Un caradura en Hollywood (1986)

 

Recientemente fallecía la actriz Kirstie Alley a los 71 años. Una actriz, en mi opinión, poco reconocida, tanto en su trabajo como en su belleza.

Y es que quizás su encajonamiento principalmente en personajes de comedia puede que influya en ello.

No obstante ganó dos premios Emmy y un Globo de oro.

A pesar de su éxito en la saga Mira quien habla, creo que todos la asociamos a su papel en la famosa serie de televisión de los 80, Cheers.

Una comedia de situación que era tremendamente divertida y que lanzó a la fama tanto a Kirstie como también a Ted Danson, Kelsey Grammer y Woody Harrelson, y también destacando el trabajo de Rhea Perlman, John Ratzenberger y George Wendt.

Y eso que Alley sólo participó en, aproximadamente, la mitad de episodios que lo hicieron los que completaron la serie entera.

Era la mejor amiga de John Travolta, que fue el gran amor de su vida. Travolta ha pasado en poco tiempo por el trauma de perder a su mujer, Kelly Preston, y ahora a su otro gran amor.

Rebuscando entre lo que tenía me topé con esta película, que además tenía marcada para ver, y me llevé un gran recuerdo de ella y pasé un buen rato.

Una película de televisión totalmente desconocida, que curiosamente tiene como título original Prince of Bel Air, que rápidamente lleva a la famosa serie que encumbró a Will Smith, pero que en español sufrió otra de esas traducciones terribles.

Película para ver en verano preferentemente, pero que dadas las circunstancias me alegro de haberla visto.

Tiene algunas diferencias con el estándar de película de los 80, y es que es más una comedia romántica, que una comedia como tal, y sus protagonistas no son los típicos adolescentes recién cumplidos los 18, o recién superada la veintena, si no que son dos personas adultas ya, pero con la misma mentalidad que te puedas encontrar en personajes muchos más jóvenes de películas de la época.

Por lo demás, los clásicos habituales, chicas, mar, diversión, amistad, música (al poco de empezar enriquece la película el sonido de Dire Straits y su Walk of life) ...

Alley compartió aquí protagonismo con Mark Harmon (curiosamente repetirían poco después en Juerga tropical), ambos actores de la misma quinta (1951).

Un actor un tanto atemporal, con alma de ochentero, pero que le pilló ya un poco mayor (sólo en el DNI, porque físicamente tenía un atractivo inmejorable, y una sonrisa que todos quisiéramos tener), que tan pronto te hacía una comedia como un drama o película con sustancia, pero que nunca adquirió una gran fama.

Digamos que la película podía ser una más de los 80, pero con toques que la hacen destacar, y sobre todo porque la he visto como homenaje a Kirstie Alley.

Valoración:                                       6/10

Cromwell, el rey de los bárbaros (1982)

 

Albert Pyun, fallecido hace unos días, fue un director de cine Estadounidense, nacido en Hawai (con los rasgos característicos de los oriundos de allí), que empezó su carrera en los años ochenta, y que con sus películas de bajo presupuesto, pero creativas consiguió convertirse en un director de culto entre algunos fans de esta década.

Sus principales aportaciones fueron en los géneros de ciencia ficción y acción. Se le atribuye ser pionero en el subgénero cyborg y se le considera un inconformista dentro del cine independiente.

De hecho su película Cyborg (1989), con Jean Claude Van Damme, fue uno de sus mayores éxitos. 

Además trabajó con otros muchos actores importantes.

Por ejemplo, Albert Pyun participó en una película de Steven Seagal alrededor del año 2000 y convenció al actor para que viera varias películas japonesas, incluidas las películas Lone Wolf y Cub, 

para mostrarle el estilo y el tono que quería aunque Seagal no lo entendió del todo.

Me pareció apropiado hacerle un homenaje viendo una película suya, y aunque sea algo más conocida de la filosofía del blog, me decidí por ver su debut como director, con esta película que, principalmente, podríamos etiquetar dentro del género fantástico.

Un género, y principalmente este subgénero de caballeros y espadas, que tuvo un buen apogeo a finales de los setenta y principios de los ochenta, aunque luego fue cayendo en el olvido, y a pesar de tener el gran exponente de la trilogía de El señor de los anillos, años después, es difícil encontrar hoy en día películas de este género.

Este subgénero creció seguramente al amparo del éxito de Excalibur (1981), de John Boorman, y contó con otros grandes títulos, especialmente las dos películas de Conan, pero también otras menos exitosas o comerciales como Ator, El guerrero rojo, La princesa prometida, Krull, La espada invencible ...

Es un género que particularmente me gusta por la escasez del mismo, y lo diferente de sus películas con respecto a otras.

Y ahora viene la comparativa, por ejemplo con Excalibur, con la que evidentemente cualquiera sale mal parada, ya no sólo por la historia en si, si no por muchos otros factores.

El más decepcionante de ésta para mi, ha sido sin duda la ausencia casi total de escenas rodadas en exterirores, y las tomas de fotografía, algo en mi opinión muy característico y necesario para este tipo de películas, y que le dan un plus muy importante.

Parece ser que Albert Pyun lamentó haber tenido que usar material de archivo para muchos de los exteriores, ya que tenía una gran visión de varios lugares de California que simplemente 

nunca lograron obtener.

De hecho, lasecuencia de apertura se filmó en Bronson Caves en Griffith Park de Los Ángeles (y el resto de la película también se filmó en Los Ángeles y sus alrededores). 

Y además en esta película se abusa de muchas escenas nocturnas.

Esos dos factores me han decepcionado bastante.

El reparto de la película está lleno de actores que principalmente aparecían en series durante esa etapa, alternando con papeles residuales en alguna película.

Los productores originalmente querían a David Hasselhoff en el papel principal en lugar de a Lee Horsley. "Sí, eso habría sido un desastre", dijo Albert Pyun. Al parecer, a los trajes no les gustaban las piernas de Horsley. 

Pero Horsley le devolvió el favor y fue un gran defensor de Pyun.

La película tuvo unos cuantos accidentes, como la muerte de un actor especialista al realizar una escena de salto por un acantilado.

También en una escena, el protagonista rompe las espadas de los enemigos con la suya, y resulta herido cuando uno de los fragmentos de espada voló por el aire y atravesó su cuero cabelludo. 

Pyun pensó "la sangre corre por tu cara, usémosla". Albert Pyun menciona que Jean-Claude Van Damme también sufrió una herida de pelea durante el rodaje Cyborg, y agrega que las películas en estos días simplemente evitan el uso físico y el uso de cuchillas.

Además tuvo algún otro contratiempo, como un ataque en el que estaba destinado a presentar bolas de fuego gigantes, pero en su lugar, Albert Pyun tuvo que cambiarlo. 

Estaban filmando durante la temporada de incendios de California y no se les permitió usar llamas más grandes.

Una película no destacada dentro del género, pero que gustará a los amantes del género.

Valoración:                                      5/10

El bicho (1975)

Creo que podríamos etiquetar esta película dentro de las películas de catástrofes de la década de los 70, o incluso también dentro de la categoría de animales o criaturas asesinas.

E incluso podríamos decir que durante esta década de los 70 se creó un subgénero de estos subgéneros, que podríamos llamar insectos asesinos, o simplemente insectos.

Creo que estas 4 listas podrían identificar bien la película

Insectos

Criaturas características

Bichos

Pesadilla animal

Es inevitable comparar esta película con las similares hechas en un espacio de tiempo y temáticas muy próximas, como serían

El enjambre

Hormigas

Tarántula

Y aunque en algunas cosas es muy similar e interesante para mi, en la valoración general creo que sería la cuarta de las cuatro.

Aunque parece ser que a la película que más se parece es a, Sucesos en la IV fase (1974), una película que tengo pendiente de ver desde hace tiempo y que siempre asociaba a Encuentros en la tercera fase.

La película fue adaptada por el productor William Castle y Thomas Page de la novela de Page de 1973 "La plaga de Hefesto".

Según Castle, el director Jeannot Szwarc se acercó a él con un problema; Joanna Miles tenía un "miedo mortal" a las cucarachas y obviamente no quería que se arrastraran sobre ella. Cuando Castle trató de demostrar lo inofensivos que eran arrastrándose por su propio brazo, fue mordido.

La mayoría de los modelos de cucarachas utilizados en esta producción fueron realizados por Karoly Fogassy, ​​cuyo trabajo diario era ilustrador técnico en la Universidad de California en Riverside, lugar en el que se filman varias escenas.

Con un comienzo interesante e intrigante, que por un momento durante la estancia en la iglesia hace pensar que vas a ver algo estilo El Exorcista o también puede hacerte recordar a Temblores.

Aunque la actuación del protagonista, Bradford Dillman, me parece notable, a partir de la mitad de la película aproximadamente se puede percibir la misma como un poco monótona y unidimensional, llegando incluso a poder ser un poco rayante, que es lo que me hace valorarla un poco peor que sus semejantes, pero también introduce un desarrollo diferente de estas películas de insectos, y un final totalmente inesperado.

Imprescindible para los amantes del género y seguramente inncesaria para otros muchos.

Valoración:                               5/10

China girl (1987)

 

Rescaté un antiguo disco duro, y estoy haciendo una "gira" por algunas de las películas que tengo en él guardadas.

No recordaba casi ninguna película ambientada en la sociedad china (más allá de la superfamosa Chinatwon de Roman Polanski), quizás me viene a la cabeza Golpe en la pequeña China, y alguna con aroma japonés más que chino, así que me pareció algo diferente y novedoso, que a veces cuesta no repetirse con películas similares, aunque a uno le gusten.

Unos chinos, que parece ser que por aquella época ya tenían esa misma fama de raros, oscuros, desconcertantes o peligrosos que puedan tener hoy, y sus barrios chinos, extendidos por buena parte del mundo, eran una especie de gettos poco recomendables de visitar, especialmente cuando el sol se ocultaba.

Además la combinación de dos tipos no muy conocidos, pero bien valorados por mi, como son el director Abel Ferrara y el actor David Caruso me parecía otro aliciente.

El director, de clara ascendencia italiana, alcanzó buena reputación a finales de los 80 y principios de los 90, con películas cuyos patrones principalmente giraban en torno al crimen, la mafia y el ambiente nocturno. Ferrara reconoció que ésta era su película favorita. A mi personalmente hay alguna que me gusta más que ésta.

El segundo, David Caruso, para mi siempre irá asociado a su papel secundario en Acorralado, aunque la gente principalmente le reconocerá por su trabajo en la famosa serie CSI, en la que también participaron algunos de los actores que trabajan aquí.

No siendo el actor principal de la trama, para mi es la mejor interpretación. Siempre es necesario que cada actor haga el papel que mejor sabe hacer, aunque no el más importante no haga de protagonista. Aquí el trabajo de varios de los personajes secundarios es más notable que el de los dos protagonistas, dos medio adolescentes, que luego no tuvieron mucho éxito ni continuidad en el cine.

Estamos ante una historia de características similares a Romeo y Julieta, o incluso West Side Story, aunque en un escenario totalmente diferente, marcado por la acción, el crimen y el odio, en vez de por el romanticismo. Ferrara reinterpreta la historia a su gusto y deja su sello.

Es una historia contada tantas veces que pertenece a nuestro ADN cultural, y que nunca envejecerá. La historia desgarradora de amantes desafortunados, que presentan más o menos los mismos arquetipos: 

rivalidades tribales, hermanos protectores, citas prohibidas, declaraciones de amor eterno ... y finales a gusto del director de turno, felices o trágicos.

Admirando el trabajo que ha hecho en ésta y otras películas, en particular China Girl se me queda un poco sosa, corta de duración, falta de desarrollo. Se nota el bajo presupuesto en general, no sólo a nivel de actores, si no de localizaciones, de exteriores, el rodar toda la película de noche ...

Valoración:                                  5/10

El caliente otoño del 86 (1986)

 

Buscando una película con la palabra otoño en el título, di con ésta, que además lleva en el título (traducido) el mismo año en que se filmó. 

Aunque no sé hasta que punto los que lo tradujeron pensaron bien en el título, porque ni noto mucho que sea otoño, ni además el fin del curso escolar coincide con esa época del año, si no más bien el final de la primavera o el comienzo del verano.

El caso es que el título me resultaba curioso, ya que oficialmente hemos tenido caliente otoño del 2022, que ha sido el más cálido desde que hay registros.

Lo primero que sorprende en los títulos de crédito es el nombre de Harvey Weinstein, el productor de cine, famoso desgraciadamente por sus agresiones sexuales y sus consiguientes condenas, que aquí hace de director y productor junto a su hermano Bob, y que posiblemente sea la primera película que soy consciente que veo suya. A nivel de director es el único título de su hermano Bob y Harvey tan sólo tiene acreditada otra, pero como productores son más.

Indagando un poco he visto que fundaron la productora Miramax, que me resultaba agradable su introducción cuando iba a Kinépolis al cine.

Es uno de los primeros episodios conocidos de acoso sexual por parte del productor Harvey Weinstein, y que sucedió durante la preproducción de El caliente otoño del 86 (1986): 

"En 1984, cuando Tomi-Ann Roberts era una estudiante universitaria de 20 años en Nueva York y esperaba comenzar una carrera como actriz. 

El Sr. Weinstein la instó a hacer una audición para una película que él y su hermano planeaban dirigir. Le envió guiones y luego le pidió que se reuniera con él, donde se hospedaba, para que pudieran hablar sobre la película, dijo en un correo electrónico y una entrevista telefónica. Cuando llegó, él estaba desnudo en la bañera, recordó. 

Él le dijo que haría una audición mucho mejor si se sentía cómoda. "desnudarse frente a él", también, porque el personaje que podría interpretar tendría una escena en topless. 

Si no pudiera mostrar sus senos en privado, no podría hacerlo en una película, recordó Roberts. Weinstein diciendo. (...) La Sra. Roberts recuerda haberse disculpado a la salida, diciendo Sr. Weinstein que ella era demasiado mojigata para estar de acuerdo. 

Más tarde, sintió que él la había manipulado fingiendo interés profesional en ella, y dudó que alguna vez hubiera estado bajo consideración seria. (...) Hoy es profesora de psicología en Colorado College, investigando la cosificación sexual, un interés que se remonta en parte a ese encuentro de hace mucho tiempo"

Es parte de una entrevista recogida en el New York times en 2017.

A pesar de variar un poco el guión típico de las películas americanas de los 80 sobre la finalización del instituto y el paso a la universidad, ya que aquí desplazan el foco hacia el campo en vez del típico barrio de ciudad, la parte de comedia me resulta bastante más floja que otras muchas películas parecidas de su generación con las que se pueda comparar.

Eso sí, a nivel musical no decepciona nada, en los primeros 20 minutos ya han sonado unas cuatro canciones interesantes, no conocidas al menos para mi, y durante el resto de la película, sigue salpicando el desarrollo con diversas canciones, siendo quizás la más importante el I'm so excited de las Pointer Sisters.

A nivel de actores cabe destacar la aparición de Marisa Tomei, ganadora de un Óscar a mejor actriz de reparto, que aquí está en uno de sus primeros papeles y Harold Gould, que será una cara conocida sobre todo para los que hayan visto El Golpe.

La película está inspirada en las experiencias de la infancia de Harvey y Bob Weinstein, la historia se basa en parte en la temporada de Harvey en el Century Theatre de Buffalo, Nueva York. 

En 1974, compró la instalación con un amigo llamado Horace "Corky" Burger y la dirigió como un lugar de rock and roll hasta su demolición en 1978.

Valoración:                                    5/10

La moto fantástica (1985)

 

Aprovechando la reposición de una de mis series favoritas, y que además hacía mucho tiempo que no veía, como es El coche fantástico, me puse a ver esta película a ver que tenía de inspiración y de parecido con la serie. Es una película que desconocía totalmente de que iba, que simplemente la elegí porque el título sonaba bien y me evocaba a Michael Knight y Kitt.

Las películas de motos que había visto hasta ahora, cada poco tiempo veo una que me encuentre, solían girar en torno a dos argumentos, una banda de moteros más o menos estándar, o a nivel deportivo relacionadas con el motocross, que es lo que parecía realmente que iba a ser la película tras ver los primeros cinco minutos de la misma. Pero ni una cosa ni otra, una comedia pura y dura en torno a una moto no me había encontrado hasta ahora.

Bien es cierto que la moto que protagoniza la película como si fuera un actor más parece más una moto de juguete que un vehículo. En la película se menciona que la motocicleta mágica de Jack es una Yamaha YZ80, pero en ciertas escenas de acción (especialmente con adultos en ella), la motocicleta utilizada es claramente el modelo YZ125 más grande, o tal vez incluso la YZ250. La YZ80 no era mucho más grande que una minimoto.

En alguna ocasión he visto alguna película totalmente infantil cuando ya pasaba la veintena o la treintena de años, y en la mayoría de los casos no me ha parecido un inconveniente que la película fuera para niños y yo ya fuera un adulto.

Pero en este caso me he encontrado totalmente fuera de lugar con ella, me ha parecido que si no eres niño difícilmente la vas a apreciar. Eso o que como soy poco seguidor del humor absurdo, eso sea lo que me haya hecho no conectar con la película y ser de las que menos me ha gustado en bastante tiempo.

Tampoco he sido nunca seguidor de los niños pedantes sabelotodo (experto en informática, conductor de motos, activista, chantajista ...) que dejan en ridículo a todo adulto que se les ponga por delante. Y en este caso la interpretación del niño o los niños que aparecen en la película me resulta bastante desagradable a mi gusto.

Igual si la hubiera visto cuando era un niño tendría otra valoración ...

Valoración:                                   4/10

Temporada alta (1987)

 

Con un paralelismo sorprendente con Henry Silva, también fallecía recientemente, el mismo día, la actriz griega Irene Papas.

Pero el paralelismo va más allá, ya que ambos nacieron en el mes de septiembre de 1926, aunque creo que no llegaron a trabajar en ninguna película juntos.

Con Irene Papas creo que se va la actriz más importante de la historia del cine griego (actriz o actor), y creo que forma junto al director Costa-Gavras y al compositor Vangelis el triángulo más importante de la cinematografía helena.

Incluso podemos decir que el siguiente en importancia podría ser Anthony Quinn (con quien Irene Papas compartió rodaje hasta en 7 películas), que a pesar de ser oriundo de México, hizo mucho por el cine griego por sus numerosos papeles en películas como Zorba el griego, Los cañones de Navarone, El mago, Sueño de reyes o El griego de oro, todas ellas ambientadas en Grecia. En dos de estas compartió trabajo con Irene Papas.

Descubierta por Elia Kazan, ganó fama internacional con estas películas ambientadas en Grecia como las mencionadas Los cañones de Navarone y Zorba el griego o Electra.

Con el director griego Michael Cacoyannis realizó una serie de colaboraciones en las que interpretó a diferentes heroínas de tragedias griegas, en películas con Antígona, Ifigenia y Las troyanas.

Algunos personajes de la mitología griega que representó Irene Papas son Medea, Electra, Clitemnestra, Helena, Penélope y Anticlea.

Actuó en cuatro películas nominadas al Oscar a la Mejor Película Los cañones de Navarone (1961), Zorba, el griego (1964), Ana de los mil días (1969) y Z (1969).

El director Federico Fellini era un gran admirador de su trabajo y Marlon Brando un gran admirador de su persona. Al parecer mantuvieron una relación bastante secreta que vio la luz poco antes de morir el actor estadounidense.

Tenía esta película marcada para ver desde hace tiempo, y curiosamente en vez de verla en temporada alta de verano, la he visto en temporada baja.

Pero siempre me han gustado las películas ambientadas en Grecia y más si lo hacen en alguna de sus islas turísticas. Tengo especialmente idealizada Un amor de verano, que muestra todos los encantos de Santorini.

Esta está ambientada en Rodas, célebremente famosa por su maravilla de la antigüedad El Coloso, que también fue llevada al cine, pero siendo de otra época y mostrando otra cara de la isla.

Quizás el escenario de las islas griegas hace que sea bastante fácil realizar una película medianamente interesante.

Aquí unas listas de películas rodadas o ambientadas en Grecia

Greece's location movies

Greek summer

Movies in/about Greece

Sorprende que esta película sea totalmente desconocida para tener un tridente importante de protagonistas, curiosamente de tres generaciones completamente diferente.

Encabezados por la elegancia y el encanto de Jacqueline Bisset, que creo que en toda la película no interactúa con el personaje de Irene Papas, que parece estar como por libre, fuera de la trama de la película, y con el debut cinematográfico del reputado Kenneth Brannagh, en un papel bastante diferente a sus papeles de películas costumbristas británicas, y con una de las mejores voces de doblaje de la década de los 80 y 90, que he comprobado que corresponde a Antonio Lara.

Aunque quizás cuesta clasificarla entre comedia, drama o romance y evidentemente no es la mejor película del mundo, el clima que se respira, la localización, los actores, los personajes y el poco sustancioso argumento hacen que el resultado sea bastante interesante, invitándote a viajar hasta allí en verano para conocer a tu Jacqueline Bisset particular.

Para mis gustos, una joya anónima que he descubierto.

Valoración:                                    7/10

Objetivo mortal (1982)

 

El otro día fallecía el actor Henry Silva, a punto de cumplir los 96 años. Un actor secundario sin más, pero para mi un gran actor y sobre todo uno de los mejores malos que he visto en el mundo del cine, formando posiblemente el equipo A en cuanto a villanos, en mi opinión, con

Christopher Lee

Gordon Mitchell

Jack Palance

Afirmaba que su madre era del norte de España y que su padre era italiano. 

Decía que solo tenía ocho años cuando decidió convertirse en actor, aunque no hizo nada al respecto hasta su adolescencia. Su inspiración fue principalmente su madre. Aparentemente, ella era una contadora de historias y, al regresar de las compras, llenaba su apartamento con vívidas caracterizaciones del tendero, panadero, etc. 

Silva señalaba que pensaba en su madre todos los días.

Dejó la escuela pública para asistir a clases de teatro a los 13 años y se ganaba la vida como lavaplatos en un hotel de Manhattan. Para 1955, Silva había pasado de lavaplatos a camarero y se sentía listo para una audición para Actors Studio. 

Fue uno de los cinco estudiantes elegidos entre más de 2500 solicitantes, con  Ben Gazzara, Shelley Winters, Harry Guardino y Anthony Franciosa. 

Llamado a Hollywood, interpretó una sucesión de personajes importantes ​​en buenas películas, entre ellas El vengador sin piedad (1958), Mansiones verdes (1959), La cuadrilla de los once (1960), El mensajero del miedo (1962) y Johnny, el frío (1963).

Su popularidad se vio reforzada por un don para los idiomas. Hablaba italiano y español con fluidez y tiene talento para papeles descarnados que también catapultaron a Charles Bronson al estrellato europeo.

Entre 1966 y 1977 protagonizó o coprotagonizó, la sorprendente cifra de 25 películas, la mayoría de las cuales eran películas italianas de género policíaco, donde normalmente interpretaba al villano o al sicario, al héroe oscuro o una combinación de ambos.

Junto a Angie Dickinson, es uno de los dos únicos actores que aparecen tanto en La cuadrilla de los once (1960) como en su remake Ocean's Eleven: Hagan juego (2001).

Estaba retirado de la interpretación desde el año 2001, justo con Ocean's Eleven, espero que pudiendo disfrutar de una merecida jubilación que le ha llevado a una gran longevidad.

Y en esta película se mezcla un villano por excelencia con un héroe por excelencia como era Sean Connery, ya en su madurez, sin el atractivo que tenía años antes en sus interpretaciones de James Bond, pero con la misma solvencia en su interpretación.

Richard Brooks, gran escritor y director de los años 40, 50 y 60 (La última vez que vi París, Sangre sobre la tierra, La gata sobre el tejado de zinc, ...), reunió aquí, en casi su última película, a un gran elenco de actores.

Con un gran protagonista como Connery, dos muy buenos secundarios a mi entender como Henry Silva y John Saxon y otros interesantes y reputados actores de reparto como

Robert Conrad

Leslie Nielsen

Hardy Kruger 

Dean Stockwell

Y hasta una jóven y por aquellos momentos desconocida Jennifer Jason Leigh, en un mínimo papel, obviamente.

Sean Connery, Robert Conrad y John Saxon fallecieron en 2020, Dean Stockwell en 2021 y Hardy Kruger en 2022, actores longevos todos ellos.

Aunque el elenco es muy bueno, a mi se me hacen demasiados personajes con algún protagonismo, lo cual unido a una mezcla también de acción, comedia y bélica, hace un caldo demasiado espeso, y así me sentía yo por momentos viéndola, espeso.

Se dijo de esta película que era "el grito de protesta de Richard Brooks por lo que él ve como la loca espiral descendente de la historia mundial durante la última década"

Uno de los carteles principales de esta película fue diseñado con ilustraciones pintadas, mostrando a Sir Sean Connery de pie en una pose similar a la de James Bond con una cámara de televisión, en lugar de un arma, y ​​con dos chicas en bikini a sus pies. En el fondo, dentro de un círculo (que evoca el cañón de una pistola), había dos escenas de acción, mientras que en el aire arriba, se encontraba un satélite espía. 

Todos estos elementos eran típicos de la franquicia cinematográfica de James Bond, de la que Connery había sido una parte importante. Este no era el póster original de esta película. El póster tipo Bond se utilizó en varios mercados fuera de los EE. UU., en sustitución del póster original, después de que esta película fuera un fracaso comercial en Norteamérica. 

Esta fue la segunda película de Sir Sean Connery que no es de Bond en tener un póster similar a Bond 

en solo unos años, ya que el póster principal de la película Cuba (1979) también fue diseñado como un póster de la película Bond.

Es una de varias películas realizadas durante la década de 1980 que analizaban la política de Oriente Medio y/o el conflicto entre Israel y Palestina. Los otros son Ultimátum (1982), Delta Force (1986), Zona de guerra (1987), El espía imposible (1987), Los hijos de la gloria (1984), Hanna K. (1983) y La chica del tambor (1984).

Se ha dicho que esta película posiblemente anticipó futuros eventos mundiales y que tiene espeluznantes similitudes con eventos reales ocurridos posteriormente ... incluso hasta estos días con la amenaza nuclear que hay en el ambiente.

Esta película es una sátira de los informes de noticias estadounidenses, el sistema político y las agencias encubiertas, según las notas de producción de la película.

Valoración:                                        5/10

La gran aventura de La India (1988)

 

Me disponía a hacer otra incursión en África cuando de repente pensé, ¿y por qué no la hago por Asia que lo tengo un poco abandonado?
Aunque la verdad es que me es más difícil de encontrar películas de mi gusto ambientadas en Asia que no en África.

Y dentro de ese continente mi topé con esta película de La India que me daba buenas vibraciones, esperando encontrar algo así como un Indiana Jones y el Templo Maldito. Aunque realmente creo que la película tiene más similitudes con Tras el corazón verde con Michael Douglas, o El misterio de la pirámide de oro con Jeff Goldblum, por eso de la búsqueda de una joya singular e increíble. Ambas mejores que ésta, no obstante.

También por momentos, por la ubicación y lo que pasaba, me hacía recordar al pasaje de La vuelta al mundo en 80 días que discurre por La India, o por lo menos a la serie de dibujos animados, cuando una canción dice, en barco, en elefante, en tren ...

A mí si me preguntan por cine de La India no me viene a la cabeza nada relacionado con Bollywood, ya que nunca he visto una película de ese estilo, y mi primer pensamiento se va a las películas de aventuras protagonizadas principalmente por Sabú desde finales de la década de los 30 hasta la década de los 50 del siglo XX.

La verdad es que el título original se debería traducir por Piedra de sangre, lo cual lleva a una posible conexión con la famosa Diamantes de sangre, con Leonardo Di Caprio, aunque me cuesta encontrar similitudes más allá del título o que Diamantes de sangre hubiera recibido influencias de ésta.

Nico Mastorakis originalmente estaba destinado a dirigir la película él mismo, pero se retiró después de que no pudo viajar al set en La India por razones desconocidas, así que simplemente aparece en los créditos como productor y guionista. 

Es un director griego con alguna película de los 80 decente.

Cosa que no se puede decir del reparto, que fuera decente. Tan solo conocía a Christopher Neame, y es el único que realmente hace una interpretación decente, el resto son bastante deficientes.

Pero hay que reconocer que esta gran deficiencia se compensa con algunas localizaciones de la película bastante interesantes y un ritmo adecuado que te hace no perder el interés.

Puede ser desconocida para los cinéfilos norteamericanos y del resto del mundo, pero se estrenó con bombos y platillos en la India, porque el coprotagonista es interpretado por Rajnikanth, una mega estrella del sur de la India por entonces.

Para los espectadores no indios, parecerá una película de aventuras común y corriente, aunque ambientada en un lugar exótico.

El gran fracaso de esta película desalentó más colaboraciones indoamericanas.

Le faltan algunos matices para que yo personalmente la pueda considerar una joya por descubrir, tiene cosas que me han sorprendido gratamente y otras todo lo contrario.

Valoración:                                          5/10

Holocausto radiactivo (1972)

 

Me puse a ver esta película y aunque la elegí porque la tenía catalogada como género Ciencia Ficción, a los dos minutos se me vino a la que cabeza que por el título igual podía ser otra película de desastres de los años 70, y con ello sobrexplotar el género y quedarme sin películas de ese estilo para ver.

Pero pocos minutos después me dio la sensación de que no iban por ahí los tiros, y con cinco minutos de visionado me parecía que hasta ese momento le vendría bien como título La tierra olvidada por el tiempo, una película fantástica de los años 70, creo que con dinosaurios por medio.

Pero ya desde el minuto diez o así ya intuí que la película tenía más bien tintes de La isla del Dr. Moreau, que tiene un par de versiones por lo menos. Aunque parece ser que con la que más parecido se le saca es con El hombre de mimbre.

De todas maneras era una película inglesa de los años 70, muy poco conocida, así que tampoco había que esperar gran cosa.

Un cine inglés que seguramente sea el más importante después del cine de Hollywood, habiendo exportado muchos actores y directores muy importantes en la historia cinematográfica, principalmente en la mayor figura de este país y una de las más importantes del cine como Alfred Hitchcock, y también con buenos actores como Michael Caine o Sean Connery.

No es una película de terror como tal, es una película que cuenta con un guion creíble y un alto valor de interés con su misterio.

Más bien estamos ante un drama que trata de reproducir las cosas de una manera un tanto realista. Las emociones y el suspense son escasos. Los efectos de maquillaje son decentes, pero apenas se ven hasta el final.

La primera parte de la película es adecuadamente inquietante. Hay una sensación de fatalidad que envuelve el lugar. Los habitantes actúan extrañamente sospechosos y los directores introducen ángulos distorsionados para enfatizar el hecho de que algo está muy mal aquí, pero sin revelar lo que es, lo cual ayuda a mantener el interés.

Aunque evidentemente le falta mucho presupuesto y explotar más y mejor la fotografía de Cornualles, la trama es interesante, poco habitual y bien desarrollada.

La película obtiene algunas calificaciones positivas por sus buenas intenciones y por terminar de una manera lo suficientemente creíble.

Valoración:                                        5/10

La chica de oro (1979)

 

No sé si es porque soy un gran amante del deporte, y en este caso del atletismo, o por la escasez de películas que hay acerca de ello, que me resultan siempre atractivas e interesantes.

Aunque entiendo que es un género que no atrae mucho y por ello hay pocas películas y en la actualidad no recuerdo que se haya hecho ninguna al respecto, aunque puedas mezclar el deporte como tal con una trama interesante.

Aquí una lista de películas sobre correr

Movies about running

Otra de las cosas que me llamó para elegir esta película es que el director, Joseph Sargent (cuya película más conocida quizás sea Pelham 1,2,3), reunió a un elenco de actores que me resultaba muy interesante, sobrio y cualificado para componer un buen producto.

Con un actor de primera línea como James Coburn, un actor alto, de apariencia serie, habitual en westerns y con papeles de tipo duro o de villano, pero versátil también y eficiente en cualquier otro tipo de estereotipo. Con dos grandísimas películas en su filmografía como Los 7 magníficos y La gran evasión.

Y junto a él un buen grupo de actores de segunda fila pero con gran reputación, filmografías extensas y buenas interpretaciones. De hecho sorprende el nutrido grupo de estos actores secundarios para una película tan poco conocida.

Con Curd Jürgens (en su última película en Hollywood), Harry Guardino, Leslie Caron, Michael Lerner, Nicolas Coster y Robert Culp, al que recientemente había visto en Inundación y que volvió a hacer un gran trabajo.

Eso sí, todo hay que decirlo, con unas grandes voces de doblaje, que como siempre digo pueden potenciar una película en un porcentaje bastante importante.

Aunque el papel protagonista de una semi desconocida Susan Anton, que era modelo, actriz y cantante y no solo interpreta al personaje central de Goldengirl, sino que también canta la canción principal de la película. Pero en la interpretación no tuvo mucho éxito más allá de esta película.

Para prepararse para su papel como atleta, Susan Anton se sometió a un entrenamiento con pesas, tuvo que aprender a correr como una atleta de 10 a 16 horas todos los días y entrenó en un estricto programa de ejercicios que duró varios meses.

A nivel atletismo la película es un poco floja, las escenas de competiciones me resultan bastante poco realistas, pero se compensa con una buena trama extradeportiva.

Los competidores que corrían contra la chica dorada, Susan Anton, eran corredores de vallas, corredores, velocistas y atletas de la vida real contratados por la producción para competir. 

Se les dijo que redujeran la velocidad en la filmación de las carreras para que GoldenGirl pudiera ganar.

Producida y estrenada en cines en 1979 antes del boicot a los Juegos Olímpicos de 1980, esta película muestra a atletas estadounidenses compitiendo en los juegos de Moscú.
En realidad, el boicot significó que EE. UU. no actuó allí, lo que hizo que la imagen posterior al lanzamiento fuera anacrónica e históricamente inexacta, e intuyo que eso quizás haya hecho que sea una película tan poco conocida para ese reparto que tiene.

Valoración:                                        6/10

La ley de Murphy (1986)

 

J. Lee Thompson fue un director poco reconocido, o directamente poco conocido. No sé si porque no era americano, si no británico o porque sus películas básicamente eran de aventuras o de acción.

Pero para mi tiene algunas películas muy interesantes o incluso de mis favoritas, especialmente Los cañones de Navarone y El oro de MacKenna, ambas con Gregory Peck, un actor con el que trabajó en unas cuantas películas y que dijo una vez que solo había cuatro directores en los que podía confiar para decirle si estaba fingiendo o no su actuación: 

Alfred Hitchcock, George Cukor, William Wyler y Thompson.

También, originalmente, iba a dirigir El planeta de los simios (1968) y era copropietario de los derechos con el productor Arthur Jacobs, pero tuvo que retirarse de tal empresa porque estaba ocupado trabajando en El oro de Mackenna (1969), una producción problemática que se pasó de presupuesto y mucho más de lo previsto. Sin embargo, si que llegó a dirigir La rebelión de los simios (1972) y Batalla por el planeta de los simios (1973).

Su otro actor favorito fue Charles Bronson, ya más en la época final de sus carreras, con una serie de películas policíacas de acción.

La colaboración empezó con 

- El temerario Ives

Luego se rompió ese ciclo de películas de acción con la sorprendente y diferente 

- El desafío del búfalo blanco

para luego seguir con las películas policíacas propiamente dichas, con 

- Cabo blanco

- Al filo de la medianoche

- Justicia salvaje

- La ley de Murphy

- Yo soy la justicia II

- Mensajero de la muerte

- Kinjite: prohibido en occidente (última película del director)

El significado y relevancia del título de esta película, La ley de Murphy (1986), es que es un juego de palabras del nombre del personaje central Jack Murphy (Charles Bronson) con la expresión popular del mismo nombre, que en general expresa que cualquier cosa que pueda salir mal saldrá mal, una máxima que se puede considerar que se aplica al personaje de Jack Murphy durante esta película.

Charles Bronson es el prototipo de tipo duro, uno de los primeros de Hollywood. A pesar de que se convirtiera en tipo duro ya en su madurez, ya que en su primera época era un actor al uso que tan pronto compaginaba películas del oeste, con películas de aventuras.

Después de él encarnaron quizás ese papel de tipo duro gente como Chuck Norris, Arnold Schwarzenegger o Steven Seagal.

Para el papel coprotagonista femenino se quería que lo interpretara Madonna pero se descolgó pidiendo un millón de dólares, y parece ser que el presupuesto de la película no daba para ello.

No obstante podemos encontrar otros nombres interesantes en la película, como son los actores secundarios y siempre sobrios en sus actuaciones James Luisi, Richard Romanus y Robert F. Lyons.

Especial mención para Carrie Snodgress, que venía de hacer un papel totalmente diferente en El jinete pálido y que falleció relativamente jóven.

También destacan Jill Ireland como co-productora. Fue la mujer de Charles Bronson hasta su prematura muerte en 1990 con 54 años, y que también trabajó como actriz junto a su marido en varias películas, como Nevada Express o Yo soy la justicia.

Y también aparece como productor ejecutivo Menahem Golan, palestino que entre otras películas también dirigió Delta Force o Yo, el halcón.

En fin, es una película más de Charles Bronson de la época de los 80. A pesar de que el título pueda servir como gancho para atraer a los espectadores, es una película bastante estándar y sin nada excepcional, pero para los amantes del cine de acción será un rato entretenido.

Valoración:                                     5/10

 

Hi-Riders (1978)

 

No sé cual es el origen de las bandas de motos en el cine, pero la verdad es que consiguieron un subgénero bastante interesante.

Habitualmente este tipo de bandas solían tener dos orígenes, el primero delincuencial, y el más habitual dentro de la representación de estas bandas en el ámbito del cine y el segundo que podríamos llamar cultural, como un estilo de vida, asociado seguramente en la mayoría de los casos a la cultura hippy, y que aunque a veces no distaban mucho de la delincuencia tampoco, habitualmente eran pacíficos y pacifistas.

Digamos que aquí estamos a medio camino entre ambas opciones.

Aunque también es cierto que no es una banda de motoristas al uso, ya que inicialmente el protagonismo lo tienen los coches (por algo la película la saqué de una lista llamada Carsploitation), que son los que realmente me atrajeron hasta esta película, pero posteriormente pierden algo de protagonismo o más bien la oferta de vehículos queda prácticamente reducida a 3 o 4, cuando yo esperaba ver un buen catálogo de muscle cars americanos de la década de los 70, que me resultan muy atractivos.

Hay un Firebird, un Dodge Charger y un Mercury Cougar que tienen una buena exhibición durante la película.

Y es ésta mezcla la que le hace diferenciarse de otras películas de bandas de motoristas, aunque tampoco es que la película destaque en muchas cosas en mi opinión, pero realmente estamos ante una película de serie B, con poco presupuesto y lo que quieres de una película como esta son persecuciones de coches, tiroteos y peleas a puñetazos, acción y coches vamos.
Y esta película cumple con esos estándares.

La película va un poco lenta en su primera mitad, no hay excesiva acción y de vez en cuando la película se va edulcorando y te va dejando una sensación extraña de si realmente será como te la esperas o si va a ser así toda la película, pero toda la acción se concentra en la segunda mitad de la misma.

La verdad que no me esperaba el ritmo y el devenir de la película y me ha sorprendido.

La verdad es que los actores principales resultan un poco decepcionantes, con poca expresividad y sin aparentes sentimientos ante los sucesos que van ocurriendo a sus compañeros. Lo más destacado del elenco son los actores secundarios veteranos que aparecen, comandados por Mel Ferrer como el más prestigioso.

Lo que hizo que esta película fuera reseñable fue que cerca del final del rodaje ocurrió un terrible accidente con Vic Rivers, un doble. Murió mientras conducía un camión que estaba destinado a salir volando de un terraplén. Pero Vic no alcanzó la distancia y el camión volcó y se estrelló cerca de la orilla del río. Aún así se usó la escena.

Valoración:                                     5/10

El desafío de Logan (1998)

El día 30 de julio me encontré con muchos actores apetecibles de ver alguna película suya, y me decanté por Hilary Swank, una actriz que me gusta mucho y que además tiene antepasados españoles.

No suelo adentrarme mucho en la segunda mitad de la década de los 90, y menos ya en el siglo XXI, pero sabía que Hilary Swank, aunque todavía joven (1974), había empezado a trabajar en la década de los 90, y entre su filmografía me encontré con este película que a pesar de estar un poco fuera de mi rango me parecía interesante.

Hilary Swank siempre estará ligada a su papel en Million Dolar Baby. Aunque ella ya era una gran actriz, venía de ganar un Oscar en Boys don't cry y había trabajado en otras películas importantes como Premonición o Insomnio, pero Million Dolar Baby fue su verdadero punto de inflexión. 

Casi todos los actores más famosos siempre tienen un punto de inflexión y un gran éxito que les marca y les cambia la vida.

Aunque debutó bien joven en series famosas como Harry y los Henderson y Los problemas crecen, no tardó en dar el salto a la gran pantalla en Buffy la cazavampiros y poco después, con apenas 20 años, en su papel revelación en El nuevo Karate Kid.

Es la tercera actriz más joven en ganar dos Oscar a la mejor actriz principal, Luise Rainer y Jodie Foster fueron la primera y la segunda, respectivamente.

Sus dos papeles ganadores del Oscar requirieron grandes cambios físicos.

De hecho fue designada con el número 6 en el programa "Las diez mejores transformaciones de la bella a la bestia de Hollywood" por el aspecto físico que tenía en Boys Don't Cry (1999). 

Es sólo uno o una de los siete actores o actrices que tiene un récord de 2-0 cuando fue nominada para un Oscar de actuación, sus dos victorias por Boys Don't Cry (1999) y Million Dollar Baby (2004), que también recibió el Oscar a mejor película. 

Los otros son 

- Luise Rainer por El gran Ziegfeld (1936) y La buena tierra (1937)

- Vivien Leigh por Lo que el viento se llevó (1939) y Un tranvía llamado deseo (1951)

- Helen Hayes por El pecado de Madelon Claudet (1931) y Aeropuerto (1970)

- Kevin Spacey por Sospechosos habituales (1995) y American Beauty (1999)

- Christoph Waltz por Malditos bastardos (2009) y Django desencadenado (2012)

- Mahershala Ali para Moonlight (2016) y Green Book (2018).

Aquí está en su parte inicial, compartiendo el cartel con el ya veterano Jason Robards, uno de esos actores longevos que no tuvo reparos en seguir actuando cuando ya empezó su cuesta abajo física.

Yo creo que a muchos nos gustaría trasladarnos al otro lado de la pantalla y compartir papel junto a Hilary Swank.

Es extraño encontrarse en esa época, casi cerrando el siglo XXI, y posteriores una película con la naturaleza como protagonista y rodada íntegramente en la misma.

Y es que hay lugares que si sabes que aparecen en una película te invitan con más motivos a verlas, y estos bosques de secuoyas de California siempre me han llamado mucho la atención desde que los descubrí de pequeño en un libro de geografía.

Supongo que Swank estuvo la mar de a gusto en el rodaje de esta película ya que es aficionada a todo lo relacionado con el aire libre, en especial le gusta el paracaidismo, el rafting y el esquí.

Pero lo que más me ha gustado de la película es el alegato a la vida en la naturaleza, a la conservación de la misma, y la conservación de las personas y pueblos que viven en ella, trabajan en ella y cuidan de ella, cuidar esas zonas despobladas y su naturaleza.

Algo que en España hoy en día está muy a la orden del día, con numerosas zonas despoblada y mucha naturaleza en peligro por los incendios por culpa de ese despoblamiento y consiguiente cuidado y vigilancia de esas zonas.

Valoración:                               6/10