total veracidad, cosa que es de lo más decepcionante, y más cuando no estamos ante una película Fantástica o de Ciencia Ficción.

Podríamos decier que el alma de la película es El Fantasma de la Ópera (o La Bella y la Bestia). Se siente como un regreso espiritual del director a los orígenes de su cine con Roger Corman, de hecho, esta película podría recibir el título de su primera película, Beast from Haunted Cave.

Además para complicar o enrarecer más la película, toda ella está llena de elipses, incluyendo el final, que queda como interpretable.

La película tiene una buena premisa, pero la ejecución para mi no está a la altura y desluce el resultado final de la misma.

Valoración:                                    5/10

El imperio perdido (1984)

 

Esta es la primera película dirigida por Jim Wynorski, un guionista, productor y director bastante prolífico, aunque sin títulos excesivamente importantes. Desde joven tenía claro que quería trabajar en el mundo del cine, y aunque empezó con puestos poco importantes y algunos despidos, que quizás hacían pensar que no tendría futuro, durante un vuelo alguien le puso en contacto con el prestigioso productor Roger Corman y ahí relanzó su carrera.

De hecho llegó a fundar una productora, Sunset Films, junto con el actor Andrew Stevens durante la década de los 90.

Sus películas suelen ser variadas. Aunque quizás predominen películas de Serie B, que podríamos encasillar principalmente como Exploitation, pero también predominan las películas de acción, terror, fantásticas o de criaturas como ésta, o incluso hasta thrillers eróticos, donde también acabó figurando Andrew Stevens, demasiado joven, en una carrera prometedora que decayó muy rápido.

Desde pequeño he sido muy aficionado a las películas fantásticas, sobre todo aquellas relacionadas con criaturas mitológicas o inexplicables, como cíclopes, dragones, gigantes ..., marcándome mucho las películas de Simbad, de los 60 y los 70, u otras como Jasón y los Argonautas, Ulises o Furia de titanes.

Y como películas de esas características escasean, cuando me topo con una me hace ilusión. Aunque evidentemente iguales a esas que he comentado es difícil y con esta tenía dudas de que tipo del género fantástico me encontraría.

Y bueno, es una película que me deja sentimientos contradictorios. Por un lado tiene una dosis del género fantástico, no excesiva, sobre todo en el escenario principal de la película, así como algunos personajes y vestimentas y maquillaje.

Por otro lado, me pasa como en la anterior película, deja una sensación de tan poco creíble lo que vas viendo durante la película que te deja ese sabor agridulce. Además, aunque los dialógos no son terribles, los podemos dejar en flojos, las escenas de acción son tremendamente decepcionantes, y además el desenlace es bastante breve y cutre, y por momentos parece como si la película estuviera parodiando a otra anterior (da un aire a Los Ángeles de Charlie).

De hecho todavía es más hiriente que el personaje que hace de malo se llama Lee Chuck, y se puso en homenaje a Bruce Lee y Chuck Norris, cosa que es bastante incoherente con las escenas de acción finales de la película.

Trabajaron mejor la belleza de las actrices protagonistas, todas ellas muy atractivas y con un buen número de desnudos, entre ellos el de Raven de la Croix, que además diseño su vestuario para la película. 

Al parecer no quería hacer mucha desnudez, aunque ya había estado completamente desnuda en otras películas antes de esta y trabajó como stripper. A pesar de estas reticencias después de completar esta película, comenzó a aparecer en películas para adultos.

Pero los comienzos nunca son fáciles y las películas de Serie B me imagino que menos, como lo demuestran algunos detalles del rodaje.

Hay una escena en la que unos policías van a comunicarle algo a la protagonista y lo hacen sin decir ni una sola palabra, y resulta que fue porque Jim Wynorski no podía pagarles dinero extra para decir ningún diálogo.

O una escena en el hospital tuvo que hacerse en una sola toma porque el hospital tenía una situación de crisis de emergencia, lo que significaba que los cineastas tenían que desalojar el lugar lo más rápido posible.

Película que te hace pasar un rato entretenido si eres amante del cine de los 80 en general, y de las películas de Ciencia Ficción y Acción, aderezado con chicas guapas, pero que no pasará a la historia.

La podemos catalogar como una película de viernes noche.

Valoración:                                     5/10

Masacre en el hotel de la montaña (1983)

El cine slasher, es un subgénero del cine de terror. El término mismo, slasher, es un anglicismo derivado de la palabra «slash» («cuchillada» o «corte» en inglés). La característica habitual de este subgénero es la presencia de un psicópata que asesina brutalmente.

Las películas slasher no son fáciles de definir. Sin embargo, poseen ciertas características comunes. El elemento principal es el asesino, que es guiado por el deseo de venganza hacia quienes le provocaron una tragedia o humillación. 

- Estos generalmente son personas comunes y corrientes. 

- Los villanos de estas películas realizan sus asesinatos de manera rápida, no buscan torturar a sus víctimas.​ 

- Las muertes son provocadas por varios tipos de armas, destacando elementos corto-punzantes como cuchillos, machetes, sierras eléctricas o hachas.​ 

- El asesino es, la mayoría de las veces, anónimo, debido a lo cual lleva su rostro cubierto o sufre algún tipo de desfiguración.​ 

- Otra de las características son las víctimas, generalmente adolescentes que se encuentran en lugares aislados de cualquier tipo de ayuda.

(En la película que hoy nos ocupa confluyen los puntos 1,2,3 y 5)

En muchas ocasiones las películas se parecen mucho a nivel argumental y sólo se diferencian claramente por el arma utilizada para cometer los asesinatos.

El género está claramente influido por Psicosis de Alfred Hitchcock y otras películas de los 60, así como películas italianas del subgénero Giallo de los 70, y dos películas de los 70 como The Texas Chain Saw Massacre y Black Christmas.

Digamos que el género comenzó con posiblemente sus dos películas más famosas, como son Halloween (1978) y Viernes 13 (1980), siendo su época dorada los años ochenta, y después de una casi desaparición, irrumpió de nuevo con fuerza a mediados de los noventa, gracias a la saga Scream.

La verdad que el título de la película me llamó la atención, ante una posible película de miedo ambientada en un bonito paraje de naturaleza, pero esa parte no refleja bien el título, ya que de montaña no hay nada, y el paraje puede estar bien, pero al ser toda la película nocturna no se puede percibir.

Realmente la película está rodada en Louisiana, que no sé si tendrá muchas montañas.

Se nota claramente que es una película de serie B, y la ausencia de presupuesto. No obstante el guión me parece aceptable, ya que no se me asemeja a otras películas, que es bastante fácil dentro de estas películas de género slasher.

Pero los personajes elegidos para la película quizás no sean los más adecuados, y la falta de credibilidad en todos los sucesos que van ocurriendo a lo largo de la película le restan bastante atractivo, y lo que es peor, para este tipo de películas, es que le quitan sensación de miedo.

Un slasher poco interesante con una ubicación interesante pero sin suspense ni sustos. Los diálogos no son ninguna maravilla y algunas muertes más interesantes habrían ayudado a mejorar la película. En general, es simplemente sosa.

Valoración:                                   4/10

El hombre de los hongos (1976)

 

Pese a estar pegado a los Estados Unidos, México nunca ha destacado a nivel cinematográfico, o por lo menos no en cuanto a cantidad.

Siempre he defendido que Anthony Quinn es uno de los mejores actores que he visto y el claro referente del cine mexicano, siguiéndole a nivel de actores quizás Pedro Armendáriz y Mario Moreno - Cantinflas -, en hombres y en mujeres María Félix y recientemente Salma Hayek.

Y en cuanto a directores, este Roberto Gavaldón fue uno de los más destacados, a pesar de que toda su carrera estuvo ligada a su país, pero llegó a ser candidato a un Óscar por mejor película de habla no inglesa, por Macario en 1961.

Y ésta, una de las últimas películas en la filmografía de Roberto Gavaldón, me parecía un título atrayente para mi, y que posiblemente escondiera una película totalmente diferente a ninguna que hubiera visto.

El comienzo me pareció sumamente adictivo para mi. De repente me encontré en una escena que aglutinaba ante mi tres actividad que me resultan muy de mi agrado.

- Una ruta de senderismo hasta una cascada

- Un día de recolección de setas por el campo

- Una aparición propia del programa de Iker Jiménez

Y es que con poco presupuesto y pocas estrellas, o ninguna, también se puede hacer una película interesante.

Pero no obstante, me encontré con dos actores que no me esperaba.

El primero, Adolfo Marsillach, actor español ya fallecido hace tiempo, al que tenía asociado exclusivamente al teatro, porque creo que fue donde desarrolló toda la parte final de su carrera, y porque nunca le había visto en un largometraje.

Y el segundo, Philip Michael Thomas, que posiblemente por el nombre muchos no le conozcan, pero que es el famoso detective Ricardo Tubbs de Corrupción en Miami, y sorprende encontrárselo aquí, bastantes años antes de su éxito, en una película mexicana y bastante desconocida.

Además completaban el reparto, Isela Vega, actriz mexicana bastante importante en su país, y Sandra Mozarowsky, una actriz española, a pesar del nombre, que murió con solo 18 años y estando embarazada, cayéndose desde una terraza en Madrid.

A pesar de no tener la mejor calidad posible, me resultó una propuesta interesante sobre una plantación de un terrateniente español en suelo mexicano en la época colonial, con mezcla de actividades de ambas culturas y con el curioso papel de los hongos en la misma y un curioso felino que aparentemente no pega mucho en la película pero que juega un papel importante y bien hilado.

Con pocas localizaciones, pero un par de ellas interesantes en Guanajuato, Veracruz o Morelos.

Valoración:                                    6/10