El valle de las mil colinas (1958)

 

De siempre, las sobremesas me han sugerido más el visionado de una película del oeste o una de aventuras como en este caso.

Y dentro de las aventuras, habitualmente suelen abundar y gustarme las ambientadas en África, Asia, o algún lugar interesante paisajísticamente.

En este caso por el título no sabía que estaba ante otra visita al continente africano.

Se puede decir que las películas africanas pueden tener bastantes cosas en común y parecerse algunas entre si, pero cada una es una aventura.

Habitualmente suelen girar en torno a personas occidentales afincadas en el continente por motivos humanitarios o laborales, u otros que acuden como exploradores o buscadores de tesoros.

En este caso el modelo es el primero, con otros elementos muy comunes, como las tribus o los animales salvajes.

Podríamos decir que el director Ken Annakin, es un especialista en el género de aventuras (a veces aventuras de capa y espada), o películas que contienen parte de aventuras, mezcladas con un poco de acción o entremezclándose con el género bélico.

Me gustan bastante sus películas El valle de los maoríes y especialmente Escalada hacia la muerte, una de las no muchas pero siempre atrayentes para mi, películas de montañas.

Annakin no tenía mucho interés en este proyecto, ya que su mente estaba en otro que tenía en cartera, pero para mi el resultado fue notable.

No obstante se encontró con bastantes problemas durante el rodaje.

El equipo sufrió varios problemas de salud. La supervisora ​​de guión Gladys Goldsmith sufrió una picadura de insecto, lo que provocó que su pierna se hinchara hasta un tamaño alarmante. Su sustituto improvisado, el secretario de producción, fue mordido por una araña y también fue internado en la enfermería; al igual que el fotógrafo. Durante la Navidad de 1957, el director de producción Jack Martin fue hospitalizado tras sufrir un infarto. Los electricistas, en particular, sufrían dolores en el pecho, reumatismo, picaduras de araña blanca y calor. También uno de los dos guepardos de la unidad, con el que Belinda Lee había posado para fotografías publicitarias, atacó salvajemente a su entrenador. De las 44 personas de la unidad, sólo el director Ken Annakin y otra persona no se vieron afectados por períodos de enfermedad.

La acción en pantalla fue eclipsada por los acontecimientos que sucedían detrás de la cámara. Belinda Lee intentó suicidarse, Patrick McGoohan sufrió una conmoción cerebral después de chocar su auto y la producción fue interrumpida constantemente por el equipo. 

Hubo un día, en el que solo Annakin y una serpiente estaban disponibles para trabajar. El mayor obstáculo vino de los electricistas que supuestamente dirigieron el rodaje, saboteando las acometidas del director de fotografía con filtros de luz incorrectos y obligándolo a ser reemplazado. 

Dentro de las no pocas películas rodadas en África que he visto últimamente, me guarda cierto paralelismo con La gran apuesta, pero no por el argumento en sí, si no por el descubrimiento de una actriz que hasta ese momento desconocía. En aquel momento Juliette Greco y ésta vez fue Belinda Lee, pero desgraciadamente, cuando fui a revisar su filmografía me encontré que falleció en 1961, con tan solo 25 años, por culpa de un accidente de circulación.

Esa tristeza no empaña la alegría de descubrir la que creo hubiera sido una gran actriz y que me hizo pasar un bonito rato junto a Patrick McGoohan, que está prácticamente igual que 20 años después en su papel de alcaide en La fuga de Alcatraz (que es la única referencia que me venía a la cabeza de él en ese momento), y de Michael Craig, éste todavía vivo (1929), que fue el afortunado que conquistó a Belinda Lee en la ficción.

La película se rodó principalmente en Sudáfrica, en las inmediaciones del Parque Nacional Kruger, constatando la gran variedad de posibles sitios para rodar una interesante película en el continente africano. 

Valoración:                                    8/10

Más allá de las estrellas (1989)

 

Recientemente vi sendas películas de Charlie Sheen y Emilio Estévez como protagonistas, así que para cerrar el círculo me topé con esta de su padre, Martin Sheen y me pareció interesante para verla.

Una película totalmente desconocida, de hecho me costó muchísimo descargarla, a pesar de tener notables actores en el reparto.

Como por ejemplo Sharon Stone. Evidentemente estamos en la época pre Desafío Total e Instinto Básico, pero ya había tenido sus papeles con cierto protagonismo y supongo que era una actriz bien considerada en Hollywood.

Y también Christian Slater, éste con apenas 20 años, pero que ya había tenido también papeles importantes, como su intervención en El nombre de la rosa, que yo creo que es con la película que mayormente se dio a conocer.

Supongo que esta película no tuvo ningún peso en la carrera de ninguno de ellos, dado el desconocimiento de la misma.

Además el reparto tiene otros actores más secundarios de cierta importancia, en especial F. Murray Abraham, sobre todo famoso por Amadeus.

La película confronta el sueño y la ilusión de un chico jóven por una profesión que le apasiona y por otro lado el desencanto de alguien que ha pasado por esa profesión y ha quedado en un estado de semi abandono a pesar de ser considerado héroe un día.

Pero lo mejor de la película, que me ha gustado en líneas generales, es la ubicación de la historia en un lugar tranquilo y apacible de Oregón, donde disfruta de su retiro el personaje de Martin Sheen, con un lago, casas de campo con parcelas, naturaleza, tranquilidad, muy idílico todo, y a pesar de tener un reparto importante, la película da sensación de que intervienen pocos personajes.

Si la englobamos dentro de la categoría de películas de astronautas o espaciales, evidentemente sale favorecida con respecto a otras, en mi opinión, pero creo que es meramente un drama y que el tema espacial solamente es un complemento de la película.

Aquí una lista de películas sobre el espacio

Exploración espacial

Otra película de los 80, que sin parecerse a las películas estándar de esta época, muestra un guión original, interesante y atractivo, además de un reparto importante, variado y que supone un buen reclamo para captar espectadores, y que sorprendentemente era una película totalmente desconocida para mi hasta el otro día.

Siempre me ha gustado visionar estas películas muy poco conocidas, que por algún motivo quedaron en el olvido, o con actores antes de tener el éxito que alcanzaron posteriormente.

Valoración:                                6/10

Bonita (1979)

 

Recientemente había visto una película de Brooke Shields (Oro mojado, 1984), pero me pareció tan parecida a otra que había visto poco tiempo antes (El tesoro de los tiburones), que finalmente no hice una ficha de la misma. Así que cuando cayó en mis manos ésta, me pareció tan singular el argumento que decidí ver una segunda película consecutiva con Brooke Shields como protagonista.

Como protagonista ... infantil, porque cuando se hizo la película tenía tan solo 13 años. Lo raro es que ésta sea tan desconocida, pero evidentemente fueron los cimientos sobre los que asentó su posterior explosión, tan solo un año después, con El lago azul, película por la que es mayoritariamente conocida aquí en España (recuerdo que esta película nos la pusieron en el colegio y todo).

Shields dice que esta película le marcó mucho, y que supuso un antes y un después en su vida, y que siempre la recordará con mucho cariño.

Le ganó el papel a Jodie Foster, que es tres años mayor que ella, y quizás esa diferencia de edad hizo que Brooke Shields encajara mejor en el papel.

Hay además algunos buenos secundarios en la película, como John Crawford, Geoffrey Lewis o un también jóven Lorenzo Lamas durante un breve intervalo, pero quería detenerme en la figura, muy poco valorada, pero que siempre aporta mucho, de Charles Durning.

Un actor al que siempre había visto en las innumerables veces que abré visto El golpe, pero en el que nunca había reparado, hasta que un día le vi en otra película y me di cuenta que trabajaba en la película de Paul Newman y Robert Redford y empecé a fijarme en sus personajes y en las grandes interpretaciones que hacía.

Casi siempre haciendo de persona bastante gorda (aquí a su personaje algunos le llaman la ballena), astuta, entrometida, muy metido en su personaje, con una interpretación casi impecable de los mismos y con una interesante voz de doblaje siempre.

El director intentó que su papel lo hiciera Orson Welles, pero estaba ocupado con otros proyectos, y creo que Charles Durning fue una elección muy acertada por parecido a Welles.

Hay actores que atraen principalmente por imagen o atractivo, sin negar que puedan ser buenos actores, y otros que atraen por sus dotes interpretativas, y evidentemente Charles Durning se encuentra en este segundo grupo.

El corte original de la película duró 111 minutos (la que conseguí yo, con algunos minutos sin doblaje). Cuando la película tuvo un mal comienzo, el director Rudy Durand volvió a editarla y la redujo a 100 minutos. Posteriormente, ambas versiones de la película se estrenaron en televisión y vídeo doméstico.

Warner Bros programó el estreno de la película en 1978. Finalmente, probaron la película en 6 ciudades a principios de 1979 antes de archivarla, en espera de reediciones. El principal inversor de la película, Mel Simon, recompró los derechos de la película a Warner Bros. en 1980 y luego el guionista y director Rudy Durand la reeditó. No pudieron conseguir una gran distribución, pero en 1981 tuvo una gran rotación en Showtime y debutó en la NBC.

Mientras la estaba viendo la película me hacía pensar en El buscavidas, esa gran película de Robert Roosen, con una gran interpretación de Paul Newman, con su famosa frase "He venido a por el gordo", en la que el juego protagonista es el billar, y que curiosamente el personaje de Brooke Shields hace referencia a dicha película, y también un poco a El golpe, donde el juego principal es el póker. Con la conexión de que en Charles Durning intervino en esta segunda película, y Paul Newman en ambas.

Me parece una película realmente original, sobre máquinas de pinball, que aunque en España no tuvieran mucho éxito, si que creo que es un icono de los años 80, y en cierto modo me recuerda a mi adolescencia y las breves asistencias que hice con mis amigos a salas recreativas que había en el barrio, que con la llegada de las videoconsolas más avanzadas desaparecieron para siempre.

Además la película tiene una carga de Road Movie que siempre me agrada mucho, y que aunque no muestra en esta ocasión paisajes interesantes, si que a mi me genera un aliciente adicional.

Valoración:                               6/10

Vértigo en la pista (1980)

 

Siguiendo con el cine europeo me puse con esta coproducción entre Italia, España y Alemania, aunque es básicamente una película italiana, ya que el director y el actor protagonista son de este país. Podríamos dejar el peso de cada país en la película en 60%-30%-10%.

Aunque eso si, se ambienta en tres grandes premios de Fórmula 1, cada uno en uno de estos países.

El cine italiano a principios de la década de 1960 se caracterizó por películas del género como Peplum,  luego crearon y agotaron el género Spaghetti Western, ya más en los 70 películas de espías, de terror, con tintes góticos en ocasiones, películas bélicas, bastantes películas policíacas y el género Giallo (el equiparable al género Slasher americano).

El actor principal es Fabio Testi, al que hasta hace un tiempo desconocía, y al que recuerdo cuando era niño venir como invitado estrella a algún programa de televisión en España, como el mítico Qué Apostamos, y que tocó casi todos esos géneros o subgéneros que he comentado en el párrafo anterior.

Me guarda un cierto paralelismo con Alain Delon por constitución física y facciones, aunque Delon creo que resultaba más atractivo para las mujeres. Pero creo que por aquella época eran los referentes masculinos de sus respectivos países.

Aunque también por otro lado, a veces le confundo con Franco Nero, un actor italiano coétaneo suyo (ambos nacidos en 1941), y que está casado con Vanessa Redgrave.

En 1980 tiene hasta un total de cinco películas, curiosamente en otra también dirigida por Stelvio Massi, Speed Cross, y también como piloto, en este caso de motocross (que es lo que era realmente en el inicio de esta película también). No sé si es que el director quedó insatisfecha con la otra que es anterior y decidió hacer esta para resarcirse.

Por la parte española el protagonismo lo ponen, Paco Rabal, uno de los actores más internacionales que hemos tenido, y el veterano Manolo Zarzo, todavía vivo con más de 90 años.

Una película con cierto aire de nostalgia, no por el aspecto de la gente allá por 1980 (año en el que yo nací), si no por el aspecto mucho más despoblado, menos contaminado y más amable del mundo en general en aquella época y de los alredededores de Madrid en particulas, por los coches de aquella época, las marcas publicitarias que rodeaban las carreras automovilísticas y la presencia de la Fórmula 1 en el Circuito del Jarama de Madrid, que para los que hemos ido allí (en mi caso a ver carreras de camiones), hace echar la vista al pasado y recordar viejos tiempos.

En ese aspecto también me recuerda un poco a otra película italiana que vino a rodar aquí a Madrid, Y si no nos enfadamos con los grandes Bud Spencer y Terence Hill, y que mostraba una ciudad totalmente diferente a la actual, con mucho menos asfalto, muchos menos coches y viviendas y en general una sensación de menos estrés y mejor salud de la ciudad.

No es una película especialmente interesante, pero si que tiene las cosas que he comentado como atractivas, además de que no es un género muy extenso y es difícil encontrar películas de este estilo.

Valoración:                                 6/10

Veneno (1981)

 

El título y la presencia del siempre inquietante Klaus Kinski, me parecieron una buena mezcla como reclamo para llamar mi atención y ver esta película.

Después se sumó un ya veterano Sterling Hayden, en su última película, un actor de segunda fila que alcanzó quizás su papel más importante en Johnny Guitar, y algún interesante actor inglés, en una película claramente británica, especialmente Oliver Reed con una voz de doblaje magnífica (creo recordar que era la habitual de Arnold Schwarzenegger).

Una película inglesa como digo (aunque donde primero se estrenó sorprendentemente fue en Japón, para a continuación hacerlo en el Reino Unido y luego en los Estados Unidos), pero de la que inicialmente llevaba las riendas el director americano Tobe Hooper, uno de los actores más icónicos y renombrados del cine de terror, especialmente por su saga de La matanza de Texas.

De hecho los primeros carteles para anunciar la película se hicieron antes de que abandonara el rodaje y todavía llevan su nombre.

Resulta curioso que Kinski eligió esta película en vez de un papel en la primera película de Indiana Jones, En busca del arca perdida, por motivos puramente económicos (aunque curiosamente otra película con bastante protagonismo de las serpientes). La repercusión de ambas con el paso de los años no es comparable.

Kinski que es uno de los mejores actores alemanes que ha existido, no sé si el de más renombre, pero si de los mejores. Podíamos destacar también procedente del germano a Curd Jürgens, Horst Bucholz o Anton Diffring.

El nuevo director que reemplazó a Tobe Hooper dijo que había mal ambiente durante el rodaje, especialmente entre Klaus Kinski (que parecía un tipo bastante complicado, al parecer abandonó varias veces el set y sin motivo aparente) y Oliver Reed, lo que le llevó al director a decir hiperbólicamente que la serpiente era el personaje más amable del set de rodaje, y también llegó a decir que el rodaje era un nido de víboras, por las continuas tensiones entre los actores.

Aquí una lista sobre películas de serpientes

Ofidiofobia

El elenco, a parte de ser bastante bueno, reúne a tres actores que interpretaron personaje icónicos en películas de terror

- Oliver Reed en La maldición del hombre lobo (1961)

- Klaus Kinski en Nosferatu, vampiro de la noche (1979)

- Nicol Williamson en El exorcista III (1990)

Así que el cóctel para conseguir al menos una película inquietante o intrigante estaba bastante bien equilibrado.

Pero realmente no se trata de una película de terror o de criaturas, si no más bien un thriller criminal, con grandes interpretaciones y prácticamente una única localización, cosa que no me suele apasionar, pero que resulta meramente anecdótica cuando te encuentras con un guión interesante o unas actuaciaones dignas.

Valoración:                                 7/10

Vientos de tempestad (1985)

 

Igual que hace unos días vi una película de Charlie Sheen, ahora elegí una de su hermano mayor, Emilio Estévez, que decidió conservar las raíces españolas de su abuelo y conservar su nombre verdadero. Concretamente era de origen gallego, pero es un apellido que me resulta familiar porque en el pueblo de mi madre es común.

Tengo (o tenía) a Emilio Estévez por el hermano bueno y sensato de su hermano pequeño y más conocido Charlie, pero en esta película interpreta un papel más propio de su hermano. De hecho, también en esta película tiene un papel menor otro hermano de ambos, Ramón Estévez.

Me ha extrañado ver que lleva casi sin actuar desde 2006 y su filmografía no llega a los cincuenta títulos.

Aunque realmente aquí hace algo más que de actor principal, y es que compró los derechos de la novela sobre la que construyó el guión de esta película, su primer guión. Y él eligió el papel del jóven más rebelde y descarriado, a pesar de la insistencia de su padre, Martin Sheen, que le decía que él no quería hacer realmente ese papel, que eligiera el otro, a lo que Estévez se negó aduciendo que acababa de interpretar un papel parecido al que ofrecía el otro protagonista de la película.

Me ha sorprendido las similitudes que tiene la película con la que vi de su hermano hace unos días, Los chicos de al lado, ambas de 1985, y en especial el paralelismo entre los personajes que ambos interpretan, en un marco idéntico, el final del instituto (en este caso sin ninguna escena en el mismo) y el no caer en la delincuencia o desviarse del comportamiento correcto en ese difícil momento de la vida.

Les diferencia es que en aquella película los dos protagonistas tenían prospecto de delincuentes y no había uno de los dos que intentara reconducir al otro, y aquí en cambio uno interpreta una personalidad más calmada que hace que se produzca una lucha por ver que amigo convence al otro de seguir por una senda más o menos decente.

Emilio Estévez venía de hacer sus mejores películas, como Repo Man, El club de los cinco o St. Elmo, punto de encuentro, y a pesar de ello y contar en el reparto con el aura de Morgan Freeman, ésta es una película totalmente desconocida.

Aunque claro, igual habría que preguntarse cuando empezó a ser una estrella Morgan Freeman, un actor de maduración tardía, o al que nadie le supo sacar todo su provecho antes.

Posiblemente podríamos empezar a hablar de su importancia con Robin Hood: Príncipe de los ladrones (1991) y Sin perdón (1992), para alcanzar su gran repercusión con sus interpretaciones de Cadena Perpetua (1994) y Seven (1995), quedando ya desde ese momento en la cima de los actores de la actualidad.

Pero lo bueno de esa maduración tardía es que se pueden encontrar películas suyas (aunque en algunas con papeles menores, como aquí) poco conocidas, antes de hacerse mundialmente conocido, y yo lo he aprovechado de momento bien con, por ejemplo, Profesores de hoy (1984), El honor a un soldado (1986), Escuela de rebeldes (1989).

Al parecer también se intentó que Tom Cruise interpretara el papel de amigo del personaje de Emilio Estévez, pero imagino que Cruise ya tenía un caché muy alto u otros proyectos que le atrayeran más y el papel fue a recaer en un ya olvidado Craig Sheffer, un actor con cierto aire al gran Patrick Swayze, pero que no consiguió acercarse a su carisma y popularidad.

Valoración:                                     6/10

Caravanas (1978)

 

Como veía que el sueño no me vencía después de comer, me dispuse a ver una película más larga de lo habitual, que casi siempre suelo elegirlas entre noventa y cien minutos, pero después de mucho tiempo me puse con una que superara las dos horas.

Y con otra película de aventuras calurosas, por el desierto, pero esta vez no acudí a África, si no que es una película ambientada en oriente próximo. La novela en la que se basa ubica los hechos en Afganistán, pero la película se rodó íntegramente en territorio de Irán, por ello quizás se inventaron un país ficticio para ubicar la película.

En muchas ocasiones se han realizado grandes producciones o se han juntado grandes actores para una película que luego ha resultado ser un fracaso o que ni siquiera ha tenido una difusión proporcional a la inversión realizada.

Uno se encuentra aquí con Anthony Quinn, Christopher Lee y Joseph Cotten, aunque ya no estuvieran en su época dorada, pero Quinn hizo ese año tres película y Lee es uno de los actores más prolíficos de la historia y seguro que también tiene varias, a los que se unió un reputado por aquel entonces Michael Sarrazin.

Pero cuando Quinn no aparece hasta el minuto 45 y Lee y Cotten apenas han aparecido tampoco, uno se da cuenta de que el protagonista va a ser Sarrazin junto con la actriz Jennifer O'Neill.

Finalmente los papeles de Christopher Lee y Joseph Cotten son tan residuales, que si no fuera porque la película está bien y no se los echa en falta, habría sido un auténtico desaprovechamiento.

Además Anthony Quinn contó con el debut de uno de sus hijos en esta película, Duncan, que precisamente interpreta el papel de hijo del personaje de su padre. El papel de Anthony Quinn tiene similitudes con el que interpreta en Doctor Zhivago.

La película ya estaba planeada por Metro Goldwyn Mayer para empezar a rodarse a finales de los sesenta, con Richard Fleischer al mando y Rod Taylor y Anthony Perkins como candidatos al papel que finalmente hizo Michael Sarrazin, pero finalmente se paralizó el proyecto y cayó en el olvido.

Para los que hubieran leído el libro en que se basa, parece ser que no refleja fielmente el contenido del mismo, eliminando bastantes cosas de la novela y sobre todo detalles importantes. Pero, por eso, a mi no me apasiona ver películas basadas en libros que haya leído.

Justo un año después estalló una revolución en Irán, que hubiera hecho imposible rodar allí. Y es realmente de lo más valioso de esta película, unas localizaciones de rodaje totalmente singulares y no vistas en otras películas, que habitualmente pueden hacer solamente escenas de fotografía y luego realizar el rodaje en estudios o en algún escenario de otro país que no tiene nada que ver, en este caso, con Irán.

Si además le añades un argumento difícil de encontrar en otras películas, un muy interesante elenco de actores y unas voces de doblaje notables, acabas teniendo una interesante película de aventuras, para los que nos gusta el género.

Valoración:                                 7/10

Acoso implacable (1986)

 

El título de esta película me inspiraba más bien acción, ciudad, noche, bandas callejeras, ajustes de cuentas, drogas ... pero cuando al poco de comenzar la película me encuentro un paisaje rural, un canguro, y los coches con el volante en el lado derecho, tenía claro que estaba ante otra de esas películas rurales australianas que tanto me gustan desde que las descubrí. Ahora solo me quedaba avanzar un poco de película para ver que tenía que ver el título con ese comienzo.

Hacía mucho que no me encontraba unos diez minutos iniciales de película que me engancharan tanto. Me recordó salvando las distancias a cuando vi otras dos películas, Caída libre y Jugar duro.

De hecho se ha llegado a comparar ese inicio con la película de Steven Spielberg El diablo sobre ruedas.

No sé que tienen estas películas australianas pero crean en mi un clima con unas características que me atrapan y me deleitan.

Como en Razorback o Cocodrilo hunter, un paisaje árido pero sin llegar a ser desértico, con belleza, una zona totalmente aislada, con muy poca población, y donde el ecosistema prima, animales autóctones, actores poco conocidos pero muy solventes, coches sorprendentes y aventuras, acción y misterio en sus dosis correspondientes.

Y es que el director de la película, Mario Andreacchio (australiano de origen italiano), que debutaba como director de largometrajes con esta película, dice sobre ella que lo que realmente quería hacer con ella es capturar gran parte de su infancia, el entorno en el que creció, muy árido, y realmente amaba la sensación de aridez... y también decía que a veces hay algo siniestro en la aridez. 

Yo aplaudo esa decisión.

El propio director reconocía que quería que la película diera la sensación de cómic, y es verdad que los tres cazadores furtivos se podría decir que están sacados de uno, pero en cambio la protagonista femenina no pegaría en un cómic.

Decía Andreacchio que en un nivel, esta película es una simple historia de cómic sobre el bien y el mal, pero en el otro, es un drama sobre el conflicto humano y la supervivencia en la escala de una gran ópera, un poco exagerado pero refleja bien lo que quería hacer y en lo que se acabó convirtiendo la película.

En la misma línea, uno de los productores decía que no querían una apariencia realista de la película, si no una acción fantástica.

Se ha comparado la película con otras australianas, en concreto con las dos primeras de la saga Mad Max, y también con la que mencionaba yo antes de Razorback.

Ha recibido buenas críticas o comentarios de mucha gente, entre ellos de Quentin Tarantino, que la considera un clásico absoluto.

A pesar de no ser conocida aquí, en algunos sitios (supongo que principalmente Australia), se la considera una película de culto.

Muy recomendable.

Valoración:                                    7/10

La maldición del diamante (1987)

 

Decepcionado por una película que vi recientemente con los diamantes como protagonistas, decidí buscar una alternativa sobre la misma temática y di con ésta, que evidentemente me llevó de nuevo a hacer un viaje virtual por África.

Las películas de África, digamos que las podemos clasificar en estas temáticas:

- Películas sobre safaris

- Películas sobre tribus

- Películas sobre tesoros

- Películas sobre exploradores

- Películas sobre colonialismo

Digamos que ésta es difícil de encasillar en una de esas temáticas, no tiene una clara predominante, y podríamos decir que tiene un poco de tribus, un poco de tesoros, un poco de exploradores y un poco de colonialismo. Pero no es una película sobre África al uso, y me recordó mucho a la película que vi de Stephen Boyd y Juliette Greco, La gran apuesta, recorriendo en un camión parte del continente africano.

Aunque hablar de diamantes y de África, a todo el mundo se le vendrá a la cabeza la más reciente Diamantes de Sangre, creo que una de las últimas películas que fui a ver a un cine, y que no está mal, pero digamos que me parece ridículo que la gente ponga tanto el foco en esa película y la traten como una de las mejores películas que han visto y luego no sean capaces de ver por ejemplo ésta. Lo lógico es que si una te ha gustado tanto, la otra también te puede entretener. Pero allá cada uno con sus clichés y el vetar cualquier película anterior a cierto año.

Dirigida por el británico Kevin Connor, que siempre me gustó por su reiteración con el cine fantástico allá por los años setenta, con títulos como La tierra olvidada por el tiempo, En el corazón de la tierra, Viaje al mundo perdido o Los conquistadores de Atlantis. 

Después de este ciclo importante de películas sobre esta temática, prácticamente el resto de su carrera han sido episodios de series de televisión o TV Movies.

Para el papel principal consiguió los servicios de Brian Dennehy, que aunque no me pega mucho como aventurero, por su tamaño y peso, siempre es un gusto verle trabajar. Uno de esos actores que me parece muy infravalorado, no sé si porque su papel de referencia es el de Sheriff en Acorralado, pero lo cierto es que ese papel me parece excelente, y el resto de sus interpretaciones muy interesantes.

Y aquí descubrí una actriz, que aunque ya había visto alguna película en la que trabajase, no me había fijado en ella, seguramente por tener un papel muy secundario. Pero he de decir, que también me ha parecido un aporte positivo la película por la interpretación de Brooke Adams.

Aunque hay gente que dice, que si coges la mayor parte de la película y te aislas del argumento y del incio, puede parecer que toda ella esté rodada en cualquier zona rural de los Estados Unidos, y quizás le falte algún elemento visual más de África, hay un elemento, bastante autóctono del continente negro, que está continuamente presente, como son las maravillosas acacias.

De todas maneras, ya he dicho que no es una película al uso sobre África, y una vez que el inicio te sitúa allí de manera inequívoca, es bastante difícil ponerse a elucubrar que realmente no están en África y si en otro sitio menos costoso para el rodaje. No obstante no he conseguido saber los principales puntos de rodaje o archivo fotográfico.

Como colofón, eso que me gusta tanto, aunque no es muy frecuente en estas películas y no parece pegar mucho con el argumento y la situación de la película, pero es una maravilla ver que acaba la película con más de tres minutos de cinta todavía y empieza a sonar una muy bonita canción que desconocía y que recomiendo, con la bonita voz de Amy Holland

Chris Farren & Amy Holland - Nothin' we can do

Valoración:                                   7/10

En el silencio de la noche (1989)

 

Una noche de verano, con un calor sofocante y más de media ciudad de vacaciones ... el título de la película me parecía de lo más adecuado para el momento, y además con la presencia de un actor que me gusta bastante, como es Gary Busey, y una actriz que me resulta especialmente atractiva como Mimi Rogers (que recordemos llegó a estar casada durante casi tres años con Tom Cruise).

La tenía catalogada como Thriller, a pesar de ser de los años 80. Y es que el Thriller lo suelo asociar particularmente a TV Movies a partir de los años 90.

Aunque ésta no dista mucho de una TV Movie, ya que la productora debió quebrar antes de lanzar la película, y finalmente no se proyectó en cines y su difusión fue a través del VHS, que no tiene, evidentemente, la misma repercusión. Así por tanto no es de extrañar que la película me resultara totalmente desconocida.

La verdad que es una película bastante extraña, con muchas situaciones poco creíbles, pero con un ambiente intrigante siempre que mantiene muy conectado al espectador con ella.

Aborda los traumas en la niñez, y como luego influyen en la vida de adulto. La superación de los mismos, o las secuelas que pueden llegar a dejar y la mala terapia o reinserción por parte del sistema de estas personas.

A los que nos gusta Gary Busey, aquí le tenemos fuera de su zona de comfort, que suelen ser los papeles de tipo duro o rudo, en películas con una buena dosis de acción (no obstante es cinturón negro en unas cuantas artes marciales). Fiel ejemplo de esto es su papel en Alerta máxima. Aquí hace una interpretación muy notable, dejando en entredicho al resto del reparto, incluida Mimi Rogers. 

De repente perturbado, de repente tranquilo, unas veces psicótico y otras tierno y paternal, su interpretación es muy buena, a pesar de que muchos lo tengan etiquetado como mal actor y no quieran ver aquí un gran trabajo, quizás no con su mejor voz de doblaje, pero que para este personaje creo que viene como anillo al dedo.

Mimi Rogers no está mal, pero un tanto eclipsada, la he visto mejores interpretaciones. Hay quien piensa que ésta Rogers, en todo su esplendor, en una película casi íntegra en una casa y con un matrimonio y un pretendiente a su alrededor, que es irresponsable no haber conseguido un desnudo suyo en la película como un gran reclamo de la misma.

Creo que es una película interesante, diferente, extraña, pero con cierta falta de credibilidad en bastantes pasajes de la misma, con aspectos que se quedan en el aire y no se retoman, y a pesar de que la película no es corta (100 minutos), da la sensación que le faltan personajes o más situaciones para complementarla.

Valoración:                                    6/10

Blancos caballos de agosto (1975)

 

De vez en cuando me gusta buscar alguna película adecuada al mes o la estación del año en curso, o que tenga relación con algún suceso o hecho de interés a lo largo del planeta.

Sin comerlo ni beberlo, me estoy encontrando con bastantes películas veraniegas este año, o vacacionales más bien, cosa que siempre me ayuda para combatir este duro verano en Madrid, aunque también me ponene un poco melancólico y evocan nostalgia de años mejores en los que podía ir de vacaciones como los protagonistas de estas películas.

En este caso, el destino vacacional es Italia, donde he estado tres veces y dos de ellas de vacaciones, y que además de fascinarme a nivel patrimonial, fueron dos buenas vacaciones. La zona en la que se ambienta la película no la conozco en concreto. Dudo mucho que por aquella época fuera un sitio de moda, en el promontorio del Gargano (lo conozco de las veces que va el Giro de Italia allí y es lo que sería el espolón de la bota que imaginamos que es la península itálica), dentro de la región de la Puglia, una de las más pobres del país transalpino.

De hecho las localizaciones muestran zonas relativamente deprimidas, con casas semi destartaladas, ausencia de turistas, pescadores sin higiene y desliñados, y en general poco lujo, más allá del hotel, y poco reclamo como lugar turístico.

Pero si que por ejemplo hay algunas escenas en el recinto arqueológico de Pompeya, un plano en concreto, donde tengo una foto exactamente en la misma posición, así que la película me ha traído buenos recuerdos de mis visitas a Italia.

Las vacaciones de películas de los ochenta, suelen ser diversión, adrenalina, playa, música, fiestas, chicas muy atractivas, comedia ... y esta película pone un contrapunto contra ese idílico plan vacacional que muestra el cine de los ochenta, con una película lenta, tranquila, con pocos habitantes, meláncolica, dramática, más parecida a La piscina que vi hace pocas semanas.

Aunque evidentemente es más entretenido el plan alegre, divertido y desenfrenado, y más para mi que necesito cosas que me animen, desde el punto de vista cinematográfico ambas perspectivas de las vacaciones de verano pueden ser válidas y pueden ofrecer una buena película.

Como siempre he tenido a mi hermano, dos años mayor que yo, a mi lado, nunca he sabido de niño lo que eran unas vacaciones siendo hijo único, cosa que tiene que ser aburrido o frustrante por momentos, y más si tus padres no tienen una entente cordial.

El director, apoyado en una de las mejores interpretaciones infantiles que he visto últimamente, nos muestra como esta combinación se puede llegar a convertir en un verdadero drama, nublando por completo las vacaciones tanto de los padres como del niño.

En cuanto al reparto, compuesto en todos los papeles, salvo los dos principales, por actores italianos, destaca la figura de Jean Seberg, una de esas actrices suecas que se puso de moda en los años 60 y 70, no con tanto peso y tanto impacto como las actrices italianas en los años 50 y 60 del siglo XX, pero si con bastante protagonismo. No con la importancia de las dos actrices suecas de referencia y estrellas universales, como Ingrid Bergman y Greta Garbo, pero las Anita Ekberg, Jean Seberg, Britt Ekland, Maud Adams o Ann-Margret, todas ellas más o menos contemporáneas, dejaron su impronta entre los hombres de todo el mundo.

Pero fue una mujer con problemas. Tuvo tres maridos y varios amantes más. Aunque se afincó joven en Francia, donde hizo gran parte de su carrera, tuvo cierta relación con nuestro país, en Barcelona y Mallorca, y de hecho su hijo parece ser que reside en España y tiene su negocio aquí. Tuvo una muerte triste y trágica, posiblemente en forma de suicidio, con solo 40 años.

Aquí ya había perdido su hermosa melena rubia y llevaba el pelo muy corto, restándole belleza y como demostrando con ese look que no estaba feliz.

La podríamos considerar como una de esas películas con la etiqueta de maldita, porque ambos protagonistas, tanto Jean Seberg como Frederick Stafford, fallecieron en el verano de 2019, lo cual es una coincidencia triste y sorprendente.

Valoración:                                     7/10

Terror en el museo de cera (1973)

 

Recuerdo cuando de pequeño mis padres me llevaban a algún museo, que se me hacía una experiencia lenta, pesada, aburrida y demasiado duradera. Pero no se por qué, recuerdo que la única vez que me llevaron al museo de cera de Madrid, la experiencia me resultó completamente diferente, entretenida, incluso corta y diferente al resto de museos que había visitado anteriormente.

Y los museos de cera han sido fuente de inspiración para el cine, en un número nada desdeñable de ocasiones.

La primera de ellas, cronológicamente hablando, data de 1933 y fue dirigida nada menos que por Michael Curtiz, aunque yo no la he visto. 

La segunda, de 1953, se puede considerar un remake de ésta, y además de ser la primera película que se rodó en 3D según he leído, seguramente sea la mejor película ambientada en estos museos, con una magistral intervención de Vincent Price.

Después, además de ésta, vinieron La cámara de los horrores (1966), Museo de cera (1988), La máscara de cera (1997) y House of Wax (2005).

Curiosamente, en el museo de cera de Madrid también se han rodado algunas películas.

Buenas noches, señor monstruo (1982), de Antonio Mercero, Horror en el museo de cera (1990), de Paul Naschy y Wax (2014), esta rodada a caballo entre los museos de cera de Madrid y Barcelona.

Aunque curiosamente, el museo de cera en la película que nos ocupa, pierde protagonismo por una de las figuras del cine de terror más representadas, como es Jack el destripador ... y con el añadido de una especie de Jorobado de Notre Dame

Aquí una lista de películas sobre este personaje

Películas sobre Jack el destripador

Una película que parecería predestinada para Vincent Price o Peter Cushing, pero cuyo protagonismo recayó en una serie de actores interesantes, de segundo nivel, pero de gran calado.

De hecho podríamos considerar hasta cuatro actores de la primera década del siglo XX, o sea todos ellos ya veteranos en esta película, comandados por Ray Milland, al que no le eran extraños este tipo de papeles y películas, a pesar de no tener la reputación de Price, Cushing o Christopher Lee en este género de películas. Junto a él, Broderick Crawford, John Carradine y Elsa Lanchester.

Este tipo de películas me gustan bastante, a pesar de que yo sea partidario de películas rodadas en exteriores, con grandes paisajes o localizaciones de extrema belleza, mientras que aquí todo se reduce a tres o cuatro escenarios. De hecho es una de las películas que menos puntos de rodaje le recuerdo.

Pero claro, el contrapeso a ésto, que podría suponer un hándicap para mi, lo ponen el elenco de actores que ya he comentado, y el elenco de actores de doblaje que realizaron el trabajo para verla en castellano y que proporcionan a la película un valor añadido muy importante.

Interesante película, con dos reclamos del cine de terror muy buenos, como el museo de cera y Jack el destripador, y que a pesar de tener ya 50 años y pudiera parecer más fácil de adivinar quien es el asesino, hasta el final no se logra visualizar.

Valoración:                                  6/10

El secreto de la montaña de los osos (1995)

 

Después de haber visto una película con nexos en común (familiar, infantil y un oso en varias escenas), un poco decepcionante, como fue Cruzando la gran barrera, volví a probar suerte en el mundo de los osos con esta película, sin saber que me iba a esperar.

Hay gente que piensa que las películas infantiles solo se pueden ver cuando tienes esa edad. Recuerdo la bronca que me echaron mis amigos, cuando pasada la treintena posiblemente, una tarde noche y también sin saber de que iba les puse la película Dentro del laberinto, argumentándome que estaba totalmente fuera de contexto y de tiempo para nosotros. Curiosamente algunos de esos amigos luego se iban a ver cada estreno de Píxar o películas de dibujos.

A mi no me importa ver una película infantil o familiar aunque ya esté lejos de esa época de mi vida. Pero siempre te aporta algo, y se cambia de género para no ser muy repetitivo.

Siendo reacio a adentrarme mucho en la década de los noventa, la película me dejó sensaciones encontradas. Por un lado, en lo negativo, se me asemejó bastante a una TV Movie y por otro me pareció bastante más reciente. En lo positivo, una película amable casi todo el tiempo, con tranquilidad y aventuras.

Y es que la película te hace recapacitar acerca de tus veranos cuando tenías una edad similar a la de las protagonistas, lo que hacías en aquellos momentos de tu vida, quienes eran tus amigos y que echas de menos o que te habría gustado hacer que se te quedó en el tintero.

Pero la verdad es que evoca un escenario y un plan vacacional de lo más envidiable, y más en los tiempos que corren y el calor inmisericorde que apenas nos deja disfrutar del verano a algunos.

Me parece una buena película que enseñar a los que tengan niños, para valorar la amistad, saber respetar a las personas aunque parezcan diferentes y darles una oportunidad, nunca se sabe a que maravillosa persona puedes dejar de conocer por algún prejuicio o lo que dicen los demás acerca de otra persona, que muchas veces nos creemos y nos hace tener una opinión infundada de una persona.

Aparte del valor de la amistad, el tesoro de la infancia a punto de pasar a la juventud, la tranquilidad, la naturaleza y los bonitos paisajes en los que transcurren algunas partes de la película, dos actores sazonan un poco mejor la película.

Por un lado, la actriz protagonista, que me sonaba y que luego vi que era Christina Ricci. Aunque yo no sé realmente de que me sonaba (igual por ser los dos nacidos en 1980), porque no me suena haber visto ninguna de sus películas, si que fue una importante actriz infantil y juvenil durante los noventa, supongo que gracias a la película Casper.

Y por el otro, David Keith, uno de esos actores que nunca tengo en mente y que aparece de vez en cuando en alguna película interesante. Poco valorado o relevante, a pesar de haber tenido gran éxito en Oficial y Caballero, su carrera está bien en la década de los ochenta, pero más allá de esa época dorada en general a nivel cinematográfico, no ha tenido un protagonismo excesivo, aunque si alguna película interesante y más de cien títulos de crédito en su carrera.

Valoración:                                         6/10

Los chicos de al lado (1985)

 

Seguramente Penelope Spheeris sea de las directoras que más películas haya visto y cuyo nombre me resulte más familiar de entre las mujeres que tienen una carrera como directoras.

Y seguramente Charlie Sheen sea uno de los culpables de que empezara este blog, cuando poco tiempo antes quedé con un par de amigos a ver una sesión doble de cine en casa de uno de ellos, y la primera película que elegí fue El aparecido, que por aquel entonces tampoco tenía muchos votos en IMDb por ejemplo y veo que se ha hecho más popular.

También Charlie Sheen (como en la anterior película Kiefer Sutherland, hijo de actor), es uno de los mayores juguetes rotos de Hollywood, con un largo historial de escándalos y adicciones (admitió fumar 40 cigarrillos al día desde 1986, varias sobredosis y entradas y salidas de centros de desintoxicación), relaciones turbulentas, sobre todo con Denise Richards (aunque también tuvo problemas con Kelly Preston que posteriormente le dejó y se fue con el amor de su vida John Travolta), que desembocaron en su declaración en 2015 de que era portador del VIH, virus de inmunodeficiencia humana.

Asistió a la escuela con Robert Downey Jr., con el que comparte cierto paralelismo en cuanto a adicciones a las drogas.

Es el único miembro de su familia que cambia legalmente su apellido a Sheen y pasa ese nuevo apellido a sus hijos. Al igual que su padre y todos sus hermanos, su nombre de nacimiento era Estévez. Su padre todavía es legalmente Ramón Estévez, descendiente de un emigrante español de Galicia, y todos sus hermanos todavía usan el nombre de Estévez.

Su carrera podría haber sido mucho más importante todavía, optó a papeles tan importantes como el de Michael J. Fox en Regreso al futuro, el de Tom Cruise en Nacido el 4 de julio, el de Ralph Macchio en Karate Kid, el de Andy García en El Padrino III, el de Tim Robbins en Cadena Perpetua, o el de Michael Douglas en Insinto Básico (aunque en este no me encaja nada), todas ellas películas de culto hoy en día.

Aquí comparte protagonismo con el actor británico Maxwell Caulfield, cinco años mayor que él, y que le resta protagonismo a Sheen, llevando la voz cantante de la pareja de amigos. Otro, que comparándolo con Charlie Sheen quedó en el ostracismo al poco tiempo.

Filmada durante el verano de 1984 cuando Los Ángeles albergaba los Juegos Olímpicos. La mayoría del elenco y el equipo recuerdan que ese verano hacía un calor abrasador, la película no disfrutó de un gran estreno cinematográfico debido al hecho de que New World quebró casi al mismo tiempo.

Con cierto paralelismo a la última película que vi, La tierra prometida, aborda como en muchas películas, la, al parecer, difícil transición en norteamérica desde el instituto a la universidad o la vida laboral, o lo que es lo mismo, la mayoría de edad, pero en vez de hacerlo a nivel de comedia o drama, aquí es a nivel de acción y crimen.

Un alegato a las malas relaciones o amistades y los peligros de creerse inmortal, como seguramente nos habrá pasado a muchos en nuestra juventud.

Valoración:                                    6/10